Víve la fotografía 59n5q

En este capítulo quiero darte algunas ideas y consejos para tus fotografías estas Navidades. Último capítulo del año, gracias por estar ahí Más información y ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/ideas-fotografias-navidad/ ¿Te apetece dejarme tu reseña de iTunes? Me ayuda a hacer este programa más visible y a seguir adelante https://www.theimagen.com/resena-itunes/ ¡Mil gracias!  También te cuento al final sobre el sorteo de 3 libros de fotografía Contenido del episodio Estos son los consejos e ideas que te doy en el capítulo para tus fotografías en Navidad. En el Blog puedes encontrar ejemplos Sumérgete, muestra sentimientos y ten a mano tu cámara Usa la luz natural siempre que puedas y deja espacio a las sombras Cuidado con el flash, aunque puede ser una herramienta útil Usa el balance de blancos y distintos colores, no te quedes sólo en lo habitual Disfruta con los niños: momentos, montando una escena, etc. Aprovecha las luces de Navidad y la iluminación hogareña No tengas miedo a la foto de grupo: consejos de pose, iluminación y nitidez Tiempo para ver fotos: disfruta de las fotos ya realizadas con familia y amigos Cuenta un historia: vuestra forma de vivir la Navidad No dejes de divertirte, eso se mostrará en tus fotos Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante estas ideas para fotografiar en Navidad ;) Más información y ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/ideas-fotografias-navidad/ Esta es la página de 20€ de descuento de la empresa Saal Digital ????: https://www.theimagen.com/descuento-saal-digital/ Sorteo libros Para animarte a fotografiar y a pesar una foto chula, voy a regalar 3 libros de fotografía: Para participar tienes que compartir en Instagram una sóla imagen etiquetando mi @theimagen y usando el Hashtag #theimagenFeliz2020 La foto debes compartirla entre del 1 al 15 de enero de 2020 en esta red social. Los libros serán: «Ayúdame a mirar» (Photoclub) de Tino Soriano, «Fotomontaje creativo» (Photoclub) de Desirée Delgado y el libro «Fotografía con móviles» (Photoclub) de Rodrigo Rivas. Los 2 primeros serán por sorteo entre todos los participantes que cumplan los requisitos y el de Rodrigo Rivas será una foto que elegiré yo, la que más me guste ¡Feliz Navidad y próspero 2020! Más información y ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/ideas-fotografias-navidad/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te han gustado los consejos e ideas para tus fotografías de Navidad? ¿No? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 165. Consejos e ideas para tus fotografías en Navidad se publicó primero en theimagen.com

En este capítulo quiero darte algunas ideas y consejos para tus fotografías estas Navidades. Último capítulo del año, gracias por estar ahí 🙂 Más información y ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/ideas-fotografias-navidad/ ¿Te apetece dejarme tu reseña de iTunes? Me ayuda a hacer este programa más visible y a seguir adelante 😉 https://www.theimagen.com/resena-itunes/ ¡Mil gracias!  También te cuento al final sobre el sorteo de 3 libros de fotografía 😉 Contenido del episodio Estos son los consejos e ideas que te doy en el capítulo para tus fotografías en Navidad. En el Blog puedes encontrar ejemplos 😉 Sumérgete, muestra sentimientos y ten a mano tu cámara Usa la luz natural siempre que puedas y deja espacio a las sombras Cuidado con el flash, aunque puede ser una herramienta útil Usa el balance de blancos y distintos colores, no te quedes sólo en lo habitual Disfruta con los niños: momentos, montando una escena, etc. Aprovecha las luces de Navidad y la iluminación hogareña No tengas miedo a la foto de grupo: consejos de pose, iluminación y nitidez Tiempo para ver fotos: disfruta de las fotos ya realizadas con familia y amigos Cuenta un historia: vuestra forma de vivir la Navidad No dejes de divertirte, eso se mostrará en tus fotos Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante estas ideas para fotografiar en Navidad 😉 Más información y ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/ideas-fotografias-navidad/ Esta es la página de 20€ de descuento de la empresa Saal Digital : https://www.theimagen.com/descuento-saal-digital/ Sorteo libros Para animarte a fotografiar y a pesar una foto chula, voy a regalar 3 libros de fotografía: Para participar tienes que compartir en Instagram una sóla imagen etiquetando mi @theimagen y usando el Hashtag #theimagenFeliz2020 La foto debes compartirla entre del 1 al 15 de enero de 2020 en esta red social. Los libros serán: «Ayúdame a mirar» (Photoclub) de Tino Soriano, «Fotomontaje creativo» (Photoclub) de Desirée Delgado y el libro «Fotografía con móviles» (Photoclub) de Rodrigo Rivas. Los 2 primeros serán por sorteo entre todos los participantes que cumplan los requisitos y el de Rodrigo Rivas será una foto que elegiré yo, la que más me guste 😉 Más información y ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/ideas-fotografias-navidad/ ¡Feliz Navidad y próspero 2020! ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te han gustado los consejos e ideas para tus fotografías de Navidad? ¿No? Déjame un comentario y cuéntame 😉 Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 165. Consejos e ideas para tus fotografías en Navidad se publicó primero en the imagen.

Hoy nos acompaña una joven fotógrafa española, Clara Lozano, especializada en retrato. Clara ha ganado varios premios nacionales estos últimos años con unos recursos muy limitados y charlamos sobre sus inicios, las cosas que más le han aportado en su aprendizaje, sobre su obra, su proceso creativo, etc. Puedes ver su obra en Web: http://claralozano.com/ Instagram: @claralozanofotografia Te animo a participar en el reto fotográfico #46 usando un punto de vista cenital: https://www.theimagen.com/reto/46 Entrevista a Clara Lozano Sus inicios (Minuto 4:28) Clara nos explica que llegó a la fotografía de manera un poco casual. No quería estudiar ninguna carrera y decidió probar, aunque sin mucha vocación. De muy jóven sí subía fotos junto a sus amigos a un Fotolog, pero sin ninguna pretensión. En su caso no había antecedentes familiares. Nos cuenta que a ella le da cierta envidia cuando oye que una persona comenzó en la fotografía desde su niñez, pero no es su caso. Finalmente le comento, ¡qué más da! Lo importante es tener esa curiosidad. Su pasión por el retrato (Minuto 7:08) No sabe exactamente por qué le gusta especialmente el retrato. Nos explica que realmente probó todo, pero que lo que más le gusta es la moda y ya desde el principio veía que era algo que iba más allá de enseñar prendas. Eso le llevó a conocer artistas que trabajaban en modo, como Eugenio Recuenco. Al principio sí que mostraba más la estética, pero ha ido evolucionando y ahora el tema y la intención es lo importante. Principal valor de sus estudios de arte (Minuto 9:10) Nos cuenta que en la Escuela de Arte te muestran muchos medios y eres tú el que debe ir descubriendo qué te gusta. Cree que el principal valor es que le enseño todas las posibilidades que tenía a su alcance. Al terminar sus estudios sabía manejar su cámara y hacía fotos, pero no eran gran cosa. Es el ejercicio contínuo es lo que le ha llevado a ir mejorando sus fotos. Comentamos como de vital importancia la práctica y cómo no se deja de aprender nunca. Clara también nos indica que ser crítico consigo mismo es algo que considera importante, ahora ya va estando más cerca de su estilo y consigue fotos de las que mira un poco atrás y ya no las ve tan malas, jejeje. ¿Son necesarios grandes medios? (Minuto 13:40) Sé que Clara utiliza medios muy caseros, sobre todo al principio y le pregunto lo que considera más importante, más allá de los medios. Nos dice que para hacer fotos no hace falta casi nada, basta incluso con un móvil y poco más. Lo importante para Clara es la intención, tener claro qué quieres conseguir, un porqué. Nos cuenta el coste de varias fotos suyas, que en las más elaboradas no va más allá de 50-60€. Por ejemplo, nos explica que hasta hace poco sólo tenía un flash de mano barato y con eso ha hecho sus retratos, fotografía de producto, etc. Comentamos sobre la fotografía que le sirvió para ganar el principal premio artístico de su ciudad, la bienal de Albacete, la foto que encabeza este episodio. Ella empezó con muy pocos medios, con una sóla fuente de luz, por ejemplo, y eso no le ha impedido realizar las fotos que quería hacer. Prácticamente con nada, se pueden conseguir fotos interesantes… yo lo llevo haciendo así desde mis inicios – nos aclara. Últimamente ya sí que ha invertido más, por ejemplo, en una cámara nueva más profesional sobre todo por el La clave de su progresión (Minuto 19:56) Le pregunto por la clave sobre su evolución, comparada con otros compañeros de estudios, por ejemplo. Nos indica que muy pocos compañeros siguen en la fotografía a día de hoy. Clara supone que no encontraron en el medio lo que buscaban. También le pregunto a Clara si la falta de acción pudo influir, en el caso de sus compañeros no sabe, pero nos indica que efectivamente hay que ser muy activo y no quedarse parado ante los problemas, hay que actuar con los medios que se tienen, venciendo la pereza o el perfeccionismo. Aunque no se consigan grandes cosas, poco a poco, si se sigue trabajando los resultados van mejorando. Las principales características de su obra (Minuto 23:53) Nos dice que seguramente el pictorialismo de sus fotos, ya que la pintura es una de sus grandes fuentes de inspiración. En el postproceso hace que las sombras sean oscuras y las luces muy expuestas. Además, también ha habido una gran evolución en el contenido, antes sí que podía meter cosas sólo por su apariencia, pero ahora todo tiene un porqué. Todo en sus fotos está muy estudiado, por su simbología, etc. Consejo para quien esté aprendiendo (Minuto 25:39) Clara nos cuenta que aunque hoy día hay muchas formaciones muy buenas, su consejo principal es hacer fotos, muchas fotos. Considera que lo principal es fotografiar, habla de éste como el único secreto realmente. Asistir a una formación de otro gran fotógrafo puede estar bien, pero no se trata de copiar sus fotos, por lo que para ella lo principal es descubrir los gustos propios. La preparación de sus fotos (Minuto 27:02) Clara nos ha comentado ya que prepara mucho sus fotos, que cada vez más. Pero además, se suele encargar de todo. Nos cuenta que lo tiene relativamente fácil, porque como le gusta mucho la moda, el maquillaje, etc. y se ha esforzado en los últimos años en aprender cosas que no sabía, incluso con vídeos de Youtube, es algo que no le cuesta. Comentamos como si en ocasiones no se puede hacer todo como es su casa, también hay otras opciones con las personas que conocemos o los grupos colaborativos TFCD. Ella colabora con personas que va conociendo y que se ayudan mutuamente. La iluminación más habitual y postprocesado (Minuto 30:16) Aunque ya nos ha adelantado algo, le pregunto por las fuentes de luz que suele usar y nos confirma que una, habitualmente un octobox grande, de unos 120 cm. Con esa luz consigue ese efecto pictórico que tanto le gusta, tan habitual en pintura, que deja espacio a las sombras y que muestra bien el relieve. En sus fotos intenta que todo esté ya en la captura, aunque también puede usar partes de distintas fotos si le gustan más. Luego mejora piel, ajusta el color, etc. Su último premio: La bienal de artes plásticas de Albacete (Minuto 32:48) Le pregunto por lo que ha supuesto para ella ganar este premio donde compiten varias artes. Para ella es un sueño hecho realidad, ya que además es la primera vez que gana una fotografía este premio. Como la pintura es una fuente de inspiración muy grande para ella, ganar este premio le ha dado mucha satisfacción. Además, que haya sido elegida su obra frente a pinturas, le da mucho valor, ya que para ella la pintura es el “gran arte”. Comentamos un poco sobre las comparaciones entre pintura y fotografía y los debates y roces que surgen entre ellas. Nada nuevo, a la fotografía le ha costado hacerse ese hueco en las artes. También hablamos de la revolución que ha supuesto la fotografía digital y el uso de dispositivos de captura tan accesibles como un móvil. Respecto a concursos le pregunto si nos aconseja presentarnos a concursos y lo tiene claro: sí, ya que eso supone hacer más fotos y por lo tanto entrar en la espiral de mejorar nuestra obra. Eso sí, hay que verlos como un estímulo, ya que al final el resultado del jurado es muy subjetivo. Pero ponerte a ello, independientemente del resultado, ya es algo muy bueno. La importancia de exponer el trabajo (Minuto 40:22) Clara ha expuesto este año en el Museo Municipal de Albacete, y le pregunto por la experiencia. Nos cuenta de efectivamente, le ha servido para acercar su obra a muchas personas que están fuera de sus redes sociales, etc. Comentamos sobre los miedos que puede haber a exponer en público, pero ella nos indica que no tiene miedos en ese sentido. Cree que la gente no hace llegar esas críticas por lo que le da un poco igual lo que puedan pensar. Vivir de la fotografía (Minuto 42:40) Le pregunto por este tema y Clara nos cuenta que ella hace muchos tipos de fotografía, sobre todo fotografía social y de producto. Las bodas le encantan y las disfruta mucho. Comentamos que es muy difícil vivir sólo de la obra personal, y cómo es necesario diversificar las fuentes de ingresos. Referentes (Minuto 43:49) Su gran referente es Eugenio Recuenco y también le gusta mucho el fotógrafo español Paco Peregrin, muy relacionado con el mundo del maquillaje y la moda. Y nos cuenta que su inspiración básica la saca por el museo del Prado en Madrid, que según nos cuenta es valorado por muchos como el mejor museo del mundo. Ella lo suele visitar siempre que va a Madrid y también lo suele consultar de forma “online”: https://www.museodelprado.es/ Próximos retos (Minuto 46:35) Nos cuenta que ha comenzado a trabajar en un fotolibro personal que espera que vea la luz a finales de 2020. Un fotolibro que ella llama “joya”, que aparte de sus fotografías, el propio libro sea también una obra de arte. Clara Lozano es una joven fotógrafa española, que se ha especializado en el retrato construido para contar sus historias. Ganadora de varios premios nacionales Clara ha conseguido expresarse de una forma muy pictórica a través de sus imágenes. Web: http://claralozano.com/ Instagram: @claralozanofotografia ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Clara Lozano? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 164. El retrato construido de Clara Lozano se publicó primero en the imagen.

Hoy contamos con Paloma Rincón, una fotógrafa especializada en fotografía de producto, publicitaria y comercial y más concretamente en el bodegón creativo. Puedes ver su obra en su Web (ahora en reforma): http://palomarincon.com/ Y sobre todo en Instagram: @paloma_rincon_ Sobre sus inicios (Minuto 4:27) Paloma nos explica que siempre ha tenido mucha conexión con España, ya que sus padres son españoles. Cuándo terminó el Bachillerato, pidió una beca y se trasladó a España. En México ya orientó sus últimos estudios hacia las artes. Pero al principio tenía interés por el cine, el diseño… y poco a poco se fue centrando en la fotografía. Comentamos que realmente esa curiosidad por otras artes al final se muestra en sus fotografías. Sobre los medios disponibles (Minuto 6:57) Le pregunto a Paloma sobre sus primeras creaciones, que tuvieron que son mucho más caseros. Nos explica que tampoco ha cambiado mucho la forma de llevar a cabo sus creaciones, que no son los medios disponibles los que dictan si puedes conseguir un buen resultado. La experiencia y la creatividad tiene un papel mucho más importante. Creatividad vs Medios (Minuto 8:03) Paloma nos cuenta que en sus imágenes, lo que hace que sean distintas de otros fotógrafos es la creatividad. Sus imágenes tienen mucha técnica, pero nos explica que no es lo mismo que medios. Con la técnica consigue usan los medios que tiene de forma óptima. Para ella, la técnica es algo que se puede aprender, pero no es lo que define un buen trabajo. La importancia del estilo propio (Minuto 10:40) Para ella el fotógrafo no profesional lo que tiene que hacer es disfrutar de lo que hace. Uno profesional puede elegir hacer un poco de todo, intentando hacer bien todo eso, o bien elegir una especialidad. En el primer caso, al abrir tanto el abanico, considera que no puedes conseguir un trabajo tan personal, por lo que tendrá que competir por precio, lo cual es un peligro. Naturalmente considera mejor que te llamen por precio. Su recomendación para adentrarse en la fotografía de producto (Minuto 13:18) Paloma considera que antes que nada es importante tener clara la idea y cómo se va a conseguir. A partir de ahí, ya se puede empezar a ver los medios. Al principio, es normal obsesionarse por la técnica, pero lo realmente complicado es tener una buena idea. Eso evita que te vayas por las ramas con iluminaciones que pueden ser llamativas. Su proceso creativo (Minuto 15:17) Empieza con una idea más general que intenta ir aterrizando a cosas más concretas y al ir pensando en todos los aspectos de la imagen va centrando la idea. Si es un trabajo para clientes siempre suele hacer bocetos más o menos detallados y si es para ella, quizás menos detallados, pero para optimizar los medios, suele hacerlos. Comentamos como en ese proceso creativo, a veces las cosas salen y otras no, y hay que tener la mente abierta para cambiar las ideas si algo no funciona. Los materiales que más suele utilizar (Minuto 18:34) En sus creaciones comerciales puede utilizar de todo. Y en sus creaciones tiene fases, durante periodos ha usado muchos los líquidos, las flores, … son temas recurrentes. Para los fondos suele usar materiales que aguanten los líquidos como el PVC. Las fuentes de luz (Minuto 20:03) En su caso no utiliza muchas fuentes de luz, muchas veces puede usar sólo una fuente de luz. Le gustan las luces bien dirigidas, que de alguna forma estén justificadas. No suele usar luces de contra o cruce de sombras, en general no le gustan iluminaciones muy efectistas. Uso del color (Minuto 22:22) En su caso el color es muy importante y ya en la idea comienza a elaborar la paleta de color, que generalmente son muy cerradas, con muy pocos colores, máximo 3-4 colores principales. Eso hace que luego sus imágenes tengan ese punto gráfico. Comentamos que es algo usar pocos colores en cualquier tipo de fotografía, hace que se vea más ordenada. Nos habla incluso de fotógrafos que hacen fotografía documental cuyo trabajo tiene una paleta de color con mucho sentido, como el de la fotógrafa Ana Domínguez. El error más habitual de sus alumnos (Minuto 26:08) La sensación que tiene de sus cursos online es que no se siguen los pasos que se explican, considera que seguramente hay personas que no Para ella aprender una disciplina, hay que ser activo y muchas veces uno se frustra con los resultados en el proceso. Las cosas hay que prepararlas y lleva su tiempo conseguir buenos resultados. Consejo para fomentar la creatividad (Minuto 28:59) Su consejo es hacer, luego uno va aprendiendo qué le funciona y que no, pero lo fundamental es hacer. Poco a poco vas conociendo los puntos en los que te atascas y le vas poniendo remedio. Ella pasa por los mismos momentos críticos a la hora de solventar un problema que no le sale a la primera. Inspiración (Minuto 31:39) Nos aconseja que no nos basemos sólo en la fotografía y que cuánto más alejado esté de lo que estás haciendo mejor, porque así es más difícil en “imitar” otros trabajos. De esta forma es más fácil crear algo original. En particular a ella le gusta mucho la arquitectura, pintura, instalaciones… cualquier cosa que le de ideas de materiales, texturas, etc. En esos casos toma fotos para guardar las ideas. Todo lo que ve y le gusta, lo guarda para otros trabajos, aunque no suele usar imágenes concretas para sus trabajos, en todo caso como “germen” de su trabajo. Comentamos la importancia de ir ampliando nuestras referencias y documentar los trabajos. Postprocesado (Minuto 36:52) Paloma explica que intenta conseguir lo máximo en la captura, pero que el postprocesado es en sus fotos muy importante por dos motivos. El primero es que las cámaras que utiliza tienen mucha resolución y tiene que asegurarse de que las imágenes estén perfectas, sin motas de polvo, etc. La segunda es que en muchas fotografías la toma perfecta la consigue uniendo partes de distintas fotografías y en lugar de estar repitiendo tomas y tomas, monta la foto final a partir de varias imágenes ¿En qué te inspiras para realizar tus trabajos? (Minuto 39:37) Nos indica que hay de todo. Antes las agencias que se encargaban de la creatividad ya traían una idea filtrada y desarrollada, lo que ayudaba bastante. Pero últimamente no desarrollan tanto las ideas y dejan más a los fotógrafos o directores creativos que lo hagan. Esta es una pelea profesional que está pasando más. Y cada vez más, se hacen trabajos directamente con el cliente, ya que considera que las agencias en parte no están haciendo su trabajo. En su caso, tiene la suerte de que le suelen buscar por su trabajo. Sobre sus cursos (Minuto 43:35) Le pregunto a Paloma por sus cursos y talleres. Nos habla de sus dos cursos en Domestika: Fotografía de producto en alta velocidad Fotografía de producto con luz directa del sol También hablamos de otros cursos en WorkShop Experience y en la escuela La Máquina, y el abril de 2020 nos dice que uno el Málaga en la Escuela Apertura. Paloma Rincón es una fotógrafa especializada en fotografía comercial y publicitaria y más concretamente en el bodegón creativo. Trabaja para grandes marcas como Toyota, Ikea, Samsung, Playstation, Renfe, Coca-Cola, entre otras muchas. Puedes seguir su trabajo en Instagram: @paloma_rincon_ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Paloma Rincón? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 163. El bodegón creativo de Paloma Rincón se publicó primero en the imagen.

Ya iba tocando un episodio de análisis de una fotografía. En este caso te hablaré de la foto que cambió la imagen del sida. El día 1 de diciembre de cada año, se celebra el Día Mundial de la Lucha contra el Sida, por lo que creo que es un buen momento para volver a hablar de esta fotografía. Recordemos la historia y aprendamos de los errores, no puede haber mejor homenaje. Más información y ejemplo en el Blog: https://www.theimagen.com/foto-cambio-cara-sida/ Te animo a participar en el reto fotográfico #46 sobre una toma cenital: https://www.theimagen.com/reto/46 Fotógrafa Cuándo tomó esta mítica fotografía, Therese Frare, era una joven estudiante de periodismo con inquietud por la fotografía. Frare actualmente vive y trabaja en Seattle, Washington, y junto al fotógrafo Greg Davis mantiene la empresa Frare Davis Photography, donde fotografía sólo proyectos seleccionados. Contexto Hablo de los inicios de esta devastadora enfermedad para contextualizar el momento y la importancia de la captura de la imagen. Desde un inicio se asoció a los homoxesuales lo que ha marcado su percepción por la sociedad. Este error ha tenido duras consecuencias, como explico aquí. Fotografía Explico cómo fue la captura de la imagen, cómo se desarrollaron esos momentos y la importancia que tuvo esta imagen. También analizo la imagen desde el punto de vista visual, los elementos que desde mi punto de vista más importancia tienen en la misma. Hablo tanto de la publicación inicial de la foto, como de su utilización posterior en una campaña de Benetton, que todavía difundió más la imagen. Análisis con ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/foto-cambio-cara-sida/ Conclusión Está claro que esta fotografía mostró el rostro devastador y humano de la enfermedad. Esta sensibilización, junto con otras acciones, fueron poniendo cada una su granito de arena para conseguir más recursos de investigación, más ayudas a los enfermos, etc. Por desgracia, hoy día el sida está lejos de desaparecer, sólo en 2018 murieron cerca de 1 milló de personas en el mundo por su culpa. El lema de 2019 para el Día Mundial de la lucha contra el Sida es “Las comunidades marcan la diferencia”. Sigamos informando, previniendo y buscando una cura definitiva. Más información y ejemplo en el Blog: https://www.theimagen.com/foto-cambio-cara-sida/ Música Labile Polvere de Mattia Vlad Morleo (vía Jamendo) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías esta imagen? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 162. Efecto óptico: análisis de la fotografía que cambió la cara del SIDA se publicó primero en the imagen.

Hoy está con nosotros en el Podcast Charo Guijarro, una fotógrafa especializada en retrato y más concretamente en el desnudo. Charo es una fotógrafa comprometida con la imagen de la mujer y sus fotografías están muy apegadas a sus sentimientos, tal y como nos cuenta en la entrevista. Nos explica su forma de trabajar, su visión sobre el acto creativo, su búsqueda de una conexión con la persona retratada, … y muchas cosas más. Puedes encontrar a Charo Guijarro en: su Web: https://charoguijarro.com/ | Instagram: @charo_guijarro Para practicar, te animo a participar en el reto fotográfico #45 sobre arquitectura: https://www.theimagen.com/reto/45 Entrevista Sobre sus inicios (Minuto 4:38) A Charo desde pequeña le gustaba fotografía, pero no pensaba nunca que se dedicaría a ella. En su caso, su profesión no tenía nada que ver con la fotografía, su trabajo estaba relacionado con los recursos humanos y la selección de personal, pero en la época de crisis su empresa pasó por apuros, comenzaron los despidos y ella pensó en un primer momento buscar trabajo. Nos comenta que en la fotografía hay que dedicarle mucho tiempo para poder vivir de ella. Su evolución desde la fotografía de calle (Minuto 7:16) Charo nos cuenta que en sus inicios efectivamente no tenía claro qué tipo de fotografía le gustaba y por la gente que conocía comenzó a hacer fotografía de calle. Pero pronto llegó a una inquietud que tiene desde joven, en sus estudios de historia del arte, cuándo empezó a realizar dibujos de desnudos. ¿Qué significa desnudarse para tí? (Minuto 9:11) Para Charo es mucho más de lo que se suele entender. Para ella es es un acto humildad, es algo básico, muy primitivo, es nuestra forma natural de ser. Más allá de la parte erótica o sensual, a ella le gusta poner en valor esas otras cualidades al desnudo. Proyecto “‘DesnudARTE” (Minuto 10:33) Este fue su primer gran proyecto, y en el mismo Charo profundiza en el desnudo ma?s alla? de la piel y de los convencionalismos, para mostrar el mundo de las emociones. Le pregunto por lo que supuso para ella. Para Charo es un proyecto inacabado, que no le apetece acabar por su inquietud incesante en este tema. Es una forma de expresarse que tiene que ver con el desnudo y con otras cosas que explica a través del mismo. Su mayor aprendizaje de este proyecto (Minuto 11:41) Charo nos explica que le sirvió para aprender muchas cosas, pero la principal es el hecho de superar sus miedos a exponer en público este tipo de fotografías. Nos cuenta que es un desnudo un tanto cruel por aquello de las posibles críticas. También cree que el desnudo femenino está muy tratado por los hombres, pero no así por la visión de una mujer, considera, y no le falta razón, que fue un acto de valentía por su parte. Comentamos cómo el mismo acto de exponer un trabajo ya es un gran paso. Sobre su proyecto Génesis (Minuto 14:15) Es un trabajo que realizó junto al fotógrafo Jorge Pastor sobre una mirada sobre la relación del cuerpo con la naturaleza. Partiendo del mismo concepto, cada fotógrafo aporta doce fotografías desde su propia visión. Es un buen ejemplo de cómo nos expresamos de forma distintas las personas. Puedes echar un vistazo al proyecto en esta Web: http://www.genesistierraypiel.com/ Estas diferencias expresivas son buenas y necesarias como nos comenta Charo, y hay que poner en valor la voz de la mujer en todos los ámbitos de nuestra vida, anima a las mujeres a expresarse sin miedos y hacer más visibles sus voces. ¿Cómo de importante es la técnica? (Minuto 17:29) Hace poco en un charla que impartió en La Roda, dentro de la Semana fotográfica de la Asociación Fotográfica Panorama a la que pertenezco. Nos recomienda que lea mucho sobre fotografía, que vea exposiciones, que vea documentales y películas, etc. Lo demás es prueba y error, cada uno tiene sus propias preferencias a la hora de usar su equipo, a nivel de objetivos, aperturas, etc., pero que cada persona tiene que descubrir sus propios gustos. No considera que sea algo que hay que descuidar, para nada, pero que muchas veces el uso excesivo de la técnica, aparta el foco del mensaje expresivo de las fotografías. Comentamos cómo es mucho más conveniente que si una foto tiene que pecar de algo, tiene que tener algún fallo, mejor que sea técnico, que no expresivo. Sobre el autoconocimiento (Minuto 23:09) Nos cuenta cómo conocerte es ir descubriendo tu camino en la fotografía. En su caso está un poco a la vuelta a sus orígenes. Ahora está contando por ejemplo, la historia de su familia, con un corte más documental. Con un par de proyectos. Nos explica cómo el autoconocimiento es fundamental, porque muchas veces los fotógrafos nos dejamos llevar por las fotografías de los demás, lo que no nos conduce a nada y uniformiza el discurso. Charo comenta como la gran mayoría de sus modelos no son profesionales, no se dedican a posar, lo cuál es un reto para ella, pero cree que puede conseguir resultados más naturales y que muestran otros aspectos. “Olvidarse de las reglas y sentir la fotografía…” (Minuto 27:31) Esta es una de las recomendaciones que nos daba en su charla Charo y la saco a colación porque me parece que tiene mucho valor. Charo nos explica cómo para conseguir un buen retrato tienes que empatizar con la persona, para conseguir una conexión con ella. Es algo incluso psicológico. Esa conexión nos comenta que es maravillosa, para ella es tan importante la fotografía como esos momentos. Comento el caso de Tino Soriano y su foto a un pastor, con el que compartió un día de trabajo antes de ganarse su confianza y conseguir la foto que buscaba. Aunque todo retrato es subjetivo, como decía el maestro Richard Avedon, como comentamos, esa aproximación al retrato hace que sea más auténtico. La presión del trabajo vs Creatividad (Minuto 31:48) Comentamos sobre el estrés que puede suponer tener que conseguir un buen resultado en un tiempo exacto. Charo lo sufre mucho porque su proceso creativo no entiende de tiempo y a veces hay algo que puede conseguir rápido y otras le lleva mucho más tiempo. Sin duda, la libertad creativa de quienes no tienes esa obligación de los plazos, es estupenda. Está claro que este factor del tiempo exacto, es algo “negativo” por la presión que supone. Un aficionado tiene la suerte de no tener esa obligación. También hablamos de los cánones establecidos que parece que existen en el retrato y en otros tipos de fotografía, que muchas veces parece que hay reglas que no se pueden romper. Todo esto al hilo de que en sus fotografía no aparecen muchos rostros y por lo tanto no suelen aparecer miradas, algo que mucha gente interpreta como un error, ya que en todo retrato parece que debe aparecer la mirada. Al final, coincidimos en que lo más importante es conseguir expresarse a través de la fotografía y que eso no entiende de reglas. Consejos para fomentar la creatividad (Minuto 35:15) A Charo le cuesta concretar un consejo, pero lo primero y fundamental para ella es sentir y luego intentar plasmarlo en tus fotos. En su caso están muy relacionados sus sentimientos a sus fotografías, algo que percibe incluso mucho tiempo de hacer sus fotos. Nos comenta que para ella la fotografía es un medio de expresión más y ya está. Para ella más fácil que la pintura, Su proceso creativo (Minuto 39:28) Charo nos explica que en su caso no tiene la imagen prefijada previamente. Que puede tener una idea a veces, pero no tiene nada cerrado desde el inicio. Sí tiene una idea de lo que busca, pero poco más. Se suele dejar llevar por lo que percibe en cada sesión. Y hay veces que no tiene las ganas o la inspiración para hacer fotos de un tipo y ya está, lo intenta llevar con normalidad. Blanco y negro vs Color (Minuto 41:28) Charo suele usar mucho el blanco y negro en sus fotografías, pero también utiliza el color. Le pregunto por esas preferencias, si tiene claro si va usar colo o no en sus fotografías desde el principio. Como en otras cuestiones, Charo se sale de los cánones más establecidos respecto al uso del color, el hecho de usar o uno o el otro, que no se pueden mezclar, algo que considera que no es cierto. Comentamos la dificultad añadida del color frente al blanco y negro, pero la potencia del color a la hora de crear ambientes, una determinada atmósfera. Recomendaciones (Minuto 47:35) Le pregunto a Charo por alguna recomendación para quienes están aprendiendo fotografía, libro, película, etc. Por su fotografía, nos recomienda la película “Ida”, una película en blanco y negro del 2013 dirigida por Pawel Pawlikowski, y la serie de Netflix “The Crown”. Al terminar la entrevista, me comentó otras dos pelis que le gustan mucho «Una historia verdadera» de David Lynch y «Promesas del este» de David Cronenberg. En cuándo a libros nos recomienda el libro “Beso de Judas”, de Joan Fontcuberta y “Moriremos mirando” del fotógrafo Alberto García-Alix. Y cómo no, leer todos los libros posibles de los grandes maestros de la fotografía. Terminamos hablando de la censura de Instagram y de ciertos límites que nos estamos poniendo nosotros mismos, sobre lo que está socialmente aceptado, limitando nuestra creatividad. Charo Guijarro es una fotógrafa española especializada en el desnudo. Comprometida con la imagen de la mujer, busca en sus desnudos ir más allá de las apariencias y convencionalismos, creando una atmósfera íntima y emotiva en sus imágenes. Su Web: https://charoguijarro.com/ | Instagram: @charo_guijarro. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Charo Guijarro? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 161. La fotografía íntima y emotiva de Charo Guijarro se publicó primero en the imagen.

Sabes que no suelo hablar de cámaras en este Podcast, pero como de vez en cuando me llegan consultas y dudas sobre este tema. Como creo que hay tanto «vende humo» quizás pueda serte útil mi punto de vista. En este episodio repaso las características más importantes que puedes tener presentes, de los tipos de cámara más habituales y ¿cómo no? Te voy a dar mi particular visión sobre el tema. Comenzamos hablando de cámaras y puede que terminé hablando de otra cosa…  jejeje Un episodio un poco largo, pero ¿Quién sabe? Lo mismo hasta consigo que te ahorres un dinerito En el artículo del Blog relacionado con el Podcast, encontrarás algunos modelos concretos de referencia, por si te sirve de ayuda, y hasta una hoja de cálculo que puedes descargar para que puedas comparar fácilmente varios modelos y tomar una decisión más rápido y con más criterio Más información en el Blog: https://www.theimagen.com/guia-comprar-camara/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre arquitectura: https://www.theimagen.com/reto/45 Contenido Algunas de las características a la hora de comprar tu cámara son: Precio Tamaño y peso Megapíxeles Sensor Formato de archivo Sensibilidad Enfoque Modos de disparo Tipo de visor Posibilidades de ampliación Flash incorporado Estabilizador … Tipos de cámaras Comento los tipos de cámaras más extendidos y sus ventajas y desventajas: Compactas Bridge Réflex Sin espejo o EVIL ¿Móviles? Y más cosillas… ¿Existe la mejor cámara del mundo? ¿O todo depende de qué busques? Es más, ¿realmente necesitas una cámara? Termino el episodio dándote unos consejos y recomendaciones que espero que te ayuden a ahorrar dinero y sobre todo, a no perder de vista cosas muy importantes. ¿Te animas a descubrir cuales son esas cuestiones? Más información en el Blog: https://www.theimagen.com/guia-comprar-camara/ Descuento Saal Digital Desde la empresa especializada en impresión Saal Digital han tenido la deferencia de ofrecer a los oyentes del Podcast un descuento de 20€ para que pruebes sus productos. No los recomendaría si no conociese su calidad ;) : https://www.theimagen.com/descuento-saal-digital/ Música Everything We Wanted (2019). Autor: Pure Mids (vía Jamendo) ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Tienes en mente comprarte una cámara? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 160. Recomendaciones para comprar tu cámara de fotos se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con dos abogados expertos en derechos de imagen, Fernando Aransay y Borja Vidaurre, el despacho de abogados AransayVidaurre de Madrid. Si practicas alguna disciplina como la fotografía de calle donde aparecen personas, creo que esta entrevista puede interesarte. Y en cualquier caso, los fotógrafos la verdad es que de forma general no estamos muy puestos en estos temas, por lo que cualquier de esta información puede ser útil y arrojar algo de luz al respecto Hablamos del marco legal en España y el más habitual fuera de nuestro país, de nuestras obligaciones como fotógrafos respecto a terceros y también de nuestros derechos sobre nuestras creaciones ¿Te quedas? Web: http://aransayvidaurre.com/  |  Email: [email protected] Entrevista Las leyes que nos afectan (Minuto 4:26) Aparte de las generales Constitución Española, Código civil, etc., fundamentalmente son dos: la Ley de Propiedad Intelectual, que defiende la creación de los fotógrafos y la Ley de Protección civil del derecho al honor, a la intimidad personal y familiar y a la propia imagen, que defiende los derechos de las personas que aparecen en nuestros. La primera defiende los derechos sobre nuestra obra y la segunda de las personas que puedan aparecer en nuestras fotografías. Cambios en los últimos años (Minuto 6:25) Nos indican que a pesar de lo que se pueda pensar, realmente no ha habido prácticamente cambios. En la Ley de Protección civil del derecho al honor, a la intimidad personal y familiar y a la propia imagen, sí que ha cambiado un poco las limitaciones de lo que la sociedad entiende como “permisible” en cada momento. Borja nos indica que hoy día con los dispositivos móviles, hay una mayor intromisión de la captura de la imagen. Fernando, nos aclara que la Ley de Propiedad Intelectual sí que ha sufrido varios cambios pero más técnicos que otra cosa. También que estos derechos también nos aclaran que son prácticamente los mismos en cualquier país de occidente y en suramérica. La aparición de personas en nuestras fotos (Minuto 12:25) Borja nos cuenta que aunque sea duro para los fotógrafos, la norma fundamental es: nadie tiene por qué soportar la utilización de su imagen personal sin su consentimiento. Esto es así salvo determinadas circunstancias muy concretas como son: La imagen de una persona sea pública. Nos ponen como ejemplo, la imagen del Presidente del Gobierno. Aunque hay que diferenciar entre tener una imagen pública y la intimidad, la captura de su imagen en momentos íntimos, no está permitida. Cuándo hay un derecho superior al de nuestro derecho de imagen, como es el de información. Si sale nuestra imagen en una noticia, el derecho a mostrar esa noticia está por encima de nuestro derecho Fernando aclara que estas situaciones están acotadas y totalmente concretadas, naturalmente no nos podemos salir de ahí. Borja nos pone de ejemplo la captación de imágenes en un estadio de fútbol, en las típicas pantallas gigantes. Y nos hablan de varias casuísticas que ponen de relieve lo comentado. Hablamos sobre el permiso tácito de una persona que se pone delante de una cámara o que posa. Pero después habría que poder demostrar este permiso. La realidad es que generalmente en el día a día, la gente no demanda la violación de su derecho de imagen, a no ser que se asocie a cosas concretas, que puedan dañar su imagen. Qué hacer si recibimos la queja de una persona (Minuto 26:30) Les expongo un caso práctico, una foto capturada para nuestra propia obra sin ningún otro objetivo. Borja nos comenta que hoy día, en las sentencias sí que se tiene en cuenta la facilidad para eliminar personas de una foto. Eso antes no era tan fácil y ahora es mucho más. El consejo es claro: retirar la foto de la que hemos recibido la queja o eliminar a esa persona de la misma. El porcentaje de que nos llegue a demandar es bastante bajo y luego esa persona tendría que demostrar el daño que ha repercutido en la persona, para demandar daños y perjuicios. Realmente para recibir indemnizaciones la persona tiene que demostrar el daño recibido por violar su derecho de imagen. Nos comentan el caso del fotógrafo estadounidense Spencer Tunick, que fotografía a cientos de personas desnudas, donde queda claro el consentimiento implícito de las personas que aparecen en esas imágenes. Aparición de menores en las imágenes (Minuto 34:59) Nos explican que es un caso muy complejo, porque ni siquiera los padres o tutores en ocasiones pueden dar el permiso hacia sus hijos. Aunque parezca extraño, los padres pueden dar permiso sólo si el niño no tiene uso de razón, y aquí ya entramos en arenas movedizas. Además, aunque diesen el consentimiento, tienen la obligación de trasladar al Ministerio Fiscal de que un tercero se va a entrometer en los derechos de los menores y el mismo tiene un plazo para dar esa autorización. Es un tema muy complejo y por eso en muchas imágenes los niños aparecen con las caras tapadas o pixeladas. Trabajo en estudio (Minuto 38:48) Cuándo sean menores, se debe tener el consentimiento de los dos padres o de todos los tutores, no vale con uno de ellos. En sesiones de estudio y demás, entraría en juego el consentimiento tácito para hacer las fotos, si por ejemplo nos paga esa persona por ello. Pero si le damos un uso distinto al acordado o lógico, como la publicación sin su consentimiento en medios públicos, estaríamos violando sus derechos. Charlamos sobre el alcance de los consentimientos, cuándo se va más allá del uso “normal” debe especificarse muy bien en las condiciones, aunque estén firmadas, si no puede haber problemas. En resumen: prudencia y uso “habitual” (Minuto 42:45) Por concretar después de lo hablado, les comento a Fernando y Borja, un caso digamos “habitual” de fotografiar para nuestra obra personal, donde aparezcan personas. Nos aclaran que el riesgo en estos casos es bajo, aunque no debemos olvidar la premisa de que estamos haciendo las cosas mal si capturas la imagen de una persona sin su consentimiento. En todo caso seamos de prudentes y algo bueno sería hablar con la persona una vez que aparece en nuestras fotos, si no lo hemos hecho antes. Los derechos sobre nuestras fotos (Minuto 45:16) Una obra no deja de ser una obra de propiedad intelectual y como tal tiene una protección como cualquier otra propiedad nuestra. Nos aclaran que no hay que indicar ninguna restricción adicional sobre las fotografías para que estén protegidas, cualquier uso debería contar con nuestro permiso. Licencias tipo Creative Commons (Minuto 48:16) Comentamos sobre las licencias tipo Creative Commons, y nos aclaran que no es una dejación de nuestro derecho, si no que realmente son un ejercicio de ese derecho de propiedad para permitir ciertos usos. Es decir, que no hay que aclarar las restricciones, si no, los usos permitidos, todo lo demás está prohibido. Excepciones a los permisos (Minuto 50:42) Existen excepciones al uso de imágenes sin consentimiento previo, como es el Derecho de Cita, cuándo usamos esas imágenes para hablar de esas, cuyo fin no es la mera reproducción de esas fotografías, aunque sí hay que citar la fuente y el autor. También nos hablan de la captación de fotos o vídeos de obras que están en el espacio público. Que el autor haya autorizado que se exponga una obra en el espacio público permite capturar imágenes de ella, incluso con fin de lucro, siempre que no haya un “abuso” del derecho, reproduciendo literalmente una fotografía, por ejemplo. Las fotos que han sido reproducidas en medios sí que se pueden usar en otros medios, citando eso sí la fuente y autor. Fotografiar edificios y lugares (Minuto 56:38) Les pregunto por fotografiar el exterior de edificios, porque en algún momento leí que la imagen del museo Guggenheim en Bilbao estaba protegida y si usabas imágenes del museo debías pedir permiso al mismo. Nos aclaran que la imagen exterior de los edificios no tienen ese derecho de propiedad intelectual, otra cosa es el interior, que suele estar restringido y en el se indican las cosas permitidas, como es la prohibición de hacer fotos. Las objetos normales en sí, no tienen derecho de imagen, ni de propiedad intelectual. Un sofá o una estancia de una casa “normales”, no de un artista, por ejemplo. También nos aclaras que los objetos antiguos ya han perdido su derecho de propiedad intelectual, por el paso del tiempo. Generalmente en museos y similar se llega al acuerdo de que podemos pasar, pero como decíamos, por ejemplo, no hacer fotos. Qué hacer para defender nuestra propia obra (Minuto 1:04:31) Les comento el caso de que creamos que se han violado  derechos de uso de nuestras imágenes, su recomendación sobre cómo proceder. Su recomendación clara es consultar con un experto, lo que nos puede ahorrar dinero, tiempo y muchos quebraderos de cabeza. Borja Vidaurre y Fernando Aransay son dos abogados especializados en medios, audiovisual y entretenimiento. Desde su despacho de abogados, AransayVidaurre, prestan servicios sobre propiedad intelectual y derechos de imagen, tanto en el ámbito jurídico, como de gestión, nacional o internacional. Web: http://aransayvidaurre.com/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te quedan dudas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 159. Derechos y obligaciones de los fotógrafos se publicó primero en the imagen.

Javier Aranburu es un fotógrafo español que especializado en fotografía de moda y fotografía de calle, aunque realmente ha sido un fotógrafo muy polifacético. Ha trabajado para grandes marcas publicitarias, como Nike, Chanel o Huawei, para grandes medios como El País Semanal, revistas especializadas como “H Magazine”. Recientemente ha sido finalista en Street Photo de San Francisco y mención de honor en los premios (IPA) International Photo Awards de Los Ángeles. En la entrevista hablamos de fotografía de moda, de calle, de arte, de su evolución, su pasión por la fotografía y su particular visión sobre la misma. Su Web personal de fotografías: http://www.javieraraNburufotografia.com Instagram: @javier_aranburu La Web de su Galería: http://javieraraNburu.com RECUERDA: Hasta el 27 de octubre puedes participar en el reto fotográfico sobre flores: https://www.theimagen.com/reto/44 ENTREVISTA De economista a fotógrafo (Minuto 5:04) Javier nos explica que su caso seguramente no es muy habitual, terminó su carrera en la Universidad sin ninguna curiosidad por la fotografía, pero justo después escuchó a un fotógrafo que hablaba de sus viajes, sus fotografías y algo le hizo “click” en su interior y vio que aquello le gustaba más que la profesión de sus estudios. Al descubrir su vocación ya adulto, tuvo claro que iba a ir a por todas. Sus inicios (Minuto 8:04) En sus inicios tenía clara su vocación, pero no qué disciplina le gustaba. Al principio aprendió el manejo de la cámara y sin mucha seguridad si que comenzó a llamar a muchos medios de prensa y revistas. Le llamaron un día para hacer unas fotos para la Fashion Week Madrid, después le encargaron fotos para la Fashion Week de Nueva York y allí consiguió un trabajo en la biblioteca del International Center of Photography de esta ciudad. Trabajó también para Europa Press, pero vio que la fotografía de moda era lo que más le gustaba en ese momento y apostó por ella. Comentamos la importancia de hacerse un primer portfolio y Javier recuerda cómo al principio comenzó como muchas personas, con colaboraciones con amigos, una amiga que posa, un amigo estilista, hasta que hablas Nos cuenta cómo cuándo vivió en New York tenía en el salón su estudio improvisado. Consejo para adentrarse en la fotografía de moda (Minuto 14:51) El primer consejo que le daría a una persona que quiera empezar es la paciencia para ir haciendo ese portfolio inicial sin agobios, disfrutando todo lo posible. Anima sobre todo a probar muchas cosas, a experimentar, al principio la ausencia de obligaciones, de presión de clientes, te permite hacer lo que quieras. Cuándo ya tienes un portfolio decente, puedes empezar a buscar clientes. También nos comenta que hay que tener siempre los pies en la tierra, al principio uno puede tener una percepción distorsionada, pero cuándo te comparas con otros fotógrafos experimentados, ves la diferencia. Además, al principio tampoco se tiene a otros profesionales fácilmente (estilistas, modelos, …), por lo que hay que ir poco a poco. Las enseñanzas de la fotografía de moda (Minuto 18:11) Javier nos dice que quizás, una sería entender la luz, al ser una disciplina en la que se usan muchos recursos de interior y exterior. Y la otra el trabajo en equipo y la dirección de modelos, algo que él siempre intentaba dejar un poco abierto, planeando una parte, pero dejando siempre cosas a la improvisación. Obra personal vs encargos de clientes (Minuto 20:40) Las personas que se inician, considera que tienen que valorar la libertad de acción que tienen. Generalmente los clientes buscan a un fotógrafo por lo que a visto de él, por lo que en sus trabajos puede dejar su impronta. Y a veces también tiene que educar de cierta forma al cliente, haciéndole ver las mejores opciones que se ajustan a sus presupuestos. Comentamos sobre las producciones, que lo importante es ser consciente de los recursos disponibles y aprovecharlos de forma creativa. La fotografía de calle (Minuto 25:48) Para Javier la fotografía de calle es la más democrática, es fácil coger una cámara y fotografiar por la ciudad, necesitas tu cámara y poco más. Es una fotografía que te permite concretarte, escuchando música, por ejemplo, a él le gusta la música Jazz. Después de hacer moda, un tipo de fotografía muy preparado, muy técnico, la fotografía de calle le da esa libertad. Comentamos sobre la importancia de dejarse llevar a un estado de concentración a través de medios no visuales, como la música. Fotografía y evolución (Minuto 30:03) Le comento a Javier la preocupación de muchas personas de no centrarse en una disciplina concreta, no encontrar algo que le guste especialmente. Nos comenta que efectivamente hay personas que consideran que si no te centras en algo es casi imposible avanzar. Charlamos sobre las ventajas de tocar muchas disciplinas. Javier considera que el aprendizaje que se puede sacar de cada una de ellas, te sirve para la siguiente. Ese aprendizaje continuo de distintas disciplinas es también un reto, nos dice Javier Aranburu. Sus composiciones (Minuto 34:27) Respecto a la composición, le gusta que todo esté muy equilibrado. En la fotografía de moda ya que tiene control, pues lo cuida mucho y está todo muy medido. Pero en la fotografía de calle es muy distinto, efectivamente muchas veces le toca esperar a que pase algo en un lugar y otras veces ve a una persona sugerente que le sigue hasta la ubicación que considera más adecuada. Javier nos comenta que en la fotografía de calle todo debería ser espontáneo, en moda o fotografía editorial se puede dirigir a los modelos, pero no en fotografía de calle. Uso del color (Minuto 38:57) Nos indica que depende, que a veces  lo tiene claro, pero otras veces a medida que vas procesando las fotos, decide meter fotos en blanco y negro o color. Algo que choca un poco, la mezcla de ambos tipos de fotografía en el mismo trabajo, pero Javier nos indica que le gusta el ritmo y usa el color para intentar dar esos giros. Para Javier a través de una cierta “heterogeneidad” intenta conseguir un trabajo homogéneo. Nos cuenta la importancia de “la intención” en nuestras decisiones. Charlamos sobre el lenguaje visual y el enorme valor de tener claro qué queremos conseguir. Para Javier si se establece un diálogo entre intención y lectura, entre fotógrafo y espectador, ya es algo que merece la pena. ¿Qué es para ti la fotografía? (Minuto 44:52) Para Javier la fotografía es comunicación, una comunicación sin palabras. Nos habla de la pasión que le mueve, su deseo de crear por crear, más allá de la repercusión que pueda tener su trabajo. Esa pasión es la que te hace mantenerte al pie del cañón con el paso de los años. Exposición «You love Madrid» (Minuto 48:03) Javier Aranburu nos explica que es un proyecto que lo comenzó en 2004 casi sin ser consciente de él, y que con el paso de los años siguió fotografiando Madrid, con una mirada particular tras vivir fuera y apreciar mejor su ciudad natal. Con el proyecto ha intentado aportar una visión distinta, buscando el momento y los lugares que a él le atraían. La exposición le hizo que su obra pudiese ser vista y tuvo mucha repercusión. Comentamos como generalmente no valoramos lo que tenemos cerca, cuándo al tener esos sitios a mano, estamos en disposición de aprovecharlos al máximo. Ahora mismo está intentando sacar a la luz un libro que recoge estas fotografías y muchas más, algo que espera que sea una realidad dentro de no mucho tiempo. Su galería en Madrid (Minuto 53:37) Javier abrió una Galería en Madrid en 2011, ubicada en el barrio de Argüelles, Calle Guzmán el Bueno 63, Madrid (http://javieraraNburu.com) Ahora mismo hace trabajos para clientes, pero la Galería le permite hacer las fotografías que más le gustan y poder ponerlas al alcance de las personas interesadas de forma directa. Ahora mismo tiene más de 500 fotografías suyas a la venta a un precio razonable, para que las personas que les gusta la fotografía, puedan disfrutarla. Comentamos la importancia de imprimir las fotografías, más hoy día en la era digital, donde la mayoría de nuestras fotos se queda en el disco duro de nuestro ordenador. También le gusta y le motiva el o directo con las personas que visitan su Galería, más allá de los medios “online”. Javier también nos comenta sobre el concepto de “arte”, y cómo a veces responde a muchas cosas que están fuera de la fotografía. Referentes (Minuto 59:58) Le pregunto por algunos de sus principales referentes y nos deja bastantes referencias: Sobre el uso del color: Alex Webb, Harry Gruyaert, Saul Leiter y Fred Herzog. Manejo de la luz: Trend Parke Fotografía con el corazón: Masahisa Fukase y su Libro “Ravens”. Fotografía con la cabeza, juegos visuales: Matt Stuart Y todo un referente en la fotografía de moda: Guy Bourdin. Música Tema «Sunny Indie Pop» de ROGERTHAT (vía Jamendo) Javier Aranburu es un fotógrafo especializado en fotografía de calle estos últimos años, aunque ha trabajado como fotoperiodista y en fotografía de moda y publicitaria para grandes marcas. Inquieto por naturaleza, supo buscar su hueco profesional y evolucionar a lo largo de los años. Instagram: @javier_aranburu  Web personal: http://www.javieraraNburufotografia.com ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Javier Aranburu? ¿Conoces su Galería en Madrid? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 158. Fotografía de calle, moda y mucho más con Javier Aranburu se publicó primero en the imagen.

Hoy tratamos un tema vital para mejorar tus fotografías, la composición. En concreto te voy a hablar de uno de los elementos muy importantes en la misma, de las líneas Más información y ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/composicion-lineas Te animo a participar en el reto fotográfico sobre flores: https://www.theimagen.com/reto/44 En el episodio leo algunas reseñas de iTunes ¡Mil gracias por ellas! Si te apetece dejar tu reseña en iTunes o iVoox, por mi encantado Aquí tienes cómo hacerlo en iTunes: https://www.theimagen.com/resena-itunes/ Contenido En el episodio hablo de los aspectos principales sobre las líneas, este elemento compositivo tan importante. Hablar de líneas es hablar de dirección, movimiento, etc. Cuestiones que comento: Diferencias entre líneas visibles (explícitas) y figuradas (implícitas). Cualidades de la línea: grosos, forma, dirección, etc. Sentimientos que transmiten las líneas rectas y curvas. Conceptos que transmite la dirección de la línea. La importancia de las líneas en la profundidad y la perspectiva. Distintos usos de las líneas Ejercicios: Busca líneas, identifícalas en la escena que estés viendo. Coge un elemento vertical, como un jarrón, un candelabro y juega mostrarlo de forma distinta sin moverlo. Más información y ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/composicion-lineas Música «Before I sleep» de MUCIOJAD (Vía Jamendo) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles usar las líneas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 157. Composición fotográfica: el poder de las líneas se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Krishna VR, una fotógrafa mexicana muy joven, especializada en  fotografía construida y más concretamente en el autorretrato. En la entrevista nos da unos consejos muy buenos sobre creatividad, sobre su forma de trabajo y cómo poder lograr buenos resultados con curiosidad por expresarnos, aunque tengamos pocos medios Su Web: https://krishnavr.com/ Instagram: @bykrishnavr  https://www.instagram.com/bykrishnavr/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre flores: https://www.theimagen.com/reto/44 Un reconocimiento internacional muy temprano (Minuto 5:33) En 2016 Krisha ganó el “Siena International Photography Awards”, en categoría “jóvenes promesas”, ¿Qué medios técnicos tenías ahí? Aunque su primer premio internacional le llegó a los 16 años, realmente, a los 15 ya había participado en una exposición Internacional. Entonces no tenía prácticamente recursos. Los límites son mentales Hoy impartes talleres de creatividad, ¿realmente consideras que todos somos creativos? (Minuto 8:14) Cree que de niños, todos lo somos, lo que hay que hacer es no dejar morir este don. Nos recomienda dejar de lado los miedos, pensando en las opiniones de los demás y que hagamos lo que nos apetece. Consejo para desarrollar la creatividad (Minuto 9:45) Darte cuenta qué vivencias te has transformado, las cosas que te gustan y te han impactado, son las que te van a dar las pautas para tu inspiración y tu creatividad. Nos recomienda leer, ver películas, etc., ya que eso nos abre la mente y nos da ideas para nuestras creaciones. Krishna nos explica que la visión de cada persona es única, formada por nuestras experiencias. Realizar un ejercicio de autoexploración, para mostrar nuestros sentimientos e ideas, será un fuente inagotable de inspiración. Su gusto por la pintura (Minuto 13:12) Nos cuenta que en su familia no hay antecedentes. No sabría decir por qué, pero siempre tuvo esa inquietud para expresarse, algo que terminó saliendo años después con la fotografía. Considera que le sirvió como base para lo que vino después, para lo que hace actualmente. Y llegó la fotografía (Minuto 14:42) Su hermano se compró una cámara y le llamaba la atención, pero al principio la cogió sobre todo para conseguir fotos bonitas suyas y de sus amigas. Gracias a la plataforma Tumblr, conoció la fotografía conceptual, algo que le atrapó y le hizo plantearse fotos que dijesen cosas. Después conoció Photoshop, que le ayudó a ir creando sus autorretratos construidos. Sus escasos medios y la falta de excusas (Minuto 17:17) Nos explica que así es, que utilizaba y sigue haciéndolo, todo lo que encontraba para poder realizar las ideas que tenía. En sus inicios se dio cuenta de que ella era la persona que mejor conocía lo que quería transmitir, por lo que pensó que ella misma podía ser el modelo de sus fotos, así es como comenzó con el autorretrato. Además, se encarga la mayoría de veces de todo: montaje de la escena, vestuario, maquillaje, captura, etc. Krishna considera que muchas veces nos ponemos barreras, con creencias de que no podemos hacer muchas cosas, pero que no dejan de ser excusas, cuándo realmente queremos sacar cosas adelante. ¿Qué es para ti la fotografía? (Minuto 22:07) Para ella, ha sido el medio que le ha permitido expresar su visión del mundo. Nos confiesa que la quiere mucho. Ella ha conseguido encontrar en el autorretrato construido la forma perfecta de expresarse. Nos habla de que sus retratos actuales, no sólo hablan de ella, por lo que realmente son autorretratos construidos. Consejo para encontrar tu propia voz (Minuto 24:23) Krisna ha encontrado la fotografía que más le llena, pero le pregunto por alguna pauta para las personas. La dedicación es la clave para encontrar el camino. Nos explica que el trabajo y la pasión te llevarán a encontrar tu voz. La paciencia y el trabajo te llevarán a ello, pero lleva su tiempo. Cada persona tiene su definición de éxito, pero lleva tiempo alcanzarlo Sobre su proceso creativo (Minuto 27:53) Sus ideas siempre trata de sacarlas a la luz de forma metafórica, buscando la mejor forma de mostrarlas. De hecho esta primera fase es la que más le cuesta, la más laboriosa para ella, ya que a partir de sus sentimientos o ideas iniciales, debe pensar cómo El segundo paso, el de ver los recursos que necesita, El tercer paso, el de la captura, realmente ya es bastante rápido porque ya tiene la idea muy clara, aunque puede tomar 200-300 fotos hasta encontrar la expresión o pose que busca. Y por último, elige una fotografía y le aplica el revelado y procesado para llevar la fotografía al punto que quiere. Hablamos sobre la importancia de anotar siempre nuestras ideas y sobre la importancia de seleccionar muy bien nuestras fotos para no cansar al mostrar fotos de la misma sesión, algo que puede hacer perder impacto al conjunto de fotos. ¿Sueles trabajar con luz natural y artificial? ¿Prefieres alguna de ellas? (Minuto 33:38) Krishna nos cuenta que ha trabajado muy poco con luz artificial porque prefiere la luz natural. Hablamos poco de cámaras, pero ¿qué cámara y qué focal utilizas más habitualmente? (Minuto 35:36) Nos explica que hasta el año pasado trabajó con una Canon t3i, que en Europa se comercializa como la 600D, con un objetivo fijo 50 mm. Actualmente cuenta ya con una cámara más avanzada, una Canon 5D Mark IV, pero hasta hace muy poco tenía la cámara anterior. Nos explica que efectivamente, la cámara no es un obstáculo, que con material bastante básico se pueden conseguir resultados muy interesantes. Fuentes de inspiración, sus recomendaciones (Minuto 37:19) Nos cuenta que le gusta mucho leer la mitología nórdica, romana, griega. De pintores, le gustan mucho Caravagio, Velázquez, Remedios Varo, por ejemplo, de los que intenta conocer cosas también de sus vidas, para conocer por qué hacía lo hacía cada uno. Sus películas preferidas son “El perfume”, “El gran Gatsby“, “El demonio neón”, “Barry Lyndon” y “El origen”. Nos explica que le gusta la ciencia ficción para explorar ideas, aunque luego no es una temática que suela plasmar en sus fotos. Y también nos cuenta que sus directores preferidos son Wes Anderson y Guillermo del Toro. ¿Qué crees que es lo que más te ha aportado la pintura? (Minuto 39:59) Considera que le ha aportado muchísimo. Con cuenta que la primera vez que visitó el museo del Louvre en París, le impactó tanto lo que vio, que tuvo claro que sus fotografías quería que impactasen de forma similar. Hablamos del uso de la luz y las sombras, tan importantes, así como del uso del color. Consejo del color (Minuto 43:06) Nos habla de la importancia de conocer la psicología del color. Las películas que nos ha comentado, cree que tienen un uso del color muy bueno. Para ella por ejemplo es muy difícil usar sólo el blanco y negro, Consejo: “Sé observador”. En su caso, en el procesado suele quitar colores, desatura ciertos tonos para que los que deja tengan más impacto. ¿Qué se siente después de ver tus obras en el Louvre? (Minuto 46:31) El reconocimiento internacional le ha servido para darse cuenta del valor que tiene trabajar por tus sueños. Ha sido una gran experiencia, más allá de los premios, por las experiencias vividas gracias a ellos. Comentamos la importancia de disfrutar de todo el camino, no sólo de los resultados. Krishna nos comenta que tenemos que tener claro que este tipo de reconocimientos externos nos pueden ayudar mucho, pero que no debemos caer en el error de creer que nuestro trabajo no vale, si no se obtienen buenos resultados en concursos, etc. Ambos estamos de acuerdo en que el éxito interior es el único que deberíamos exigirnos. Nos dice: “Para mí el éxito es ser feliz con lo que haces y ayudar a las personas” Su curso en Domestika (Minuto 52:24) Krishna nos habla de su curso que sacó hace unos meses en la plataforma Domestika, llamado “Autorretrato fotográfico conceptual”, en el que explica el proceso que sigue en la creación de sus fotografías. Enlace del curso: https://www.theimagen.com/curso/krishna-autorretrato Fotógrafo/s referente/s (Minuto 54:10) Le pregunto por algún fotógrafo referente y algún libro y nos habla del fotógrafo estadounidense Gregory Crewdson, una obra construida muy cinematográfica, y alguno de sus libros. Y también nos habla de una fotógrafa española, Lidia Vives, que le gusta mucho, con un estilo con cierto parecido al suyo. Música: «I’m sorry» de The Devil Music Co (Vía Jamendo) «Labile Polvere»  de Mattia Vlad Morleo (Vía Jamendo) Krishna Valdez es una fotógrafa mexicana especializada en fotografía construida, que a pesar de su juventud, su obra ha obtenido mucho reconocimiento internacional. Llama la atención la escasez de medios con los que habitualmente ha contado. Su Web: https://krishnavr.com/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Krishna VR? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 156. La fotografía construida de Krishna VR se publicó primero en the imagen.

¡Bueno ya estoy de vuelta! Al final ha sido una larga pausa, espero que me hayas echado un poco de menos, jejeje Durante esta pausa me ha dado tiempo a hacer  muchas fotos y a reflexionar. Éste es un artículo de rumbo, con aspectos de los que he reflexionado todo este tiempo. Como mi intención es seguir ayudándote todo lo posible, quiero que sigas avanzando sin pausa en la buena dirección. Si tienes poco tiempo para fotografiar o ciertos obstáculos, estoy seguro que este episodio te puede ayudar. Más información en el artículo del Blog: https://www.theimagen.com/pautas-para-seguir-aprendiendo-fotografia/ De qué va el episodio Los beneficios de la fotografía, ya que la fotografía es mucho más que apretar un botón. Lo que considero que es la buena fotografía y cuales son sus aspectos que más satisfacción pueden darte. Del largo camino que tienes por delante y cuál puede ser una buena brújula. Evita los atajos y confía en ti, sigue tu propio camino. Del carburante que vas a necesitar en tu viaje, haz buen acopio de él Pero sobre todo, que si tomas las riendas de tu aprendizaje, crees en ti y eres proactivo, puedes llegar donde te propongas Ejercicios Reserva un hueco en tu agenda para: Hazte la pregunta ¿por qué fotografías? Conoce tus motivaciones principales. Fija tus próximas metas, tus objetivos acordes a esas motivaciones. Planifica cuáles serán los pasos que deberías dar. Empieza, aunque sean sólo 5 minutos. Música: «Inspiring Pop» de ADDICT SOUND (Vía Jamendo) «Thoughts» de ANBR Adrián Berenguer (Vía Jamendo) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles planificar tus avances? ¿Tienes claro el rumbo? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 155. Sigue aprendiendo fotografía, sigue disfrutando se publicó primero en the imagen.

¿Pero qué pasa con el Podcast? ¿Dónde está Braulio? Bueno, en este episodio explico por qué me he tenido que tomar una pequeña pausa. Pero pronto estoy de vuelta con contenido interesante, nuevas entrevistas y si cabe… ¡todavía más ganas! Aprovecha esta pausa para escuchar alguno de los más de 150 episodios del Podcast, seguro que alguno tienes pendiente. ¡Nos escuchamos muy pronto! Si tu quieres claro La entrada Episodio fallido o una pequeña pausa se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Álvaro Laiz, un fotógrafo especializado en fotografía documental y antropología. Álvaro es un reconocido fotógrafo leonés con una gran proyección internacional con el que charlamos sobre su especialidad, la importancia de la selección de fotografías, su forma de trabajar, su obra, … Puedes encontrar a Álvaro Laiz en su Web: http://www.alvarolaiz.com/ Te animo a participar en el reto fotográfico para mostrar círculos: https://www.theimagen.com/reto/43 ¿Cómo fueron tus inicios en la fotografía? (Minuto 6:40) Álvaro es Licenciado en Comunicación Audivisual y le pregunto si el interés por la fotografía es algo que le viene de lejos. Nos explica que realmente no, que comenzó a hacer fotos sobre 2009 y ya casi de forma profesional, cuando comenzó a trabajar como periodista. Nunca pensó que se dedicaría profesionalmente a la fotografía ya que su formación al respecto era muy básica. Nos explica que más que los estudios reglados, a nivel profesional lo que más le ha servido es la experiencia en el terreno, su trabajo junto a otros fotógrafos. ¿Por qué la fotografía documental? (Minuto 9:30) Álvaro nos explica que se fue por la fotografía documental por el uso como herramienta que percibió de la fotografía, y el fotoperiodismo no le permitía contar las historias que quería. Digamos que fue una evolución al usar la fotografía como herramienta para contar historias. Su interés por las personas (Minuto 10:56) Ya que le interesa tanto contar historias del ser humano y como estudioso de la antropología, le pregunto por éste interés. Nos explica que siempre le ha gustado, desde niño, la literatura de viajes y nos cuenta que si pudiese hacer fotografías de dinosaurios, sería seguramente sería el hombre más feliz del mundo Ese germen por los viajes y las aventuras ya lo tenía desde niño y al final es algo que ha salido en su obra como fotógrafo, las vivencias de la infancia, nos cuenta, es algo que seguramente nos condiciona en un futuro. Fotoperiodismo vs Fotografía documental (Minuto 12:09) Nos explica que para él, el fotoperiodismo está más ligado a la actualidad, ligado a una agenda informativa, mientras que la fotografía documental está más ligada a proyectos a más largo plazo. La fotografía documental es aquella que no se queda simplemente en el momento concreto, en la noticia, si no que es un trabajo a medio y largo plazo. También nos dice que es un tema sensible, sin límites del todo claros. ¿Es necesario viajar al otro lado del mundo para contar una historia interesante? (Minuto 13:24) Para Álvaro, la distancia sólo es una circunstancia, realmente si encuentras una motivación, una fascinación por una historia a la vuelta de la esquina, no es necesario viajar. Nos explica que para contar bien las historias más cercanas, seguramente es bueno tomar algo de distancia para no estar tan contaminado al tema, si es una situación que tenemos cerca. Elementos clave en una historia (Minuto 16:40) Principio, nudo y desenlace, jejeje, nos dice Álvaro, que aclara que es algo más complejo, que seguramente no hay fórmulas mágicas, algo que es previsible y que cada trabajo le pide unas cosas. Comentamos la importancia de la investigación sobre la historia, sobre todo si tiene que viajar lejos, aunque pare él es algo de referencia, porque se preocupa de corroborar cuando llega al lugar la exactitud o veracidad de la información que ha recopilado. La narración es un factor clave (Minuto 19:33) Álvaro nos explica que a partir de los años 70-80, de la guerra de Vietnam, el papel de la fotografía cambia en los medios, con narrativas más complejas, con secuencias de imágenes, etc. Pero cree que las imágenes que cambian el devenir de la actualidad ya no existen, y cita como ejemplo las imágenes de la cárcel Iraquí de Abu Ghraib, con una vida útil corta. En cambio, un conjunto de imágenes tienden a tener ciclo de vida más largo. Teniendo en cuenta también la combinación, de vídeo, audio, imagen. Cada vez más el fotógrafo juega menos el papel de ir hacer fotos y ya está, y cada vez más tiene que trabajar todo el proyecto, desde la idea, la distribución a incluso la monetización del mismo Sobre la edición de fotografías (Minuto 21:18) La lección más importante que ha aprendido Álvaro es que menos es más, la edición es el arte de quitar lo que sobra. Nos explica que cuando vuelve de un viaje, necesita un tiempo para desvincularse de las imágenes y ser más objetivo con la selección de las mismas. Considera que es bueno echar mano de otras personas de confianza pero sin que sean excesivas personas, ya que puedes volverte un poco loco con tantas interpretaciones. Principal error que percibe (Minuto 23:39) Le pregunto si en las formaciones que imparta o por consultas que reciba ha detectado algún error bastante frecuente en trabajos sobre fotografía documental. Nos cuenta que no considera que pueda hablar desde ningún púlpito de conocimiento y que intenta no cometer errores él, jejeje, pero nos habla de un error que ha cometido y sigue cometiendo habitualmente, que es no dejar el tiempo suficiente para hacer una buena edición, una buena selección. Según nos cuenta: “Eres el tipo de fotógrafo que editas“. ¿Qué consejo le darías a quién quiera introducirse en este tipo de trabajos? (Minuto 26:02) Cree que lo más importante es tener mucha cultura visual, considera que el nivel fotográfico es muy bueno desde hace ya años y que hay que ser consciente de lo que se está haciendo. Algo que también debe darnos la humildad suficiente para abordar nuestro trabajo. También aconseja no tener prisa, darse tiempo para que concebir y desarrollar el proyecto, sin pensar sólo en el final. Sobre su trabajo más conocido: “El cazador” (Minuto 30:26) En 2017 Alvaró sacó a la luz su trabajo con mayor repercusión: “El cazador”. Una reconstrucción de una historia que recuerda al clásico “Moby Dick”, del hombre contra un depredador temible de la naturaleza en la Selva Boreal: el tigre siberiano. Álvaro nos explica que como amante de la literatura de viajes y aventuras, siempre ha sentido fascinación por la naturaleza salvaje y el hombre, por sus orígenes, etc.  Una historia que comenzó a fraguarse con la lectura de novelas como “El tigre” de Vladimir Markov y “Dersu Uzala” de Vladimir Arseniev. Ésta última llevada al cine por el director Akira Kurosawa en 1975, ganando el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Nos explica la relación de los “udegei” (tribus locales) con el tigre siberiano, y el equilibrio entre caza y supervivencia de este animal salvaje. Y nos cuenta la historia real de Markov un cazador ruso, que persigue a un tigre siberiano y tras dispararle sin abatirlo, el animal le sigue hasta matarlo. Este es el caldo de cultivo y la historia que llevó a Álvaro a querer contar esta historia. Sus viajes a la zona fueron en 2014 y 2015 y en 2017 vio la luz su trabajo, a través de un fotolibro (The Hunt) y una exposición audiovisual. El libro en español escasea, pero todavía lo puedes encontrar en algunas librerías o si buscas un poco por Internet. Proyecto en curso (Minuto 41:06) A finales de 2017 recibió una Beca de National Geographic para su último proyecto todavía en desarrollo, “The Edge“. Este trabajo habla sobre los movimientos migratorios de las poblaciones paleo-siberianas a través del Estrecho de Bering hace 20,000 años para convertirse en los primeros pobladores de América. Nos cuenta cómo en este proyecto mezcla la fotografía documental más clásica con estudios científicos modernos sobre genética de poblaciones, algo que considera muy interesante. Le comento a Álvaro que creo que es estupendo que existan esta clase de becas, para que gracias a personas como él, conozcamos aspectos de nuestra historia muy interesantes. Sus lentes más usadas (Minuto 46:47) Le pregunto a Álvaro por el tipo de objetivos que más suele usar. Nos dice que su intención es ir ligero, pero que cuando tiene que grabar vídeo pues la cosa se dispara más. Nos explica que desde hace años ya sólo trabaja con focales fijas, para él, un 28mm es un todoterreno, y luego ya un 35mm o un 50mm. Y para vídeo sobre todo un 85mm y un 50mm. Algunos de tus referentes (Minuto 49:38) Cuando empezó nos cuenta que le influenció mucho el fotógrafo español Pep Bonet, y también cita a los fotógrafos Alec Soth, Pieter Hugo, Cristina García Rodero, José Ortiz Echagüe, y al vídeo artista John Akomfrah. En cuanto a libros nos recomienda el fotolibro de Laia Abril, llamado “On Abortion“, sobre cómo están siendo tratados los derechos de la mujer sobre este tema. Sobre antropología social, nos recomienda los libros “La gran divergencia” de Peter Watson y “El viaje del hombre” de Spencer Wells, y también cita los libros “Sapiens” y “Homo Deus” de Yuval Noah Harari. Terminamos deseándole lo mejor en su trayectoria y que finalmente esa mención como finalista en los Sony World Photography se concrete en ser ganador de uno de los premios. Álvaro Laiz es un fotógrafo español (León, 1981) que se ha especializado en el campo de la antropología y la fotografía documental. Desde hace años colabora con distintas fundaciones y ONGs y ha desarrollado su trabajo fundamentalmente en África, Asia y Sudamérica. Un joven fotógrafo con una gran proyección internacional, cuya obra ha sido publicada y reconocida tanto nacional como internacionalmente, recibiendo numerosos premios y menciones, la más reciente, ser de momento, finalista de los Sony World Photography Awards 2019. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Álvaro Laiz? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, llegará a más personas ¡Muchas gracias! La entrada 154. La fotografía documental con Álvaro Laiz se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Uge Fuertes, un creativo fotógrafo especializado en fotografía de naturaleza, fauna y flora. Hablamos de su trabajo, de su visión de la fotografía, su forma de trabajar, nos da consejos para fomentar la creatividad, etc. A día de hoy, Uge ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales, como el “WildLife Photographer of the Year” en varias ocasiones. Puedes encontrar a Uge Fuertes en su Web: http://ugefuertes.com/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre el dúotono (dos colores): https://www.theimagen.com/reto/41 Información de mi programa formativo: https://www.theimagen.com/programa-fc/ Sus inicios en la fotografía (Minuto 4:42) Uge nos explica que fue un tanto por casualidad, que un amigo naturalista suyo le preguntó si no era fotógrafo, y esa pregunta le llevó a la fotografía, jejeje Sobre la curiosidad y la originalidad (Minuto 6:21) Uge es un fotógrafo muy creativo, con creaciones muy interesantes, le pregunto si esa curiosidad por hacer capturas “distintas” la ha tenido siempre. Nos dice que al principio, como casi todos imitaba a los fotógrafos que más le gustaban, pero que como es inquieto y pronto se cansa de hacer siempre lo mismo, probó otras formas de expresarse. Seguir demasiado a otros fotógrafos ¿nos puede limitar? (Minuto 8:06) Le comento a Uge si estar demasiado pendientes de otros fotógrafos nos puede quitar a veces libertad creativa. Nos aclara que efectivamente es muy bueno seguir a otros fotógrafos para seguir evolucionando, pero que eso no nos debe privar de jugar y disfrutar. ¿Algún consejo para fomentar la creatividad? (Minuto 10:00) Uge considera que muchas veces nos limitamos nosotros mismos, cree que revisando nuestro trabajo y teniendo inquietud por seguir evolucionando. Nos aconseja “desaprender” nuestra forma habitual de trabajo para estar abiertos, a nuevas formas creativas. También nos dice que en todos sitios hay buenas fotografías, si miramos con los ojos adecuados. Comentamos que ejercitar nuestro cerebro y nuestra mirada, es lo más productivo para despertar la inquietud y nuestra creatividad. ¿Se pueden conseguir fotos interesantes con cualquier equipo? (Minuto 14:46) Considera que sí, aunque él tiene un equipo muy bueno hoy día, nos comenta que una de sus fotos con más “Me gusta” la hizo con un teléfono móvil. Hoy día, considera que las cámaras nos ayudan mucho y que las complejidades técnicas se han reducido mucho, por lo que no es ahí donde tenemos que prestar más atención. Cómo adentrase en el dominio de la composición (Minuto 17:51) Uge nos cuenta que la paciencia y ser un gran observador es el mejor consejo que se le puede dar a una persona para avanzar en sus fotografías. En la fotografía de naturaleza y paisaje, buscar la luz idónea, el momento, etc. es muy importante. La gente se piensa que porque un fotógrafo consiga buenas imágenes llega a un sitio y en un momento, casi sin pensar, hace una buena foto. Cuando muchas veces es más empeño que otra cosa Y por supuesto pues el estudio y la preocupación por la composición para ir dominándola. El principal error en sus alumnos (Minuto 21:12) Nos explica que en sus cursos no suele revisar las fotografías de los alumnos, pero que más que errores, cree que muchas veces lo que falla es tener un criterio sobre lo que se publica. Al respecto, aconseja publicar sólo las que aporten algo, que lo que mostremos no sea repetitivo, y que la composición, luz y momento sean los adecuados Todo ello para que nuestras fotos puedan impactar más. ¿Alguna técnica que te guste especialmente? (Minuto 24:30) Le pregunto por técnicas de captura, ya que es un fotógrafo muy creativo, por si tiene alguna que le guste especialmente. Nos comenta que le gusta mucho la fotografía nocturna, aunque no la practica demasiado. Realmente le gustan muchos tipos de fotografía y últimamente hace más fotografía con un teleobjetivo y con un dron. Nos confiesa que últimamente hace sobre todo fotos con el dron y el móvil Gusto por distintas disciplinas y el estilo propio (Minuto 26:07) Le comento a Uge si es conveniente centrarse en una determinada disciplina para buscar ese “estilo propio” que parece que todos buscamos. Nos aconseja no agobiarnos sobre el tema y seguir disfrutando de lo que hacemos. Cómo planifica sus fotos (Minuto 28:39) Nos explica que si suele tener una lista de fotografías para crear, aunque últimamente lo que hace es grabar notas de voz. Comentamos la importancia de apuntar esas ideas, para que no se nos olviden, y tener a buen recaudo las mismas, porque nos cuenta la anécdota de una lista “perdida” de ideas para un proyecto que tenía perdida y que afortunadamente encontró hace unos días El procesado digital en sus imágenes (Minuto 32:19) Sé que Uge no trata mucho sus imágenes y le pregunto sobre su planteamiento en el tema. Nos explica que así es, pero vamos que no está en contra de otras formas de trabajar. Que naturalmente todo es lícito, pero comentamos que seguramente sería bueno nombrar las cosas por su nombre y diferenciar quizás los procedimientos de obtención de las imágenes. Desde luego, mentir sobre cómo se obtienen las imágenes si que es algo que tiene poco recorrido, sobre todo a nivel La relación de distintos medios de expresión (Minuto 35:50) La familia de Uge tiene mucha inclinación por el arte (pintura, literatura, etc.) y considera que la unión de distintos medios de expresión puede ser muy fructífero. Considera que ha tenido suerte de tener una familia así, para estimularle. Nos explica que para él, la música es algo que le emociona mucho, que le inspira mucho, algo que luego seguramente traslada de alguna forma a sus imágenes. Comentamos cómo está todo relacionado y que nutrirse de muchas fuentes es algo interesante. Sobre su libro: Imaginando mundos. Creatividad y fotografía de la naturaleza (Minuto 39:15) Le pregunto por su libro, que autoeditó el año pasado con una campaña de Crowdfunding, un libro muy personal, donde ha volcado mucho de su aprendizaje estos años. Un libro donde ha incluido textos buscando la emotividad y donde trata temas tan interesantes como: Formas de trabajar, Composición, Límites, Creatividad, Emoción, Duda, Estilo fotográfico propio, Técnicas fotográficas y Fotografía y Arte. Puedes echarle un vistazo aquí. Fotografía y Arte (Minuto 42:08) Considera que ni siquiera sabe lo que es el arte, como para preocuparse por la fotografía artística. Él trata este tema en su libro pero respecto a lo que aporta la pintura a la fotografía. Un medio de expresión que sin duda aporta mucho a los fotógrafos, del cuál podemos nutrirnos mucho. Referentes (Minuto 44:06) Como no, cita al gran maestro y amigo suyo, José Benito Ruíz, que prologa su libro. Y también cita al fotógrafo italiano, Stefano Unterthiner y su libro “Il sentiero perduto” (que puedes ver aquí), al fotógrafo holandés, Theo Bosboom (https://www.theobosboom.nl/), que usa mucho la abstracción, y al fotógrafo francés, Bastien Riu (https://www.bastienriu.com/), con una mirada muy rompedora sobre el paisaje. Por si te interesa asistir a su curso en La Roda (Albacete) este próximo sábado 16 de marzo, aquí tienes la información: https://www.panoramafoto.es/taller-de-fotografia-de-naturaleza-y-creatividad-por-uge-fuertes/ Uge Fuertes es un fotógrafo de naturaleza, fauna y flora muy creativo. Ha recibido muchos premios nacionales e internacionales, como el prestigioso “WildLife Photographer of the Year” en varias ocasiones y el año pasado publicó el libro “Imaginando mundos. Creatividad y fotografía de la naturaleza”, un interesante y completo libro sobre su visión de la fotografía. Su Web: http://ugefuertes.com/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Uge Fuertes? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 153. El paisaje creativo de Uge Fuertes se publicó primero en the imagen.

Hoy tenemos como invitado a Julián Marinov, un fotógrafo especializado en fotografía social, corporativa y publicitaria. Un conocido Youtuber con el que repasamos su evolución. Ha día de hoy su Canal de Youtube cuenta con cerca de 200.000 suscriptores, y sin duda es uno de los mejores canales de Youtube para aprender fotografía. Puedes encontrar a Julián Marinov: Su Web: https://www.julianmarinov.es/ Su canal de Youtube: https://www.youtube.com//julianmarinov Sus redes: Facebook, Instagram, Twitter Mi clase online gratuita, reserva tu plaza: https://www.theimagen.com/clase-online-3-secretos/ Fecha y hora: 7 de marzo a las 19:30 h. (España) De la informática a la fotografía ¡Me suena! (Minuto 5:53) Julián nos cuenta que todo el tema de tecnología le gusta mucho, y de la carrera de Informática sólo le queda por aprobar la asignatura de “Gestión de la pequeña empresa”, algo curioso, cuando Julián tiene ya desde hace años un negocio en torno a la fotografía En primicia, jejeje, nos cuenta el comienzo de su canal, que lo abrió un amigo, a partir de una anécdota suya con un vídeo sobre la gripe A. Nos explica que comenzó a trabajar en los supermercados “Día” y cuando les despedieron, sintió que tenía que hacer algo distinto.  Le inspiró a iniciarse en la fotografía la fotógrafa estadounidense de origen latino Jasmine Star (http://jasminestarphotography.com/), cómo llegaba a sus clientes, cómo se comunicaba. Con sus ahorros, se compró una Canon EOS 60D y consultando canales de Youtube para aprender, y vio que no había casi nada en español. Comenzó a subir algunos vídeos, que al principio no venía nadie, hasta que por fin tuvo y a ver las posibilidades. Paralelo al canal comenzó a realizar sus trabajos profesionales y se marchó de Burgos a Barcelona, dónde pensaba que iba a tener más oportunidades. Sin duda, no le ha ido nada mal ¿Cuando pensaste que querías vivir de la fotografía? (Minuto 16:05) Le comento a Julián si lo tenía claro desde el principio, desde que comenzó a subir vídeos de fotografía, que quería vivir de ello. Nos aclara que no, que para nada, simplemente quería compartir información que le parecía útil y que al principio, en su canal, no veía sus vídeos nadie, jejeje. Sobre el éxito en Youtube (Minuto 18:18) Le comento a Julián que realmente puede parecer que tener miles de seguidores da para vivir muy bien de un medio como puede ser Youtube, pero que al final hay que diversificar. Nos aclara que así es, que es tiene muy diversificados sus ingresos, y que hay que probar siempre nuevas vías. Material para empezar en el mundo profesional (Minuto 24:09) Considera que totalmente, que con cualquier cámara de hoy día por ejemplo, una réflex, con algún objetivo luminoso como un YongNuo 35mm o un 50 mm, le daría que hacer la gran mayoría de su trabajo. Si conoces los puntos débiles de tu equipo, y los evitas, puedes conseguir grandes resultados. Como ejemplo de desaprovechar funciones de un gran equipo, nos habla de una función de la Canon 5D Mark III al grabar vídeo, que una de las ruletas de control trasera es táctil, algo que muy poca gente sabe. También nos dice que hay trabajos que debe hacer incluso con su móvil, aunque el resultado no tenga tanta calidad, posiblemente acerca la imagen al cliente. Sobre nuestras “excusas” para avanzar (Minuto 31:07) Le comento un vídeo de la portada de su canal que me gusta mucho el enfoque que le da (https://www.youtube.com/watch?v=8xN4XaZeDgc). En él habla de las excusas que muchas veces nos ponemos para no tomar acción, parece que siempre nos falta algo, cuando aunque así sea, las ganas, pueden vencer muchos obstáculos El error más habitual de quienes se inician en el mundo profesional (Minuto 39:37) Considera que por un lado las “excusas”, jejeje, y por otro el marketing fácil, que con publicidad de facebook ya está todo. Nos cuenta algo que hizo hace poco, en el que se puso de traje y salió a los comercios locales para vender sus servicios. Explica que el marketing online está bien, pero para vender tenemos que tenemos que tener personalidad, y esa personalidad hay que tenerla en el cara a cara no sólo en el medio “online”. Nos habla de Richard Branson, fundador de Virgin Record, como ejemplo de marketing arriesgado, llamando la atención y de productos innovadores. Pasos recomendados para hacerse profesional (Minuto 47:29) Julián nos cuenta que precisamente está preparando un material explicativo de pago sobre este tema, pero nos deja unos consejos estupendos: Hacerse con un equipo fotográfico básico Hacerse un buen fotógrafo, practicando todo lo posible y cobrar por ello, aunque sea algo simbólico, pero hay que acostumbrarse a cobrar. Llevar siempre encima un portfolio de tu trabajo, por ejemplo en el móvil, porque lo puedes mostrar en muchos sitios ¡Nunca se sabe dónde, cuando y a quién puedes mostrar tu trabajo! Ir a los negocios locales. Se pueden prestar servicios a personas, pero las empresas dan trabajo más recurrente, lo que puede llevar a crear un equipo y poder llegar más lejos, porque puedes delegar tareas. Ve a buscar a los clientes, según tu tipo de fotografía. Fortalece tu confianza en el mundo “offline”, antes de ir al mundo “online”. Comentamos también el tema del precio, que no es recomendable un precio bajo, porque si no te buscarán por tu precio bajo y pronto se irán a otro profesional si es más barato. Mejor que nos busquen por nuestro trabajo, no por precio Su otro canal “personal”: Ambedo (Minuto 56:12) Como le sobra el tiempo, Julián también mantiene otro canal más personal llamado “Ambedo”. En el cuenta muchas cosas de su aprendizaje y sobre crecimiento personal, con la intención de implicar a los demás a ser útiles a los demás. Da igual lo que hagas, se trata de dar valor y asumir la responsabilidad de ser parte de esta sociedad. En el canal no busca ningún número de seguidores, si no ¿Dónde sueles buscar tu inspiración? (Minuto 1:00:25) Julián nos explica que en los sitios donde nadie iría a buscarla. Considera que si quieres ser distinto a los demás, tienes que hacer cosas distintas. Él busca mucho su inspiración en el contraste entre el mundo más tecnológico y más natural. También filtra mucho sus relaciones personales. Libros recomendados (Minuto 1:03:05) Nos explica que últimamente lee sobre todo libros de emprendimiento, y nos recomienda el libro “100 euros startup” de Chris Guillebeau y los libros de Elon Musk, fundador de Tesla y el ya citado anteriormente Richard Branson. Sobre sus formaciones (Minuto 1:05:45) Julián tiene una Web dedicada al tema de formación que es fotoescalera.com, pero está migrando todo a su Web personal https://www.julianmarinov.es/ Julián termina recomendándonos que cometamos más fallos, algo que pueda extrañar, pero que en el fondo sirve para animarnos, para no tirar la toalla antes de tiempo, que creamos en nosotros y disfrutemos al máximo con lo que hagamos Julián Marinov es un fotógrafo de Barcelona especializado en fotografía social, comercial y publicitaria, que cuenta con un estupendo Canal de Youtube, donde comparte análisis de material fotográfico y de vídeo, consejos para sesiones de fotografía y mucho más ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Julián Marinov? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 152. El camino hacia la fotografía profesional de Julián Marinov se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con el fotógrafo David Viñuales, un fotógrafo profesional, además de investigador y docente, especializado en metodologías para potenciar la creatividad y el autoconocimiento. Hablamos del potencial de las imágenes, del lenguaje visual y de creatividad, áreas de conocimiento donde David es todo un experto con más de 20 años de experiencia. Puedes encontrar a David en su Web: https://davidvinuales.org/ Web del Instituto 8, donde David imparte sus formaciones: https://www.instituto8.org/ Mi clase online gratuita “Descubre los 3 secretos para convertirte en un fotógrafo creativo”: Reserva tu plaza a mi clase: https://www.theimagen.com/clase-online-3-secretos/ Fecha y hora: 7 de marzo a las 19:30 h. (España) La fotografía y David Viñuales (Minuto 7:22) David nos cuenta que la fotografía comparte espacio en su expresión artística con otros medios, principalmente el dibujo. Nos explica que la fotografía le enganchó de una forma especial, porque te acerca a la realidad. El poder de las imágenes (Minuto 8:42) Considera que seguramente hay personas que conectan mejor con un medio u otro, a él la fotografía es un medio que le llamo mucho la atención. Lo visual es uno de los primeros lenguajes que aprendemos, los bebés aunque no sepan expresarse verbalmente sí reconocen el medio visualmente e interpretan el mismo. Nos falta alfabetización visual (Minuto 10:29) Para David está claro, hoy día vivimos en una sociedad hipervisual. Aunque al final considera que las personas lo que queremos es ser vistos, que las personas que nos rodean se den cuenta de que existimos. Que nuestro mundo emocional, se conecte con los que nos rodean. En esta sociedad tan visual tenemos la oportunidad de usar las imágenes para ser más vistos. Consumimos mucha información visual que consumimos a diario, de forma pasiva, por el bombardeo visual al que estamos expuestos. Ganar cultura visual nos ayudaría a entender mucho mejor esa información. Pone como ejemplo la fotografía publicitaria o comercial. Si los s finales tenemos más información, podemos decidir mejor, al interpretar mejor esas imágenes. Comentamos que esa cultura nos ayuda a interpretar mejor las imágenes y también a crear mejores imágenes, que expresen cada vez mejor lo que queremos. Algo que naturalmente a los fotógrafos podemos usar. Nos cuenta David, que según diversos estudios, entre el 60-65% de nuestra comunicación habitual, es no verbal El poder sanador de las imágenes (Minuto 17:45) David explica que se encontró este uso de forma inversa, trabajando con personas que tenían un trastorno de alimentación. Se dio cuenta que los síntomas de estas personas, partía de una imagen mala de cada persona sobre sí misma. Se preguntaron cómo podían utilizar ese poder de las imágenes, para darle la vuelta y utilizarlas en positivo. Aplicación de la fotografía como terapéutica (Minuto 20:03) El término fototerapia nos indica David Viñuales que deberíamos evitarlo en favor de fotografía terapéutica, ya que no existe tal terapia con fotografía, sino una herramienta (la fotografía) con potencial terapéutico y facilitador. Una herramienta que al trabajar con imágenes, trabaja con personas, y siempre que se adapten los objetivos y patologías de las personas con las que se trabajan. Al conectar lo emocional, con lo visual, se puede trabajar de distintas formas. Su libro: El camino de la fotología: de las fototerapias a la fotografía (Minuto 23:34) Este libro que escribió David hace un tiempo, explora el potencial de las imágenes, compuesto de dos partes, una primera parte más teórica del marco de conocimiento de referencia, y una segunda parte, con una propuesta de enfocar la fotografía como una forma de estar y comunicarse en el mundo, más allá del simple uso representacional de la misma. Es un libro que considera útil para aquellas personas que tengan curiosidad de saber más sobre cómo te toca la fotografía por dentro, cómo te puede ayudar a crecer y cómo te puede ayudar a trabajar con otras personas. Puedes echarle un vistazo y comprarlo aquí: https://amzn.to/2GVzeXw Comentamos cómo la fotografía nos ayuda a autoconocernos. Y también que no tenemos que dejar de disfrutar siempre, cuando busquemos nuestra propia mirada, que debemos tener paciencia, los maestros tardaron años en Fotografía consciente, una forma de entender la captura fotográfica para una forma de conectarnos sensorialmente al mundo, a partir de la contemplación. Fotografía participativa (Minuto 30:19) Le pregunto por este tema y David nos explica que consiste en usar la fotografía para que las personas puedan participar más en su entorno sociocultural. Sobre todo de personas que les falta cierto reconocimiento, nos explica que esto los ingleses le llamaron “dar voz” a esas personas. La fotografía participativa viene de ahí, de poner un altavoz a esas personas, y nos pone el ejemplo de inmigrantes llegados a España, relacionando visualmente símbolos de su cultura, en su nuevo entorno, para ayudarles a encontrar caminos de integración ¡Un uso estupendo! La importancia de desarrollar la creatividad (Minuto 33:16) David nos explica que la creatividad es un tesoro muy poco valorado, que vivimos en un entorno de seguridad, pero que la creatividad es lo que muchas veces nos hace avanzar. Comentamos la importancia de trabajar la creatividad, ya que es algo inherente al ser humano. La pregunta debe ser, cuál es el camino que debo seguir para contar algo a mi forma. David nos explica que lo importante es ir dando pasos, de sentir que se sigue avanzando. Nos explica que hay que marcarse metas realistas, ya que de otra forma nos podemos hacer daño. Nos habla del término “saludable”, como los retos que nos impulsan, sin agobiarnos. Consejo fomentar creatividad (Minuto 38:29) Para las personas que creen que no son creativas David nos da este consejo: Primero les intentaría engañar, les provocaría para tomar una fotografía cada día, sin excusas, siempre a la misma hora. Y que pasado un año de trabajo, de esa obra autoimpuesta, tendremos una perspectiva muy interesante sobre nuestro trabajo. Es una forma, nos explica de abrir los ojos. Para los más escépticas, la recomendación sería: fotografía todos los días, a la misma hora y el mismo día. Su método para desarrollar la creatividad: Covisage© (Minuto 46:12) Le pregunto a David por una herramienta que desarrolló hace unos años y que vio la luz a través de un Crowdfunding. Es un Kit que contiene casi 100 fotografías y un libro guía para sacarle partido. Es una herramienta planteada para potencia la creatividad a través de los relatos que hacemos las personas.  Se apoya mucho en la narrativa que empleamos las personas, algo que los fotógrafos podemos usar en nuestros proyectos. El propósito del método es un trabajo con personas, se puede hacer de forma individual, pero es una herramienta que se le puede sacar más partido dirigido por un coach o un facilitador. En el Instituo 8 junto a María Castellano (Socia fundadora, PCC Coach) y el resto del experto equipo docente, forman sobre esta herramienta y otros usos de la fotografía: https://www.instituto8.org/ Sin duda, es un método muy interesante. Conocer aspectos de la psicología de la imagen (Minuto 49:38) Nos cuenta David que nos puede dar alas para despegar de la técnica, y empezar a entender cómo creamos las imágenes y para qué las creamos. Ese conocimiento, entender qué nos mueve y qué conecta con otras personas, nos puede dar un espacio de trabajo que nos puede hacernos sentir más plenos y más creativos en nuestro trabajo visual. Libros recomendados (Minuto 50:52) David nos cuenta que lee mucho sobre pensamiento visual y sobre filosofía, para comprender bien su marco de trabajo. Y nos deja estas recomendaciones: Visual Thinking (Inglés) de Rudolf Arnheim: https://amzn.to/2BX19lT Arte y percepción visual, también de Rudolf Arnheim: https://amzn.to/2BWQqb0 Terminamos la entrevista hablando de Crowdfunding, de su experiencia lanzando el proyecto Covisage, y nos cuenta que es una forma estupenda de buscar financiación, pero que naturalmente, requiere un trabajo también Reserva tu plaza a mi Clase online gratuita: https://www.theimagen.com/clase-online-3-secretos/ David Viñuales es doctor en Educación Artística, arteterapeuta especialista en fotografía terapéutica, investigador y docente, todo un experto en psicología de la imagen, desarrollador del método Covisage ©, un método para desarrollar la creatividad. Hoy día dirige proyectos de participación y rehabilitación psicosocial basados en imágenes. Web de sus formaciones: https://www.instituto8.org/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a David Viñuales? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 151. El potencial de las imágenes y la creatividad con David Viñuales se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con un estupendo fotógrafo vasco Asier Garagarza, un fotógrafo de paisaje muy premiado con una fotografía minimalista de gran belleza. Hablamos de su obra, de su forma de trabajar, de equipo, de concursos fotográficos y mucho más, en una amena y agradable charla No dejes de echar un vistazo a su estupenda obra en su Web: https://www.garagarzafotografia.com/ Aquí puedes descargar el calendario fotográfico 2019 que he elaborado para ti: https://www.theimagen.com/calendario-2019 Asier Garagarza ha ganado más de 150 premios nacionales e internacionales, y sin ir más lejos, el año pasado ganó el Premio nacional de fotografía al mejor fotógrafo, por la Confederación española de Fotografía Nuestro Michael Kenna español (Minuto 7:16) Le comento a Asier que es una comparación habitual, ya que su obra recuerda a este gran fotógrafo inglés. Naturalmente para él es un placer que le comparen a este fotógrafo tan reconocido como Michael Kenna. Nos cuenta que desde siempre le ha gustado este gran maestro, así como la cultura oriental, su entorno y paisajes, y es algo que le llevó a buscar esas fotografías aquí en España. Y la verdad es que es un lujazo tener un fotógrafo con una obra tan interesante como la de Asier. ¿Cuando llega el estilo propio? (Minuto 8:52) Nos explica que al principio considera que todos pasamos por una época de experimentación, de probar muchas cosas, algo que comentamos que es bueno. Tras probar muchas cosas, el se dio cuenta de que para él era muy importante transmitir. Actualmente, Asier se identifica con las palabras “Ver, sentir y transmitir“. Hablamos sobre lo bueno que es darse cuenta de la importancia de sentir, para poder transmitir. Por eso hay que dejarse llevar y no sólo estar pendiente de la captura La importancia del “momento” en la fotografía de paisaje (Minuto 12:31) Le pregunto a Asier si generalmente se “encuentra” con esos momentos especiales o vuelve las veces que haga falta para conseguir la foto que persigue. Asier nos explica que siempre lleva la cámara encima y generalmente el trípode, a veces ve zonas que le gustan o le hablan de zonas interesantes, y a través de Google Earth, investiga la zona, después la visita a pleno día, para evaluar la zona. Y por último, pues ya le toca visitar la zona, generalmente por la mañana temprano, para buscar la niebla, etc. ¿Es necesario viajar para conseguir buenas fotos de paisaje? (Minuto 15:50) Cualquier lugar de España en mágicamente fotografiable, nos dice Asier. Nos explica que por desgracia no ha podido viajar todo lo que le gustaría, se ha movido en su trabajo en un radio de 300 Km. Le comento algo que ya hemos hablado alguna vez en el podcast, que los fotógrafos nativos seguramente sean capaces de captar los mejores momentos, ya que conocen mejor la zona, en todos los sentidos. ¿Por qué el blanco y negro? (Minuto 19:11) Nos explica que para comunicar mejor las emociones y los sentimientos, y le gusta darle un aire de nostalgia, misticismo e intemporalidad a sus fotos. Cuida mucho la composición, los elementos, el contraste y sobre todo los encuadres, y nos comenta que suele disparar en formato cuadrado. Captura en formato 2:3, pero luego recorta la imagen, aunque su ojo ya está acostumbrado a este formato. Comentamos que independientemente del formato nativo de captura, del tamaño del sensor (2:3, 3:4, etc.) existen otros formatos como el cuadrado o las panorámicas. También nos habla de un tío suyo que trabajaba en periodismo, y nos explica su consejo: “usa sólo una lente y se tú el zoom, acostumbra a tu ojo a mirar a través de esa lenta y a buscar el encuadre“. Nos explica que prácticamente hace uso de los zoom, aunque los tenga. Esa restricción considera que le ha ayudado en su tipo de fotografía Busca la armonía en ese formato. La nieve, un elemento clave (Minuto 24:13) La nieve está muy presente en su trabajo y Asier nos explica que para él, es pureza, es textura, es silencio, … es todo Un amigo suyo experto en alta montaña, Benito Cantero, le suele acompañar en busca de la nieve. Comenta cómo el paisaje cambia completamente con la presencia de la nieve, algo que le ayuda mucho en la composición, los detalles, las sombras, etc. Para Asier la nieve es belleza, una belleza que sabe capturar de una forma maravillosa El lugar de las personas en su obra (Minuto 27:18) En muchas de las fotografías aparece alguna persona y le pregunto por el significado, ¿qué busca? Nos cuenta que generalmente es el mismo el que sale en la foto, usa un intervalómetro que sincroniza con el reloj y listo Asier suele de mostrar la soledad de esa persona, al tiempo de su magnitud e inmensidad. ¿Sueles usar filtros? (Minuto 30:29) Nos explica que antes usaba filtros cuadrados, pero ahora utiliza circulares. Un filtro de ND de 10 pasos (marca Haida) y otro de 12 pasos, para cuando sube un poco la luz. Y ya de paso nos cuenta que se ha pasado a una cámara sin espejo, antes parecía un sherpa, lleva una Sony A-7 III, y objetivos 24-70mm 70-200mm, antes tenía una Canon 5D Mark III y muchos objetivos, con 12 Kg. El 80% las hace con el 24-70mm de Zeiss f/4. Ahora su equipo pesa 3,5 Kg. Hablamos de la relativa importancia del equipo, y Asier nos cuenta que ha ganado premios internacionales Fujifilm X-20. Me encanta ¿Qué importancia le das al revelado y procesado de la imagen? (Minuto 38:00) Asier le da mucha importancia, porque es lo que remata la imagen final que busca. No le dedica mucho tiempo, ya que trata de que la foto esté muy ajustada en la captura. Nos cuenta que cuando tiene que hacer modificaciones en el procesado, lo hace, no es demasiado purista en este sentido. Actualmente usa Capture One para el revelado RAW, donde hace ajustes básicos y después la termina en Photoshop, donde tiene mucho más control de los ajustes, zonas seleccionadas, etc. Tanto en el revelado, como en el procesado tiene ajustes y acciones para ir más rápido. Premio al mejor fotógrafo CEF de 2018 (Minuto 41:18) Ha sido para él un sueño y una gran satisfacción, nos cuenta que hace ya muchos años que no lo ganaba un fotógrafo vasco. Además, es el fotógrafo más joven que ha recibido este premio. Para Asier la participación en los concursos es como su gasolina, algo que le impulsa. Pero nos explica que no quiere tomarse la fotografía como algo profesional, le da toda importancia a disfrutar al máximo, comentamos un poco al respecto. Sus consejos para participar en concursos (Minuto 44:08) El consejo que nos da Asier es que no dejemos de hacer las fotos que nos gustan, que no cambiemos nuestro estilo por intentar ganar concursos. Él en alguna ocasión lo ha hecho y si ha ganado, es algo que  no le ha llenado. No hay que obsesionarse, hay que disfrutar siempre y ser fiel a nuestro tipo de fotografía. Comentamos lo importante que es la paciencia y cómo afrontar la participación en los concursos, cuyos “fallos” del jurado siempre son subjetivos. Por ese motivo, Fotógrafos referentes (Minuto 48:55) Aparte de Michael Kenna, Asier nos dice que le gusta mucho el trabajo de Isabel Díez (https://isabeldiez.com/) una fotógrafa vasca de naturaleza que le gusta mucho, y de Charles Cramer, un fotógrafo estadounidense que también le gusta mucho (http://www.charlescramer.com/). Fotos “especiales” (Minuto 49:49) Le pregunto si tiene alguna foto suya que le tenga algún cariño especial. Nos habla de la fotografía “Como pez en el agua” una foto en blanco y negro, ya en formato cuadrado, que fue de sus primeras fotos ya con un enfoque creativo, que le ha dado muchas alegrías (puedes verla aquí). Y luego, de otro fotógrafo, nos habla de una foto de Michael Kenna de un árbol en la isla de Hokkaido (Japón), que puedes ver aquí. Libro recomendado (Minuto 51:31) Ahora mismo  no está leyendo mucho, pero nos recomienda el libro Japan como no, de Michael Kenna Terminamos la entrevista con un proyecto en el que está trabajando Asier junto a un amigo suyo, Xavier Ortiz, que es cocinero, que le gusta escribir. A Asier se le ocurrió escribir un libro de fotografía a través de una trama, algo que suena muy bien. Le pido que nos informe cuando esté listo, seguro que es muy interesante. Asier Garagarza es un fotógrafo vasco de paisaje muy premiado, con una obra minimalista, muy evocadora, de gran belleza. El año pasado ganó el premio al mejor fotógrafo del año de la Confederación Española de Fotografía (CEF), no dejes de echar un vistazo a su estupenda obra en su Web: https://www.garagarzafotografia.com/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Asier Garagarza? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 150. El minimalismo evocador de Asier Garagarza se publicó primero en the imagen.

¡Ya estoy de vuelta! Jo, vaya calvario llevo yo todos los inviernos Pero bueno, ya estoy aquí y con un tema que creo que te puede resultar muy muy interesante. ¿Te animas a planificar tu progreso en 2019 y exprimirlo al máximo? Más información y calendario en el Blog: https://www.theimagen.com/calendario-2019 Contenido ¿Te gustaría progresar lo máximo durante este año? ¿Te falta tiempo para la fotografía o a veces te vence la pereza? Pues lo que voy a contarte hoy te será de gran ayuda Hoy quiero compartir contigo un calendario fotográfico para 2019 En el mismo encontrarás: Ejercicios propuestos según tu fase de aprendizaje. Fechas interesantes para fotografiar Eventos de y exposiciones de interés, etc. Fotógrafos recomendados. Y mucho más En el episodio explico porqué es necesario centrarse y marcarse objetivos, para avanzar. Repaso las cuestiones que creo que más te pueden ayudar a seguir avanzando y explico el contenido del Calendario. Algunos conceptos clave: La fotografía es algo amplísimo. Tu tiempo y energía son limitados. Avanzar en fotografía, además de un esfuerzo, te llevará su tiempo. Las prisas pueden llevarte a la frustración y a la falta de confianza. No necesitas mucho para seguir avanzando, sólo aprovechar mejor el que tienes. Planificarte te ayudará a exprimir al máximo tu tiempo. Descarga el calendario Para descargar el calendario puedes hacerlo desde el Blog: https://www.theimagen.com/calendario-2019 Espero que este calendario te sea muy productivo, encantado si me dejas un comentario y me cuentas qué te parece Mucho ánimo y a seguir mejorando ¡Claro que puedes! ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te parece el calendario un recurso interesante? ¿Te gusta esto de planificar? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 149. ¿No tienes tiempo para fotografiar? ¿No avanzas lo suficiente? Planifica tu avance para 2019 se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con una estupenda pareja de fotógrafos, Anna Devís y Daniel Rueda, que a partir de la fotografía de arquitectura y su mirada optimista, minimalista y poética, han sabido crear un mundo propio y creativo, repleto de sugerentes historias Con esta pareja de fotógrafos españoles que arrasan en Instagram, hablamos sobre la forma en que realizan sus fotografías, de su visión, nos dejan algunos consejos, referentes, etc. Perfil de Instagram de Anna Devís: https://www.instagram.com/anniset/ Perfil de Instagram de Daniel Rueda: https://www.instagram.com/drcuerda/ Te animo a participar en el reto fotográfico #39 sobre “miradas”: https://www.theimagen.com/reto/39 Y también a crear una imagen a partir de un texto, puedes enviarme el texto y la foto a: [email protected] De la arquitectura a la fotografía (Minuto 8:15) Le pregunto cuándo les llegó su curiosidad por la fotografía, a partir de la arquitectura. Daniel nos comenta que ya de niño tenía curiosidad por la fotografía, a partir de la cámara de su padre. En el caso de Anna ya tenía curiosidad por cosas creativas, ya que además sus padres eran escaparatistas, y la fotografía le permitía plasmar sus ideas de forma más rápida que otras artes, como la pintura. Una vez que se conocieron, y dado su gusto por varias artes visuales, llegó un momento de empezar a trabajar juntos y la fotografía fue el vehículo que encontraron para ello. Sobre las redes sociales y la publicación de fotografías (Minuto 10:08) Les pregunto si tuvieron claro que Instagram era la plataforma en la que querían compartir sus trabajos o si realmente probaron otras plataformas. Daniel y Anna nos cuentan que realmente al principio usaron muchas (Flickr, MySpace, Fotolog, …) y que terminaron en Instagram casi un poco por casualidad. Eso sí, ambos se tomaron la publicación de sus fotografías como un portfolio, no como algo sólo personal. Y aunque es algo muy bueno compartir nuestro trabajo, también les comento los problemas que podemos tener si nos obsesionamos con los “Me gusta”, etc. Anna explica que lo fundamental es disfrutar, para nada agobiarse con ello, ellos se lo han tomado con calma y han ido muy poco a poco. Lo importante es que nos guste nuestro  trabajo a nosotros. Si Instagram no existiese haríamos las mismas fotografías. – Anna Devís Daniel comenta que efectivamente han hecho las cosas al revés, han ido publicando sin agobios según tenían algo que publicar, no pensando tanto en el marketing, si no en encontrarse cómodos. Cómo han llegado a su actual obra y qué buscan con ella (Minuto 15:21) Daniel explica que el tipo de fotografías que hacen hoy día, es el resultado natural de su evolución. A partir de su inquietud por la arquitectura, poco a poco, en ocasiones uno pedía al otro aparecer en la escena y así es cómo las historias llegaron a sus fotografías. Al final se dieron cuenta de que al aparecer como actores en una escena todo cambiaba, transformaban lo que contaba la propia ubicación, algo que les gustó y que comenzaron a buscar. También les pregunto qué buscan con sus fotografías simpáticas, alegres y divertidas. Nos explican que les gustaría que el espectador esté mejor después de ver sus fotografías, que hoy día donde hay tantos motivos para llorar, creen que poner en valor también otras emociones contrapuestas, como la alegría, la sonrisa, etc. Además, nos cuentas que les gusta el fotoperiodismo por ejemplo, pero ellos prefieren aportar un punto de vista distinto. Algo de dicho sea de paso, disfrutamos todos. Sobre su obra: arquitectura e historias (Minuto 20:08) Anna explica que en su obra hay dos partes diferenciadas pero necesarias: las ideas (la historia) y las ubicaciones (la arquitectura). Nos cuenta que antes de viajar por ejemplo, más que ver los monumentos, suelen ver qué fachadas pueden ser interesantes. Y en otras ocasiones se les ocurren ideas que precisan de un lugar que no tienen. Efectivamente, nos hablan de que ambas partes son necesarias, si una parte no está completa, idea o ubicación, la foto falla. Así, tienen ideas esperando el lugar preciso y lugares esperando la idea oportuna Anna aclara que siempre trabajan en la calle, y consideran la ciudad como su patio de juego Charlamos sobre cómo muchas veces tenemos cerca muchas ubicaciones sin darnos cuenta, que todo se trata de saber mirar. Daniel pone en valor el diseño bonito en las ciudades, y comenta el caso de Alemania, pero en todos los sitios. Comentamos que por encima de los medios técnicos, está la idea y el concepto. Ellos utilizan una cámara profesional hoy día, porque ya se dedican a ello, pero que hasta con un teléfono móvil. Anna comenta que Daniel se encarga del lado más técnico, y ella un poco más del lado más creativo, y explica que sin historias, sin creatividad, no hay nada por muy buena que sea una foto técnicamente. Su proceso de creación (Minuto 28:10) Daniel explica que cada foto es un poco diferente, pero que generalmente el dibujo es algo fundamental, a partir de un boceto, empiezan a ver los colores, el vestuario, localización. etc. Al dedicar tanto tiempo a pensar previamente la foto, la hora de la captura llega a ser ¿Cuánto importa la cámara? (Minuto 32:29) Nos cuentan que actualmente tienen un material fotográfico, que han comprado conforme han ido recibiendo pedidos remunerados, pero que realmente harían las mismas fotos con su antiguo material o incluso con un móvil. Comentamos el caso de la foto de Eugenio Recuenco, la 366 de su proyecto “365º”. Como nos cuenta Anna: En la fotografía lo importante es el ojo, que ninguna cámara hace la foto por nosotros. En una fotografía ¿lo que no suma resta? (Minuto 35:42) Lo tienen claro, así lo creen. Naturalmente en sus fotos, todo lo que aparece está muy medido. Daniel nos cuenta que constantemente se centran en ver lo que aporta algo o lo que distrae. Anna explica que buscan que una persona que vea una de sus imágenes, con un parpadeo sepa de qué va la imagen. Eligen sólo los elementos juntos. Uso del color (Minuto 38:25) Anna explica que el color para ellos es fundamental, que está claro de a través de la psicología del color hay que tenerla en cuenta. Es una cosa que no hay que dejar de lado. Y comenta el caso de un arcoiris, que puede transmitir una sensación de libertad, pero también puede desviar la atención al sujeto principal. Daniel considera que más allá del balance de blancos para jugar con el color, hay que jugar con el color en la escena en el momento de la captura, no después. Y considera que efectivamente, empezar restringiendo el número de colores, puede ser una buena práctica. Sobre Photoshop (Minuto 42:36) Nos cuentan que intentan por todos los medios que los elementos de sus fotografías estén en la escena. Es su forma de trabajar y con la que más disfrutan. Creen que eso también les aporta algo a sus fotografías, de alguna forma, las hace más auténticas. Y también disfrutan más creando sus fotografías. Lo que nos sirve para hablar de lo positivo también que puede tener esa forma de trabajar. Contar historias con una sola imagen (Minuto 48:20) Ya que la fotografía es algo estático, les pregunto por los ingredientes para contar historias a través de una única imagen. Ellos nos explican que el dibujo les ayuda mucho a crear sus historias. También creen que empezar con pocos elementos puede ser un buen comienzo para centrar la atención en lo que quieres contar. De esa forma, poner el foco en lo importante e intentar eliminar el resto de cosas, es algo muy importante. Sus fuentes de inspiración (Minuto 51:48) Ya que parecen tener una creatividad sin límite, les pregunto por sus fuentes de inspiración. Daniel considera que más que en la fase de ideación, suelen tener más bloqueos a la hora de completar la fotografía. Consideran que su trabajo se ve muy representado por el trabajo de los ilustradores, que parten de un lienzo en blanco. Anna comenta cómo de niña jugaba a crear imágenes a partir de una palabra, la creativa Sobre encontrar el propio estilo (Minuto 54:32) Daniel comenta este tema tan importante, el de buscar un estilo propio. Cree que mirar a otros fotógrafos para saber qué sabemos hacer nosotros es un enfoque que seguramente no es el más adecuado. Cuando uno tiene que empezar de cero, cree que lo mejor es mirar dentro de uno mismo, todos tenemos historias de inspiración para nuestro trabajo. Como nos dice Anna: Haz la fotografía que no puedas evitar dejar de hacer. – Anna Devís Charlamos un rato sobre la importancia de ser fieles a nosotros mismos y confiar en nuestra propia visión. Algunas referencias interesantes (Minuto 54:32) Nos hablan de un ilustrador francés muy “camaleónico”, que hace diseños para innumerables objetos, algo que considera muy inspirador. Es el artista Jean Jullien (https://www.jeanjullien.com/). Y sobre fotógrafos, ¿cómo no? Citan al fotógrafo español Chema Madoz, un maestro de añadir historias a objetos sencillos de una forma súper creativa y del estadounidense Rodney Smith (https://www.rodneysmith.com) que encontró en sus orígenes en la fotografía de moda de su padre, algo que repudiaba de joven, el elemento clave de su fotografía Terminamos hablando de su curso en Domestika “Fotografía Creativa para redes sociales“, que puedes encontrar aquí: https://www.theimagen.com/domestika/410-fotografia-creativa-para-redes-sociales Aprovecha estas semanas de descuento Daniel Ruedas y Anna Devís es una pareja de fotógrafos que actualmente brillan en Instagram a través de una fotográfica conjunta, basada en la fotografía de arquitectura para crear un mundo creativo, optimista y poético que merece la pena conocer. Instagram: @anniset y @drcuerda ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Anna y Daniel? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 148. Los mundos creativos de Anna Devís y Daniel Rueda se publicó primero en the imagen.