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En este episodio contamos con Elena Dapra, una Psicóloga Clínica experta en fototerapia y fotocoaching. Elena nos cuenta cómo la fotografía puede ayudarnos a solucionar ciertos problemas psicológicos, a través de la fototerapia y también sobre el uso que hace de la mismo para el crecimiento personal, a través del fotocoaching. Hablamos de la importancia autoconocimiento, de las posibilidades comunicativas y expresivas de la fotografía para ciertas terapias, de cómo el “Ego” puede afectar a nuestra creatividad, y muchas cosas más ???? Puedes encontrar a Elena Dapra en su Web: http://elenadapra.com/ Recordatorio Ejercicio propuesto En el último episodio del año pasado, propuse un ejercicio para las próximas semanas. Es un ejercicio parecido al del episodio 60, (estas son las fotos resultantes) se trata de crear una imagen a partir de un pequeño texto  ¡Vamos anímate! ¿Cómo participar? Envíame tu foto y texto a [email protected]  . Plazo: Hasta el 31 de enero de 2019. Su inquietud por la Psicología (Minuto 7:40) Su madre ya tenía mucha relación con la psicología y al final optó por estudiar por su inquietud por la mente de las personas, cómo se estructura, las distintas formas de pensar. Ella misma se describe como “creadora de me melodías y generadora de posibilidades” ???? Su llegada a la fotografía (Minuto 9:44) Elena nos cuenta que realmente fue un dolor, su separación de su primer marido, lo que le llevó a la fotografía. En su Galicia natal salía a caminar todos los días, y en esos paseos iba acompañada de su melancolía y la maravilla de los paisajes que veía, le llevaban a ello. Su teléfono móvil le permitía jugar con las imágenes para expresarse. Eso le llevó a realizar más tarde, en su ciudad de residencia, Alcobendas, un curso de fotografía para conocer más sobre el medio. Nos habla de cómo el teléfono móvil, aunque lleve una cámara, primero suele disparar con el móvil para probar cosas. Estamos de acuerdo en que es más importante conseguir imágenes que expresen, a imágenes perfectas, que no digan nada. Comento el caso de la exposición de Eugenio Recuenco, que incluye una foto con un teléfono móvil. Su proceso de autoconocimiento y sobre las posibilidades de la fotografía (Minuto 17:08) Nos cuenta que le llevó sobre unos dos años el proceso desde que empezó a ver las posibilidades de la fotografía y poder usarla para su autoconocimiento. Lo primero que necesitó es liberarse del miedo a la cámara, dominando suficientemente bien la misma para capturar sin esa presión. Recuerda como sus profesores Rafael Roa, Manuel Zambrana, o Javier Arcenillas, todos ellos magníficos profesionales, le echaban la bronca por la calidad de sus fotos, pero explica que ella buscaba más expresarse y aunque a veces la calidad era justita, considera que lo conseguía. Nos explica que la fotografía es una “técnica proyectiva”, lo que me da paso a mi siguiente pregunta. Autococimiento: gustos y necesidades (Minuto 20:41) Elena nos explica que fotografiamos lo que nos gusta y muchas veces también lo que necesitamos. En cualquier caso, la fotografía puede hacernos conscientes de muchas cosas en la vida. Habla de la diferencia entre “Fotocoaching”, para crecimiento personal, y Fototerapia, como herramienta de ayuda cuando hay problemas. Beneficio del autoconocimiento (Minuto 22:57) Para Elena, la fotografía es un facilitador, nos conecta con el mundo real, hace consciente lo que no podemos decir con palabras. En si mismo, el autoconocimiento es algo poderoso, si uno es consciente de sí mismo, es el primer paso para la inteligencia emocional, para descubrir mis valores y ser coherente con ellos. Aunque sin ayuda de otras personas, ese autoconocimiento es limitado. Ejercicio para el autoconocimiento (Minuto 24:49) Nos cuenta un ejercicio que suele recomendar. Se trata de hacer una foto y escribir sobre la foto, haciéndote preguntas como: ¿dónde estaría yo en esta fotografía si tuviese que ponerme en ella?, ¿qué pasó antes o después?, … Se trata de escribir sin pensar, centrados sólo en la foto y en el papel donde escribimos, se trata de dejar aflorar cosas. Después se deja un tiempo, por ejemplo un par de días, para analizar lo que hemos escrito. Nos habla de métodos de fototerapia usando texto e imágenes. En ocasiones lo que hace es pedir a la persona que visualice una imagen sobre una temática, Recomienda, pensar en el problema que tenemos o algo que nos preocupa, e intentamos visualizar una imagen que conecte con este tema. Una vez que tengo esa imagen en la cabeza, también puede buscar una imagen que nos evoque en Internet. Después se escribe “sin pensar” (dejándose llevar) sobre esa imagen. Y también debemos hacernos una pregunta importante ¿Qué relación tiene esto con el tema que me preocupa? El ego y la falta de confianza, enemigos de la creatividad (Minuto 33:50) Elena nos habla de problemas que tienen fotógrafos profesionales, y como nuestro “ego” excesivo o la falta de confianza, pueden ser contrarios a nuestra creatividad, por distintas razones. Charlamos sobre la importancia de permitirse jugar, de fluir con lo que sentimos. Uso de la fototerapia (Minuto 38:49) Elena nos cuenta que puede tener muchos usos como: ansiedades, depresiones, duelos, etc. A veces lo usa como un medio de expresión para los pacientes, y otras veces de forma más puntual. Nos comenta casos donde el uso de la fotografía ha sido muy reveladora de la situación interior de la persona. La fotografía, nos dice, entra directamente a la emoción, por lo que pude contar muchas cosas. Fotocoaching (Minuto 42:23) Nos explica que el fotocoaching puede ayudar a los fotógrafos a ser más conscientes de lo que hacen, de su trabajo. Averiguar las motivaciones interiores de lo que nos mueve a fotografiar, nos lleva a ser mejores fotógrafos. La razones más habituales sobre las que ayuda a los fotógrafos son los bloqueos emocionales y el estancamiento de la creatividad. Su trabajo es moverles algo por dentro, para salir de ahí. Hablamos de las distintas realidades que percibimos cada persona, tomar consciencia de todo el proceso es el primer paso. Y después se trata de llevar a la acción tus metas interiores, tus motivaciones. Se trata de contestar no sólo al “por qué”, si no al “para qué”. Libro recomendado (Minuto 50:13) Le pregunto a Elena por un libro sobre fotocoaching y nos indica que en español no hay nada o no conoce nada. Nos habla de Judy Weiser, una experta en fototerapia, que tiene libros muy interesantes, como “PhotoTherapy Techniques“. Y luego, nos habla del libro de Julia Cameron, “El camino del artista”, como un libro interesante para sacar la creatividad que llevamos todos dentro, algo que nos puede proporcionar mucho bienestar. Termina hablándonos de sus servicios de Psicología clínica, formación y procesos de coaching, dirigidos a empresas y particulares. En esos servicios utiliza la fotografía y técnicas proyectivas, usando el juego como un vehículo. De ahí una frase suya muy bonita: “La fotografía, el coaching y la psicología unidos, es emoción escrita con luz“. Elena Dapra Elena Dapra es una Psicóloga Clínica con más de 20 años de experiencia, especializada en Couching. A través de su gusto por las artes, descubrió todo un mundo de emociones a través de la Creatividad y el Arte, concretamente a través de  la fototerapia y el fotocoaching, convirtiendo así la fotografía en una estupenda herramienta que usa en su trabajo. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Elena Dapra?  ¿Qué te parecen estos usos de la fotografía? Déjame un comentario y cuéntame ???? Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 147. Fototerapia y fotocoaching con Elena Dapra se publicó primero en the imagen.

En este último episodio del año contamos como invitada a la fotógrafa Leila Amat, una fotógrafa muy creativa que se ha especializado en fotografía construida, como ella misma dice “fotografiar de ideas y sueños”. A lo largo de un buen rato hablamos sobre su trabajo, su forma apasionada de vivir la fotografía, su lucha en defensa de la mujer… y incluso nos deja un secretito al final Te aconsejo echar un vistazo a su obra en su Web: http://leilaamat.com/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre suavidad: https://www.theimagen.com/reto/38 Su proceso de creación de imágenes construidas (Minuto 7:41)  Leila nos cuenta que es una fotógrafa muy vehemente, considera que la fotografía a acudido a ella, realmente no va tras las fotografías, digamos que la escucha. Concibe la fotografía como una especie de remolino interior, no de forma reflexiva, que es algo muy impulsivo. Comenta unas palabras de Borges, preguntando sobre cómo hacía su poesía que decía “si te lo explico, no sabría decirte cómo lo hago”. Plasmar la idea: la captura (Minuto 4:48) Nos explica que desde 2017 está sumergida en un proceso de cambio tras el nacimiento de su hija, fotografiando más interiores. En sus fotos anteriores las localizaciones y atrezo, si que estaba más meditado. Ahora su cuerpo le piede otra cosa. Hablamos un poco de cómo al final, si quieres expresarte, puedes Cuentas historias, intentas transmitir, impartes talleres de Creatividad, ¿dónde sueles buscar tu inspiración? (Minuto 13:10) Se mueve entre lo personal y lo político. Las personas que le rodean es algo recurrente en sus fotografías. Y en lo político, se refiere, no a partidos políticos, si no a su activismo en defensa de la libertad de expresar, por ejemplo a través de sus desnudos, algo que hay personas que por desgracia no entienden y muchas veces recibe hasta insultos, etc. ¡Qué lástima que haya personas que tengan esos comportamientos! ¿Qué buscas con tus fotografías? (Minuto 17:56) Nos habla de una conversación reciente con una amiga suya, Dara Scully, que nos recomienda conocer, y explica cómo hablaba con ella que trabajarían juntas cuando se sintiese mejor. Su fotografía en interiores es un reflejo de su lucha interna. Una de sus fotos más famosas es “Flor de viento” que es una de sus primeras de exterior. Respecto a la unión con la naturaleza que reflejan sus fotografías, nos cuenta que se muestra tan pura, como la naturaleza se le presenta a ella. Nos explica que aunque no es algo fácil trabajar en exteriores, . Esa vehemencia interior le ayuda a Nos cuenta también su situación actual, con problemas psicológicos, que  naturalmente le afectan y refleja en sus fotografías. ¿Qué consejo nos darías para fomentar la creatividad? (Minuto 23:10) Leila cuenta que considera que la lectura es un gran vehículo para construir imágenes. Nos recomienda un ejercicio que suele recomendar en sus talleres: a partir de un microrelato o alguna poesía, podemos visualizar una imagen e intentar plasmarla. Como ya tenemos la idea en la cabeza, no se parte de la nada, puede ser un punto de partida muy bueno para lograr una fotografía construida. Le comento un ejercicio que propuse en el episodio 60, sobre un texto de Julio Llamazares, que puedes ver el resultado aquí. Hablamos sobre la visión particular de cada uno de nosotros y como debemos dejar que salga a flote. Posibilidades de la fotografía: autoconocimiento y autoretrato (Minuto 26:20) Le pregunto por las posibilidades de autoconocimiento de la fotografía. Leila nos indica que muchas veces con la fotografía lanza una pregunta, y puede que incluso años después, obtiene una respuesta. Sin duda, considera que es un medio de autoconocimiento muy bueno, aunque requiera de un tiempo hasta obtener respuestas. El autoretrato es parte de ese autoconocimiento y le gusta porque le permite trabajar consigo misma, ya que muchas veces no le es fácil trabajar con otras personas que no tiene mucha confianza. Una bonita frase que nos deja: El mayor desnudo que he hecho es la fotografía en sí misma, es tal la entrega y la exposición a la que me veo. Encontrar nuestro propio estilo (Minuto 28:28) Nos explica que efectivamente lleva un tiempo encontrar tu propia voz. Nos habla del caso de Federico Lorca que para hacer fotografía, no veía teatro, es decir, no se inspiraba en otras obras teatrales, si no fuera. En su caso ha sido así, ha seguido a personas poco consagradas pero con un estupendo trabajo,  y considera que forma parte de una generación de fotógrafos que no ha recibido reconocimiento. El papel de la mujer en la fotografía (Minuto 31:39) Leila, feminista y ferviente luchadora del papel de la mujer, nos habla de la falta de reconocimiento que tiene la mujer en la fotografía. Charlamos un poco sobre los retos que todavía tienen las mujeres para que sean reconocidas como los hombres. Una lucha en la que tenemos que estar TODOS Referentes (Minuto34:35) Nos explica que ni ella misma lo sabe, y nos habla del libro “¿Quién tiene miedo de las mujeres fotógrafas?”, a partir de una doble exposición en Francia. El título original del libro es “Qui a peur des femmes photographes?” y puedes encontrarlo aquí: https://amzn.to/2R4ruHo Considera que estas fotógrafas, más que las actuales, si que le movieron algo por dentro y pudieron marcar su visión. Y en la actualidad son muchas las amigas fotógrafas y referentes en la fotografía. Nos comenta varias de ellas: su amiga Dara Scully, Silvia Grav, Virginia Rota, Estela de Castro, Rebeca Saray, Mara Sainz, Sandra Montesinos, Tam Castrillejo y Ana Becerra. Todas ellas le inspiran para seguir creando. Consejo para encontrar nuestra voz propia (Minuto 39:02) El consejo que nos da es ser fieles a nosotros mismos, algo que cuesta por el miedo a ser distintos. Como seres sociales, intentamos ser aceptados e aunque sea de forma inconsciente, intentamos no ser distintos. Su consejo: Fíjate en qué te hace distinto a otras personas y aprovéchalo para mostrarlo en tus fotografías. Leila Amat. La fotografía tiene, según Leila, que tener un poco de “picantito“, que nos remueva por dentro Charlamos sobre lo importante de fotografiar para nosotros mismos, y nos pone como ejemplo las palabras de la abuela de Risto Mejide: “El éxito es algo interno”. Consejo para los que se inician en fotografía (Minuto 43:12) Nos habla de sus inicios y de cuando sufre bloqueos. Leila recurre mucho a otras artes como la literatura, la música,… ya que además sufre del Síndrome de Stendhal, y es muy sensible al arte. También cree que deberíamos hablar más de amor, que los seres queridos son una fuente de inspiración muy importante. Nos dice que con una réflex barata y mirando con pasión nuestro entorno, seguro que sale algo bueno Para terminar nos cuenta un secretito… pero tendrás que escucharlo, jejeje Ejercicio propuesto Te propongo realizar, a partir de la propuesta de Leila, un ejercicio para las próximas semanas. Es un ejercicio parecido al del episodio 60, (estas son las fotos resultantes) se trata de crear una imagen a partir de un pequeño texto ¿Cómo participar? Envíame tu foto y texto a [email protected] Plazo: Hasta el 31 de enero de 2019 Libro recomendado, por si no tienes otro texto: Recetas de lluvia y azúcar (Eva Manzano) ¡Anímate! ¡Felices Navidades y nos escuchamos prontito! Si tu quieres, claro Leila Amat es una fotógrafa española cuya obra se basa principalmente en fotografía construida, a través muchas veces del autoretrato. Su fotografía muestra de una forma impulsiva, emotiva y poética su mundo interior y su visión de la vida. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Leila? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 146. La fotografía construida de Leila Amat y un ejercicio propuesto se publicó primero en the imagen.

Como sabes, la fotografía es un estupendo medio de expresión. En este episodio hablo de los fuerzas expresivas opuestas: la armonía y el contraste. Y lo hago a través recursos compositivos dinámicos y estáticos. Puedes ver más información y ejemplos en el Blog: https://www.theimagen.com/composicion-dinamica-vs-estatica-fotografia Te animo a participar en el reto fotográfico para plasmar suavidad: https://www.theimagen.com/reto/38 Contenido En este episodio quiero que veas algunas cuestiones importantes para que puedas transmitir armonía y equilibrio, o todo lo contrario, contraste y tensión. Temas que trato en el episodio: La importancia de la composición No hay buenas o malas composiciones “per se”, si no que éstas serán mejores o peores según lo que busques. Una buena composición apoya el mensaje que buscas transmitir, mientras que una mala composición le resta claridad, dificulta su interpretación. Por ese motivo, el primer paso es saber qué quieres transmitir y en base a ello, tomar las decisiones oportunas para intentar transmitir eso que quieres. Composición dinámica vs estática A través de la composición dinámica se busca un cierto impacto y fuerza en la imagen, que la fotografía no sea algo totalmente estático, en calma. Y opuesto a ello, con una composición estática se busca equilibrio, un cierto orden, que los elementos transmitan más tranquilidad y calma. También hablo de conceptos muy importantes para mostrar armonía o contraste: Peso visual Las líneas Composiciones estáticas: equilibrio El equilibrio puede conseguirse de varias formas. Equilibrio estático: Este equilibrio se basa principalmente en el centramiento y la simetría. Equilibrio dinámico o asimétrico: En este caso no hay simetría o centramiento, si no que hay elementos con distinto peso visual, pero unos se equilibran con otros. Composiciones dinámicas: tensión Una composición dinámica lo que trata es de añadir cierto desequilibrio y tensión en la imagen, lo que puede implicar sugerir más inestabilidad o movimiento, pero no necesariamente. Ejemplos de grandes maestros Comento algunas fotografías de grandes maestros, como Alexander Rodchenko, Daido Moriyama, Garry Winogrand, Bruce Gilden o Martin Parr, que puedes en el Blog: https://www.theimagen.com/composicion-dinamica-vs-estatica-fotografia Agenda visual Hoy en la agenda visual hablo de estos temas: Fotografías ganadoras del National Geographic Photo Contest 2018 (vía Cultura Inquieta) Exposición “La huella familiar” de la fotógrafa Nancy Borowick en Barcelona (vía RTVE) Testeo del modo noche del móvil Google Píxel 3 (vía Photolari) Escultura de Karoline Hinz para reflexionar sobre el uso del móvil (vía Creativos Online) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles usar las composiciones dinámicas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 145. Saca partido en tus fotografías a la composición dinámica se publicó primero en the imagen.

Hoy tenemos con nosotros a Magdalena Duran, toda una experta en Creatividad y Arteterapia, que nos habla de dos temas muy importantes que podemos desarrollar a través de la fotografía y otras artes Charlamos un buen rato de cómo fomentar nuestra creatividad, cómo intentar “desbloquearnos” cuando llegan los bloqueos y de las posibilidades de la arteterapia. Magdalena nos deja unas reflexiones y unos consejos muy interesantes ¡no te los pierdas! Puedes encontrar a Magdalena Duran en su Web: https://www.magdaduran.com/ Te animo a participar en el reto fotográfico #37 sobre líneas verticales:  http://www.theimagen.com/reto/37 Preguntas y respuestas ¿Todos somos creativos? (Minuto 4:57) Magdalena nos cuenta que los estudios así lo demuestran, lo que pasa es que generalmente Nos explica que para ella la creatividad es como una semilla, si cae en tierra fértil, claro que puede crecer, y nos cuenta que cree que debería potenciarse ya en la educación desde niños. La principal razón de bloqueo (Minuto 7:00) Las personas suelen acudir a Magdalena principalmente por una insatisfacción, son personas que tienen más o menos su vida resuelta, pero buscan su verdadera vocación. Pero la semilla de nuestra creatividad nunca muere, está latente. Magdalena nos cuenta que cree que todos los bloqueos son miedos, miedo al cambio, y nos pesan muchos mensajes Los momentos de bloqueo y algunos consejos (Minuto 8:38) Le comento a Magdalena que antes o después pasamos por esos momentos de bloqueo, porque realmente es difícil siempre encontrarse creativo, por lo que tenemos que tener la paciencia y tranquilidad necesarios porque. Ella está de acuerdo, efectivamente no siempre se tiene la creatividad que buscamos. Magdalena nos da varios consejos que suelen funcionar: Juega, vuelve a ser un niño, desconecta de ese tema y dejarse llevar por lo que nos guste. Caminar por la naturaleza (si vives en una ciudad, por un parque) y dejarse impregnar por el ambiente. Realizar estas acciones pueden darnos ideas y eliminar esos bloqueos Sobre la autocensura (Minuto 13:10) Creo que este tema que nos puede afectar mucho y le pregunto por el mismo. Magdalena llama a este personaje “el juez interno”, que se encarga de acallar la voz del niño que llevamos dentro. Si le escuchamos, nuestra espontaneidad sufre mucho. Nos cuenta lo importante que es distinguir a este personaje, porque es una parte nuestra que no nos ayuda. Un consejo es ponerlo en duda, cuestionar lo que nos dice y también ponerlo en su sitio. Realmente, dominar a nuestro “juez interno” es algo muy positivo, según nos comenta Magdalena: “Todo lo que te lleve a ser más genuinamente tú mismo, es algo que te va a llevar a tu creatividad” Trabajar la creatividad (Minuto 17:06) Magnalena nos explica que poniendo conciencia en tu momento presente, en cómo te sientes, algo que tiene que ver con el término de moda “mindfulness“. Nos cuenta sobre su miedo a ponerse delante de una cámara, para grabar sus vídeos y cómo le ayudó “cantarle las cuarenta” a la cámara, a ese ojo fisgón que le observaba Y comentamos cómo podemos usar nuestro medio de expresión para conocerte y poner en su sitio a ese juez interior. El poder del inconsciente (Minuto 21:39) Le comento a Magdalena que hace poco leía que sólo una pequeña fracción de lo que absorbe nuestra mente, menos del uno por ciento, logra llegar alguna vez al nivel consciente. Ese inconsciente es muy rico y le pregunto cómo podemos sacarle partido. Nos explica que así es, que Sigmund Freud ya hablaba de esto. Conforme te dejas llevar, sin importarnos qué les parecerá a los demás, hará que salga a la luz nuestro yo más interior, esa parte más inconsciente. Magdalena, nos explica que por ejemplo la diferencia entre ver y mirar, que solemos ver y etiquetar lo que vemos, reconocemos lo que vemos, pero que tenemos que intentar olvidarnos del nombre de las cosas, para empezar a ver otras cosas en eso que vemos. También nos comenta que ente viaje a nuestro interior, seguramente es mejor hacerlo con algún experto que haya hecho ese recorrido. Nuestro yo es como una cebolla con muchas capas, muchas desconocidas Fotografía y creatividad (Minuto 26:49) Nos habla de la mirada, de volver a mirar como un niño. Charlamos sobre la magia de lo cotidiano, no dar nada por sentado y dejar asombrarse por lo que vemos a diario. Magdalena cómo nuestra mirada particular puede aportar algo muy interesante. A veces lo más original es volver a ver el rostro de una persona conocido como si fuera la primera vez. No necesitamos hacer fotos a cosas muy llamativas. Comento las fotos “Pimiento nº 30” de Edward Weston y “The Sound of One Hand Clapping” de Minor White, y Magdalena nos habla del cuadro “Los zapatos” de Vincent Van Gogh. Libro recomendado para fomentar la creatividad (Minuto 30:41) Nos dice que depende, cualquier cosa que nos estimule imágenes visuales nos sirve: poesía, novelas, etc. Y si buscamos algún estudio sobre la creatividad, nos recomienda del libro “La ruta de la creación” de Carlos Martínez Bouquet (Ediciones Aluminé, 2006), un libro un tanto místico que nos habla de 3 perfiles distintos de creatividad de los que nos habla Magdalena. Comentamos como la creatividad para poder hacer creaciones que nos reconforten a nosotros y nos llenen está a nuestro alcance. ¿Qué es realmente la arteterapia? (Minuto 34:18) Es una forma de psicoterapia que utiliza el arte no como fin, si no como medio de terapia. Es crear los medios artísticos para poder sacar lo que lleva. El terapeuta le ayuda en ese camino de exploración. Nos cuenta como el arteterapia puede ser el abono para que la semilla. Nos pone como ejemplo un ejercicio que están haciendo ahora de hacer una foto al día con el móvil a lo que nos llama la atención, sin pretender sacar una foto bonita o llamativa. Le pregunto a Magdalena si ambas cosas van unidas. Nos explica que sí, porque realmente la arteterapia explora todo, no sólo el resultado final. Supongo que son numerosos los problemas a los que nos puede ayudar la arteterapia ¿podrías comentarnos los más habituales? (Minuto 38:25) En su caso, en general, son personas que son conscientes de que son creativas, pero que no la han podido sacar a la luz. Son personas que podrían quedarse como están, pero tienen un vacío que quieren llenar. Otras veces es por una crisis interior, algún problema que sufren y ven en las artes una salida. ¿Cómo te acercaste al uso terapéutico de la misma? (Minuto 41:14) Nos explica que fue un proceso, que ella quería ser pintora y lo fue durante 13 años, con bastante éxito, siendo muy joven. Su primera separación le dejó muy tocada y aunque daba clases necesitó de ayuda a través de terapia personal, con terapia Gestalt. Y le enganchó sus posibilidades. Háblanos de tus cursos y tus servicios… (Minuto 43:45) Nos cuenta que imparte cursos propios, por ejemplo en 2019 tendrá en Barcelona varios talleres. Puedes ver las fechas en su Web: https://www.magdaduran.com/ También colabora con otros organismos como Universidades, y distintos masters de Arteterapia. Y nos habla como primicia de su primer curso online “Crear sin límites“, que puedes ver en su Web y que tiene muy buena pinta No dejes de echar un vistazo a su Web Magdalena Duran es Licenciada en Bellas Artes. Como pintora ha expuesto en numerosas exposiciones individuales y colectivas, dentro y fuera de nuestro país. Y desde hace años se ha especializado en Arteterapia y Creatividad. Su Web: https://www.magdaduran.com/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Magdalena Duran? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 144. Creatividad y Arteterapia con Magdalena Duran se publicó primero en the imagen.

Después de un tiempo, volvemos a un episodio de preguntas y respuestas. Hablamos de archivos raw, de herramientas de revelado y procesado y algunas técnicas de procesado. ¡Estamos cerca de las 100 reseñas y valoraciones en iTunes! ¿Te anima dejarme la tuya? Aquí te explico cómo hacerlo : http://www.theimagen.com/resena-itunes Te animo a participar en el reto fotográfico sobre líneas verticales: http://www.theimagen.com/reto/37 Preguntas PREGUNTA – Exportación en Lightroom para impresión Jorge ha comenzado a disparar en RAW y revelar con Adobe Lightroom y y tiene dudas sobre el peso que tienen las imágenes al exportarlas. Respuesta Explico que si no se recorta el nº de píxeles y guarda con calidad “Alta” o “Muy alta” no va a tener una pérdida muy apreciable. JPEG al comprimir con pérdida de información que comprime mucho más que el formato RAW y por ese motivo pesan mucho menos, del orden de 4-5 veces. Hablo también del formato TIFF que también puede imprimir sin problema y que ya no tiene pérdida de información PREGUNTA – Problemas archivos RAW en equipo antiguo Carlos me cuenta que tenía una cámara Nikon D3300 cuyos archivos RAW revelaba con Lightroom 6.1, pero que al cambiar su cámra a Nikon D5600 el programa le dice que no puede leer el formato. Me pregunta a qué versión debe actualizar ya que su equipo es algo antiguo y cree que no va a soportar una versión muy nueva. Respuesta Explico que Adobe tiene una página donde especifica la versión mínima de Camera Raw y Lightroom que se necesita para trabajar con cada modelo de cámara: https://helpx.adobe.com/es/camera-raw/using/ed-cameras.html Carlos según esta tabla debe tener al menos la versión de Lightroom 6.8, en la versión de licencia perpétua. Comento otra opción Adobe DNG Converter, un convertidor gratuito de Adobe que se puede usar para convertir los archivos nuevos de su cámara y convertirlso a DNG para no cambiar la versión de Lightroom. Puedes descargar la versión de este conversor desde aquí: https://helpx.adobe.com/es/photoshop/using/adobe-dng-converter.html PREGUNTA – Borrado accidental de archivos Antonio me explica que borró las fotos de una tarjeta creyendo haberlas descargado, pero no fue así, y me pregunta por un programa de recuperación. Respuesta Le explico que lo importante es no hacer cambios en la unidad donde hemos eliminado los archivos (tarjeta, disco duro, etc.). Mi consejo es que tengas instalado algún programa de recuperación de archivos como Recuva (https://recuva.uptodown.com/windows) o PhotoRec (https://www.cgsecurity.org/wiki/PhotoRec) PREGUNTA – Problema con filtros Nik Collection Ana me cuenta su problema con los conocidos filtros Nik Collection tras actualizar Photoshop, y que piensa que es como ya no se actualizan. Respuesta Le comento a Ana que aunque la versión gratuita de Google ya no tiene actualización  si que tienen una continuidad de pago: https://nikcollection.dxo.com/ Aprovecho para hablar un poco de la historia de este paquete de filtros para Photoshop y Lightroom y también le aconsejo aplicar los filtros sobre una capa nueva. También comento que el programa Luminar puede suplir un poco este paquete de filtros. PREGUNTA – Sobre láscaras de luminosidad María ha descubierto esta técnica de selección  y me pregunta qué me parece y si la aconsejo para un recién llegado al procesado. Respuesta Explico por encima la utilidad de esta técnica que se usa en el procesado y sus bondades para realizar selecciones ajustadas al contenido preciso de la imagen. Es una técnica muy interesante, que puede añadir un plus de control muy buena sobre los ajustes en la imagen, pero mi consejo es comenzar por el revelado, ya que la curva de aprendizaje es más rápida y creo que ya tenemos bastante control sobre la imagen. PREGUNTA – Alternativa a Lightroom A Álvaro no le gusta el modelo de suscripción de Lightroom y me pide consejo sobre una herramienta alternativa. Respuesta Aprovecho para hablar de algunas opciones gratuitas como Darktable y RawTherapee y le comento que ya tratamos este tema en el episodio 107. Una comparativa de herramientas que puede ver también en el Blog: https://www.theimagen.com/revelado-alternativas-lightroom/ Comento el editor en línea con interfaz similar a Photoshop (recomendado por mi amigo Pruden) Photopea: https://www.photopea.com Agenda visual Hoy en la agenda visual hablo de estos temas: Exposición “Magnum: Hojas de o” en Madrid (vía Clavoardiendo Magazine) Exposición “Estructuras de Identidad” en Barcelona (vía Clavoardiendo Magazine) Festivales y congresos, DOCfield Barcelona , AFOTAR en Torrejón de Ardoz (Madrid) y Photogenic Festival en Barcelona. Presentación del trabajo “365º” de Eugenio Recuenco en Fuenlabrada (Madrid) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Sueles revelar y procesar tus fotos? ¿Qué programas utilizas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 143. Preguntas y respuestas sobre revelado y procesado se publicó primero en the imagen.

Hoy te traigo una pregunta clave ¿Por qué haces fotos? Quieres ser un buen fotógrafo ¿verdad? Disfrutar al máximo de este bonito medio de expresión y obtener los mejores resultados ¿Me equivoco? Pues hoy toca reflexionar un poco y que te hagas esta pregunta necesaria ¿me acompañas? Y también estrenamos sección de “charlas” con fotógrafos y expertos, si conoces alguna persona interesante para charlar un rato con ella, házmelo saber :) Hoy tenemos a la fotógrafa Cristina Bezanilla (Minuto 22:07) Puedes encontrar esta información en formato Blog: http://www.theimagen.com/por-que-fotografias/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre blanco y negro: http://www.theimagen.com/reto/36 Una pregunta clave: ¿Por qué fotografías? Como explico, realmente, hacerte la pregunta es más importante que encontrar tu respuesta. Porque la misma, seguramente, cambie con el tiempo. La pregunta te plantea una reflexión, por lo que debes tomarte un tiempo para meditar sobre ello. Estoy seguro que te arrojará algo de luz y te hará plantearte tus metas en la fotografía. La fotografía es un viaje Hablo de cómo la fotografía es un camino que desde mi punto de vista no tiene fin, porque como casi todo en la vida, es infinita. En ese camino pasamos por una serie de etapas. Generalmente comenzamos por la preocupación la cámara, pero eso sólo es el principio. Por delante tienes muchas etapas. Mi consejo es sencillo: “disfruta cada etapa de tu camino de aprendizaje en la fotografía” Cada persona tiene su motivación Lo importante más que la respuesta es la reflexión a la que nos lleva la pregunta. Comento varias motivaciones bastantes habituales, como son: Capturar las cosas que te gustan Guardar los recuerdos Placer intelectual de fotografiar La fotografía como terapia Autoconocimiento Y también hablo de otras motivaciones que considero perjudiciales. Como son buscar sólo fotografías impactantes para impactar a los demás, basar nuestra fotografía en la opinión de los demás. Pero creo que eso es un gran error porque que quedas en la superficial y no muestras tu verdadera visión. Otro error es querer copiar la visión de otros fotógrafos. En lugar de eso, confía en tu visión y ve descubriéndola poco a poco, practicando y analizando tus fotografías y las imágenes que ves y te gustan. Tu respuesta Piénsalo tranquilamente, durante el tiempo que consideres oportuno. No te obstines en encontrar la respuesta rápido. El beneficio de hacerte la pregunta ya está en tus pensamientos Es un ejercicio reflexivo de mirar hacia dentro que seguramente te lleve a tus inicios, a tus etapas más tempranas y a valorar tu situación actual. Y después qué Cuándo aparezca esa respuesta, si aparece, intenta ser coherente con la misma. Tu motivación debe guiar tus acciones. Charla con Cristina Bezanilla A finales de septiembre se publicó el fallo del jurado del 29º concurso fotográfico “Caminos de Hierro” de la Fundación de los Ferrocarriles Españoles y Cristina recibió el primer premio. Cristina Bezanilla Echeverría vive y trabaja entre Laredo (Cantabria) y Madrid, y es Licenciada en Bellas Artes. No es una fotógrafa novata, sino que lleva muchos años en la fotografía, su gran vocación, y lleva participando muchos años en este concurso. Nos habla de su fotografía, hablamos sobre los concursos de fotografía y sobre un bonito proyecto junto a su hermana Arancha, que por desgracia pasó por un cáncer de mama. Aquí puedes ver su imagen ganadora “Cuaderno de Vinh a Hue“: https://www.ffe.es/caminosdehierro/principal.htm Y aquí su proyecto y su libro “Fucking cáncer“: https://sialpigmalion.es/producto/fucking-cancer-hermana/ Su perfil en ELLO: https://ello.co/cristina_bezanilla ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Piensas hacerte la pregunta? ¿Te la has hecho ya anteriormente? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada ¿Por qué fotografías? y charla con Cristina Bezanilla se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Desireé Delgado, un fotógrafa pintora y artista digital española, que poco a poco fue consiguiendo una obra llamativa hasta dedicarse profesionalmente al medio, además de una conocida Youtuber Hablamos de su trayectoria desde sus comienzos en la fotografía y cómo poco a poco, fue aprendiendo y mostrando su trabajo hasta llegar a dónde está hoy día. Su Web: http://www.desireedelgado.es/ Su canal de Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCo9EY5cWb1wvQbKfStPIRYw Te animo a participar en el reto fotográfico sobre blanco y negro: http://www.theimagen.com/reto/36 Sus inicios en la fotografía (Minuto 6:42) Desirée nos explica que llegó un poco por casualidad, aunque realmente ella ya practicaba pintura desde muy pequeña. Después sin embargo, estudió Magisterio para tener algo seguro. Con el boom de la plataforma Flickr, le picó la curiosidad por la fotografía y a partir del regalo de una réflex básica, una Nikon D40, comenzó su trabajo 365. Este tipo de trabajos se trata de conseguir una foto para publicar todos los días del año, durante un año. Comentamos cómo su gusto por la pintura le sirvió de base visual para la fotografía. El proyecto 365 le sirvió Su progresión en la fotografía (Minuto 10:07) Desde luego, Desirée no tenía ninguna pretensión de dedicarse a la fotografía, por eso estudió Magisterio. Comentamos la dificultad de dedicarse profesionalmente al arte. Sobre su proyecto 365 (Minuto 13:02) Este proyecto le dio confianza y soltura con la cámara, Desirée nos cuenta que con este proyecto aprendió prácticamente todo. Además al hacerlo sin presión, sólo por probar, por divertirse y seguir aprendiendo. Comentamos lo bueno que es tener esa libertad. Desirée nos habla del libro “Roba como un artista” del autor Austin Kleon, donde el autor indica que no hay que dejar de ser un aficionado, para tener esa frescura. Le pregunto a Desirée por el autoretrato que utilizó en su proyecto. Nos explica que sirve un poco de viaje interior, y también nos cuenta que le sirvió para hacer comunidad, porque la gente tenía curiosidad por ver cómo iba evolucionando y participaba a través de comentarios, etc. Puedes verlo aquí: su galería de Flickr La importancia de mostrar tu trabajo y sobre las opiniones de terceros (Minuto 19:59) Comentamos que es muy importante que nuestro trabajo no se quede en nuestro ordenador, que mostremos nuestro trabajo. También hablamos sobre lo necesario de filtrar las críticas y sólo quedarnos con aquellas que nos aporten algo. La importancia de Internet para que nuestro trabajo sea conocido (Minuto 22:49) A Desirée le sirvió de mucho publicar sus fotos en Flickr, a partir de mostrar su trabajo le llegaron sus primeros clientes. Esto hubiese sido imposible de otra forma, ya que empresas extranjeras le aron para realizar diseños de portadas, cosa que hubiese sido imposible si no hubiese mostrado su trabajo en alguna plataforma, como Flickr. Consejos ante los bloqueos (Minuto 25:00) Desirée nos cuenta que proyectos largos como el 365 son muy exigentes, su primer proyecto de éste tipo le costó un poco terminarlo, pero el segundo, con la exigencia que se impuso, le fue imposible. Nos explica que hay momentos de bloqueo y que es mejor cortar y tomarnos un descanso de la cámara, antes que sentir un fuerte rechazo por la fotografía. Y poco a poco, si realmente te gusta el medio, cree que la fotografía vuelve antes o después a tu vida, y vuelves a sentir ese amor por hacer fotos. Fuentes de inspiración (Minuto 31:26) Desirée realmente nutre mucho su inspiración fuera de la fotografía, lo hace en la pintura, los cómics, el cine, etc. Pero sobre todo al principio nos recomienda ver muchas fotografías para entrenar el ojo. No es una fotógrafa eso sí, que siga mucho a fotógrafos muy concretos, Instagram es su principal fuente actual para ver fotografías. Cree que hay que conseguir un equilibrio entre tener referencias y no caer en la copia, considera que es mejor nutrirse de muchos fotógrafos y conseguir tu propia fusión. Comentamos la importancia de este hecho de creer en nuestra propia voz en la fotografía. ¿Por dónde comenzar con Photoshop? (Minuto 34:56) Nos cuenta que el principal problema es que la gente quiere avanzar muy rápido y empieza por cosas muy complejas. Su consejo es empezar por cosas pequeñas y concretas, mejor que seguir procesados muy largos, que luego además son poco aplicables a nuestras fotos. Su fotografía perruna (Minuto 38:23) Comentamos sobre el último tipo de fotografía que está probando Desirée, que es la fotografía a perros, unos animales que adora ¿Qué tipo de luz te gusta más? (Minuto 40:55) Desirée suele trabajar más con luz natural, aunque depende del trabajo. Por ejemplo, en sus fotografía de perros o trabajos que busca naturalidad, lo suele hacer en exteriores, con luz natural y buscar fotos más casuales. Ya en el estudio utiliza una luz suave de un gran octobox, por el tipo de resultado que le gusta, más pictórico. Visión propia, clientes y marketing (Minuto 42:48) Le comento sobre cómo lleva esa pelea por aplicar su visión cuando es distinta a la de los clientes. Nos explica que no es nada sencillo, y a veces ha hecho trabajos que no le gustan o en los que ella aporta poco, pero que si no muestras esos trabajos es difícil que te lleguen trabajos de ese tipo. Y nos da un consejo estupendo: aunque hagas otras cosas, muestra sólo el trabajo por el que quieras que te conozcas. Consejo para quien quiera dedicarse a la fotografía (Minuto 47:55) Lo primero que nos aconseja es asegurarse que se tiene una calidad suficiente a la hora de hacer tus trabajos. Nos explica su caso, cómo sus primeros trabajos de fotografía de boda fueron gratuitos hasta aprender lo básico y ver que podía abordar ese trabajo. Además fueron trabajos que te permiten tener ya un pequeño portfolio. Estos trabajos eso sí, comentamos que esos trabajos gratuitos, hay que acotarlos a esa primeras experiencias laborales. Trabajar como segundo cámara o que otra persona te enseñe, puede ser otra alternativa, nos explica Desirée. Comenta por ejemplo, que su amiga Marina Gondra, una fotógrafa de bebés de Bilbao, sí que le dio muchos consejos para este tipo de fotos. Pagar por formarse, también es una buena opción. Encontrar tu propia visión o nicho para destacar (Minuto 54:11) Desirée nos explica que la diferenciación es muy importante para que los clientes puedan buscarte por tu tipo de fotografía. Comento el caso de un fotógrafo de bodas especializado en personas tatuadas, es el caso de Mike Allebach. Sobre su canal de Youtube (Minuto 57:26) Considera que ha sido clave para su visibilidad. Al principio sólo contaba con los seguidores de Flickr, pero ya le sirvieron para atraerlos a su canal. A través de él, también le llegaron bastantes trabajos. Le comento que me parece un canal muy divertido, donde despliega toda su simpatía y alegría. Desirée nos explica que quería darle ese aire más liviano y divertido, no tan académico. Sobre su canal de Youtube (Minuto 1:04:04) Nos habla de “Los fundamentos de la fotogafía” de José María Mellado, como libro muy completo de fotografía. Y también los dos libros de Austin Kleon, “Roba como un artista” y “Muestra tu trabajo“,  de cara a sacar esa vena artística y conseguir unos buenos consejos si nos queremos tomar más en serio este medio respectivamente. Terminamos hablando de cómo todavía tiene publicado en Flickr su proyecto 365 para mostrar su evolución, a pesar de que sus primeras fotos sean eso, pruebas con una calidad más baja. Pero es algo estupendo, porque todos hemos tenido esa evolución. Desiree Delgado es una fotógrafa, pintora y artista digital, que con desparpajo y tesón, fue consiguiendo visibilidad y una obra llamativa. Hoy día es una conocida Youtuber, con un estupendo Canal de Youtube. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Desirée Delgado? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 141. Evolución y pasión con Desirée Delgado se publicó primero en the imagen.

Volvemos a la carga con un episodio de la sección “Efecto óptico”, una sección para hablar de historia de la fotografía, a través de imágenes míticas de los grandes maestros de la fotografía. En esta ocasión leo y analizo una fotografía mítica del gran maestro francés, Henri Cartier-Bresson. Más información e imágenes en el Blog: http://www.theimagen.com/efecto-optico-cartier-bresson/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre “blanco y negro”: http://www.theimagen.com/reto/36 Fotógrafo En el episodio 13 hace ya 2 años te hablé de este fotógrafo En esta ocasión profundizo más en su vida y en su forma de fotografiar. Un fotógrafo que nació 1908 en Francia y murió en 2004, también en Francia. Un fotógrafo que ha influenciado a todas las siguientes generaciones de fotógrafos sobre todo por haber desarrollado el concepto que llamó “el instante decisivo”. Explico cómo fueron sus inicios, más cercanos a la pintura y cómo una fotografía del fotógrafo húngaro Martin Munkacsi le hizo cambiar el chip. Con una reconocida trayectoria en el fotoperiodismo, en 1947, junto a otro fotógrafos, fundó la mítica Agencia Magnum. Siguió durante muchos años viajando y fotografiando, ampliando su reconocimiento internacional. Lo cierto es que la variedad de su vasta obra, ha inspirado y sigue haciéndolo a las siguientes generaciones de fotógrafos, de todas las disciplinas, entre ellos a grandes fotógrafos como Robert Frank, Diane Arbus o Lee Friedlander. El instante decisivo Si hay algo que impregna toda su obra es el desarrollo de este concepto, que va más allá de congelar una acción. Hablo de este concepto, que el gran profesor de fotografía Oscar Colorado desarrolló en un amplio artículo. Comento las variables tiempo, composición y tema, presentes en el “intante decisivo”. Te recomiendo este documental, dónde el propio Henri Cartier-Bresson habla de sus fotografías, de su forma de entender la fotografía y de otros estupendos compañeros (subtitulado en español): https://vimeo.com/137595371 Contexto Esta fotografía está realizada en 1932, comento la situación complicada que tenía el país que poco antes había empezado a sentir los efectos de la Gran Depresión de 1929. Eso hizo que los movimientos de corte fascista fueran cobrando más protagonismo en la política sa. Esa es la situación del país en el momento de la fotografía, un país algo estancado y donde se empezaban a vislumbrar ciertos enfrentamientos. Henri Cartier-Bresson llevaba poco tiempo con su nueva cámara Leica, pero ya tenía el ferviente deseo de dedicarse a capturar momentos únicos Fotografía Seguramente esta es una de las fotografías que Henri Cartier-Bresson más significativas de su “instante decisivo”. Realizo la lectura denotativa, describiendo sus cualidades visuales más evidentes, y realizo mi interpretación connotativa de esta imagen. Una interpretación que al conocer información del momento histórico, nos da nuevos matices e interpretaciones. Conclusión Estamos ante una fotografía mítica de la historia de la fotografía, una fotografía que aúna perfectamente el concepto del “instante decisivo” que tan maravillosamente supo plasmar este gran fotógrafo. Un fotógrafo, que además de recoger y documentar de forma magistral hechos históricos, supo plasmar su propia visión. Te animo a encontrar tu visión y seguir disfrutando y jugando con la fotografía Más información e imágenes en el Blog: http://www.theimagen.com/efecto-optico-cartier-bresson/ Agenda visual En esta ocasión en la agenda visual hablo de estos temas: La exposición World Press Photo 2018 llega a Madrid (vía Clavoardiendo Magazine) Tecnología de Adobe para animar imágenes fijas (vía Photolari) Comparativa Nikon Z7 vs Canon R (vía Photolari) Mundos en miniatura de Tatsuya Tanaka (vía Signo Editores) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conoces la obra de este maestro de la fotografía? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 140. Efecto óptico: Tras la Estación de San Lázaro, el momento decisivo de Cartier-Bresson se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos como invitado con Gus Geijo, un fotógrafo especializado en retrato, moda y belleza. Hablamos de su pasión por el retrato, y Gus nos da unos estupendos consejos sobre dirección de modelos, preparación de sesiones, equipo recomendado, etc. Su Web: https://www.gusgeijo.com/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre panorámicas: http://www.theimagen.com/reto/35 Sobre sus inicios en la fotografía (Minuto 5:08) Gus nos cuenta que comenzó a hacer fotos a todo, sin filtro. Que pasó por esa etapa de comprar y vender equipo, y tras pasar por algunas lagunas donde aparcó un poco la fotografía, llegó al retrato y ahí lo tuvo claro. Descubrió la magia de fotografiar a otras personas y que eso les transmitiese algo. ¿Cuándo tuviste claro que ibas a hacer de la fotografía una profesión? (Minuto 6:26) No es algo que tuviese previsto, lo hacía por mero placer, ya que Gus trabajaba en el sector publicitario. Pero haciendo retratos por afición, poco a poco se dio cuenta que ya dedicaba más tiempo a la fotografía que a su trabajo, por lo que decidió dar el salto. Experto en retrato, pero ¿practicas otras disciplinas? (Minuto 8:05) Nos cuenta que hace algo de fotografía de producto y arquitectura, son trabajos que hace puntualmente cuando tiene encargos de ese tipo. En ocasiones también ha hecho fotografía de paisaje, pero no es algo que le guste especialmente, no disfruta como el retrato. Cámara vs Visión fotográfica (Minuto 9:16) Gus nos explica que es una pregunta complicada, porque él prefiere una foto creativa con mala calidad por culpa de la cámara, que una foto técnicamente perfecta que no diga nada. Realmente cree que tiene que haber un equilibrio, entre creatividad y calidad técnica.  Pero que puestos a quedarse con uno de ellos, que prefiere tener un tiempo para inspirarse y tener creatividad, aunque sea con un equipo muy limitado, que tener un magnífico equipo y tener la cabeza vacía. Le comento que a veces la escasez de medios viene bien para fomentar nuestra creatividad y estar activos mentalmente. Gus explica que es un partidario de sacar partido al material que se tenga. Otra cosa es la dedicación profesional, que supone tener una redundancia de equipo, para estar preparado ante fallos. Sobre su ausencia de referentes (Minuto 12:32) Le he escuchado decir a Gus que no tiene referentes, le pregunto si eso significa que no está interesado por la obra de otros fotógrafos o más bien que nunca ha intentado copiar a otros. Nos aclara que le importa mucho la idea de no copiar a nadie, nos cuenta que cualquier idea que tenga, busca por Internet para ver si encuentra trabajos similares, para no hacer algo muy muy parecido. Gus nos cuenta que intenta distanciarse de las críticas muy aduladoras o críticas sin ningún sentido, y que eso le lleva a no seguir demasiado a otros fotógrafos. Lo que sí hace es ver muchas fotografías todos los días para tener esa inspiración, esas referencias visuales, pero que no suele seguir a fotógrafos concretos. El equipo mínimo para el retrato (Minuto 15:18) Le pregunto por el equipo mínimo para abordar el retrato con garantías. Gus cuenta que a sus alumnos les aconseja la cámara réflex más barata que encuentren y un objetivo 50 mm f/1.8. Es un material bastante básico, pero más que suficiente ¿Qué prefieres, trabajar con luz natural o artificial? (Minuto 16:28) Nos cuenta que no tiene preferencia por el tipo de luz, además necesita ir variando para no cansarse tanto. Realmente le encanta trabajar con luz natural, considera que es la mejor luz, pero que el flash le sirve de apoyo en muchas ocasiones. Nos dice que realmente quiere una luz natural bonita, apoyada por un flash. ¿Cuál es tu modificador de luz preferido? (Minuto 17:48) Gus nos explica que usa muchos modificadores de luz, pero que el que más le gusta es el paraguas opaco, para rebotar la luz en él.  Suele usar uno muy grande por la luz suave que da, sin centrar la luz en el centro. A Gus no le gusta modificar mucho la luz natural, busca que la luz artificial le de un toque no excesivamente visible. La distancia focal que más utiliza (Minuto 19:25) Nos explica que la distancia focal más habitual para él es 85 mm, aunque se puede adaptar al 50 mm. y el 135 mm. Le gusta estar cerca de los modelos, aunque eso implique mojarse en las fotos en el mar, para poder hablar y dirigir al/la modelo. ¿Qué buscas en tus retratos? (Minuto 20:52) Lo que busca es belleza, pero con algo más, le gusta que los retratos no sean fríos. Quiere ser fiel a la modelo que tiene delante, para que se reconozca y se guste en las mismas. La preparación de sus sesiones (Minuto 22:29) Nos explica que cuando son sesiones particulare, no trabajos para marcas, no suele qedar antes porque no suele tener mucho tiempo libre. Más que conocerla en persona, necesita tener algunos datos de su personalidad y su aspecto, es algo que averigua antes de quedar con ella. Nos explica que concreta todo lo posible el vestuario, el tipo de foto, etc., para no perder tiempo durante la sesión y aligerar la maleta de la modelo. Consejos para trabajar con modelos (Minuto 24:30) Lo primero es llevar la sesión bien preparada, darle indicaciones precisas, el tipo de peinado (conociendo si ese día es el apropiado por si hace viento, etc.), el estilo de ropa, etc. Segundo conocer a la modelo para saber qué le gusta y cómo podemos dirigirla. Y por último, comunicarse bien con la modelo. Caer en un exceso o deficiencia en la comunicación es un error. Nos explica Gus, que ante la falta de un portfolio, de una obra reconocida, este proceso de preparación previa puede crear un clima de confianza y profesionalidad, que lleve a buen puerto una sesión. ¿Cuál ha sido la sesión más difícil a la que te has enfrentado? (Minuto 28:05) Gus nos explica que no recuerda ninguna en concreto, que a veces si que se juntan varios factores que dificultan el buen desarrollo de una sesión. Las veces que más difícil lo ha tenido es porque hay ocasiones que un/a modelo ha llegado sin preparar o excesivamente cansado/a. También nos cuenta que en ocasiones en fotografía de recién nacidos, a pesar de preparar todo bien para que el bebé esté cómodo, cuando el bebé se cansa, también se complica mucho. Y por último, nos cuenta que hay otro tipo de situaciones, en fotografía de belleza, con ciertas personas que no son modelos profesionales, quieren salir muy muy guapas, cuando tienen un físico concreto, que quizás no se adapta a los cánones de belleza prefijados. Comentamos un poco sobre este tema, sobre la belleza que hay más allá de los estereotipos. A Gus le gusta un determinado tipo de belleza, con chicas más delgadas, y aunque hace otros tipos de fotos, suele publicar sólo de este tipo. Buen consejo: publica sólo las fotos por la que te gustan que te conozcan. ¿Y la más divertida? (Minuto 34:42) Gus procura que todas las sesiones sean divertidas. Le gusta mucho trabajar en el mar, con un mar vivo, y muchas de sus postbodas son en el agua donde suelen salir fotos Sobre sus cursos (Minuto 36:00) Dedica una parte de su trabajo a la formación, porque a pesar de ser muy autodidacta, le gusta realizar la formación que él no encontró en su día. También le llevó a crear cursos de formación, el hecho de estar mucho tiempo contestando preguntas, por lo que vio que tenía que monetizar eso de alguna forma. Hoy es ya un equipo de 5 personas dedicado a ello y han vendido miles de cursos para descargar. Su libro “La psicología del fotógrafo” (Minuto 42:34) Le pido a Gus que nos hable de su libro y Gus nos explica que en él cuenta su forma de trabajar. De ahí el título del libro, donde explica cómo manejar distintas situaciones con las personas retratadas. A los fotógrafos que tengan en mente dedicarse profesionalmente a la fotografía ¿qué consejo le darías? (Minuto 44:15) Lo primero que les diría es que elijan la disciplina que realmente les guste, es muy difícil conseguir buenos resultados si no te gusta lo que haces y después que no desistan, por mucho que escuchen voces en contra ¡Estupendo consejo para que nunca dejes de luchar por tus sueños! Gus Geijo es un fotógrafo bastante autodidacta, especializado en retrato, moda y belleza. Con una gran trayectoria, trabaja para grandes firmas comerciales, y ha retratado a grandes personalidades del deporte, la cultura, la música, etc. Su Web: https://www.gusgeijo.com/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Gus Geijo? ¿Qué te parece su trabajo? Déjame un comentario y hablamos  Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 139. Fotografía de retrato y belleza con Gus Geijo se publicó primero en the imagen.

Bueno, se ha hecho esperar, pero ¡comenzamos 3ª temporada del Podcast! Después de un verano movidito, por distintas cuestiones, arrancamos con más ganas si cabe, con un episodio dedicado a la lectura de fotografías, una cuestión que te aportará mucho a crear mejores fotografías Más información, imágenes y ejemplos en el Blog: http://www.theimagen.com/lectura-fotografica/ Y como siempre, te animo a participar en el reto fotográfico sobre panorámicas: http://www.theimagen.com/reto/35 Contenido Ya que con cada fotografía estás creando, déjame que te haga una pregunta, si quieres escribir un libro, ser escritor, ¿qué tendrías que hacer antes, aprender a leer o a escribir? Naturalmente, antes de aprender a escribir, debes aprender a leer. En este episodio quiero darte unas pautas que te ayuden en el proceso de lectura, para que de forma consciente puedas interpretar mejor las imágenes que ves. En el Podcast 60 sobre el lenguaje visual ya hablé de algunos aspectos que voy a comentar en este artículo, donde además propuse un ejercicio a partir de un texto, aquí puedes ver las fotografías resultado del ejercicio. ¿De qué va este episodio? Vamos a ver: Por qué aprender a leer fotografías ¿Qué leemos en una fotografía? Leer una imagen: ver y observar Proceso de lectura de una fotografía Lectura y niveles de iconicidad de una imagen Verdades y mentiras del lenguaje visual Fotografías buenas y malas: errores Interpretar las fotografías de los grandes maestros Por qué aprender a leer fotografías Hoy día las imágenes son imprescindibles para nuestra forma de comunicarnos, de aprender y analizar el mundo que nos rodea. Nuestro cerebro recuerda antes las imágenes que los textos. Por lo tanto, parece lógico que nos preocupemos por entender cómo se decodifican e interpretan imágenes. Comento que con ello vas a disfrutar más ampliamente de las fotografías que ves y ese aprendizaje aplicarlo en tus propias fotografías. Lectura, análisis y valoración de una imagen En este apartado aclaro la diferencia entre la lectura, el análisis y la valoración de una imagen, términos o conceptos relacionados que muchas veces se usan de forma similar. ¿Qué es una fotografía? Estamos tan habituados a las imágenes, que la lectura de las mismas parece trivial, pero no es así. Explico cómo una fotografía no es la realidad, si no una representación de la realidad. Y que en toda fotografía están al menos la mirada del fotógrafo y la del espectador. Para la correcta lectura de una imagen hablo del minuto de hora del profesor Óscar Colorado. Mi consejo es que es mejor ver menos imágenes, y leer/observar más. Proceso de lectura de una fotografía Comento los procesos de denotación y connotación, en la lectura de textos e imágenes. Es la primera etapa en la lectura es la denotación, es lo que vemos literalmente en una fotografía. Comento cómo en el episodio 135 hablé de la psicología Gestalt y sus leyes de la percepción visual, y comento cómo la mayoría de nosotros compartimos patrones de lectura. Algo que puedes aprovechar en tus imágenes. En esta segunda etapa de lectura interpretamos los elementos que vemos en la fotografía, las ideas asociadas sugeridas por la imagen, pero que no están denotadas de forma directa o explícita. Lectura y niveles de iconicidad de una imagen Comento cómo toda imagen puede tener 3 niveles de representación o iconocidad: el representacional, el abstracto y el simbólico. Explico estos niveles y comenta la lectura de la fotografía de Chema Madoz sobre el reloj y las vías del tren. Algunas lecturas Te remito al Blog donde hago el ejercicio de leer varias fotografías: http://www.theimagen.com/lectura-fotografica/ En el episodio sólo comento un retrato del pintor británico Francis Bacon, una la fotografía del fotógrafo Bill Brandt, también británico. Esta imagen nos sirve para hablar de los errores que se pueden encontrar en una imagen. Verdades y mentiras del lenguaje visual Aquí comento el trabajo “The Nursing Home” del fotógrafo estadounidense Jim Goldberg. Cómo sus capturas pueden llevarnos a una lectura errónea, y comento la imagen de dos ancianos abrazados ¿Puede un mensaje visual llevarnos a engaño? Claro de puede. Interpretar imágenes de los grandes maestros En ocasiones me llegan comentarios sobre la falta de comprensión de fotografías conocidas de los grandes maestros de la fotografía, o por qué son consideradas obras de arte. Explico cómo esto es debido a nuestra falta de cultura visual y comento por qué son consideradas obras de arte. Ahora, el debate fotografía y arte, puede dar mucho de sí y aunque hablo del tema ya trataremos esta cuestión en detalle en otro episodio. Termino aconsejando esforzarse por conocer el lenguaje visual para leer mejor las imágenes que vemos y crear mejores imágenes. ¿Lo vas a hacer? ¡Vamos! ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías estas etapas en la lectura fotográfica? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 138. Aprende a leer fotografías se publicó primero en the imagen.

Llegamos al final de la segunda temporada de este Podcast y lo hacemos con un episodio muy especial y personal. Un episodio donde hablo de la pasión que deberíamos tener por la fotografía y por la vida para obtener los mejores resultados. Te hablo de mi propia visión de la fotografía, de mis inicios, de mi pasión por los paisajes y por las personas. En resumen, en este episodio hablo de porque creo que la pasión puede ayudarte en la fotografía y a tener quizás una vida más plena, más consciente. Pasión y amor, creo que van unidos de la mano. ¡Felices fotografías! ¡Feliz verano! Nos escuchamos a la vuelta, si tu quieres Música Música descargada de Jamendo: Autor: Seastock – Canción: Inspiring Acoustic Ukulele Autor: Mattia Vlad Morleo – Canción: Turquoise Autor: Mattia Vlad Morleo – Canción: Like a_Dream Autor: Mattia Vlad Morleo – Canción: Imagine a Way Autor: Reman – Canción: Longtime Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. Ya sabes fotografía con pasión, por amor. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Fotografías con pasión? Déjame un comentario y cuéntame  Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 137. Fotografía con pasión, fotografía por amor se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Fran Nieto, un fotógrafo muy experimentado especializado en naturaleza y fotografía macro, autor del libro “El arte de la composición” (Editorial Fotoruta), y que hoy nos habla sobre este tema. Su Web: http://frannieto.es/ Anímate a participar en el reto fotográfico #35 sobre ríos: http://www.theimagen.com/reto/35 En la entrevista hablamos de: Percepción visual Lenguaje visual Reglas de composición Por dónde empezar en la composición Errores más habituales Consejos y ejercicio para fomentar la creatividad Vamos con la entrevista ¿Qué es la composición? (Minuto 4:47) Nos comenta Fran que explicarlo no es tan fácil, pero que generalmente siempre se hace referencia con este término con la colocación de los elementos la fotografía. Para él, la composición es la elección de los elementos y la relación entre ellos, para conseguir transmitir el mensaje de la forma más reforzada y sencilla posible. Sobre la percepción visual de las personas (Minuto 6:20) Fran nos explica que ha leído muchos libros sobre la temática y esos libros elaborar sus explicaciones a partir de ciertas normas o reglas y del trabajo previo de los pintores, basado en la prueba y error. Se basan en cuestiones que parece empíricas, que parece que funcionaban mejor, pero el ha tratado en su libro de dar un enfoque más científico. Explica cómo los recuerdos se basan mucho en imágenes. Aprovechando nuestras pautas perceptivas en la composición (Minuto 11:55) Nos cuenta que así lo cree, que gracias a esos patrones en la percepción podemos hacer creaciones que funcionen mejor. Y nos habla también de la importancia de la cultura colectiva de una sociedad en concreto. Le comento la cita de Susan Sontag que dice “En un cuadro siempre hay dos personas, el autor y el espectador“, Fran nos habla también del contexto. ¿Existe el lenguaje visual? (Minuto 16:45) Cree que esta visión proviene de las diferencias en la percepción que estamos comentando y también de una visión simplista, que no ven el aspecto artístico de la fotografía. Nos habla de los distintos niveles de lectura de una fotografía, y de porque considera que esa visión del lenguaje visual es simplista. Sobre la cultura visual (Minuto 18:56) Le pregunto a Fran si cree que falta cultura visual en nuestra formación desde niños. Cree que sí, que cuando somos muy pequeños si se utiliza la imagen para explicar los conceptos, pero que a partir de los 6-7 años, cuando un niño ya domina más o menos bien el lenguaje escrito, el sistema educativo se olvida de las imágenes. Nos vuelve a comentar que los recuerdos se basan en las imágenes. Nos habla de la importancia del álbum familiar y de guardar la memoria. El peligro de las reglas de composición (Minuto 25:39) Fran nos cuenta de que efectivamente estas supuestas “reglas” no son cosas inamovibles, si no que nos hablan de ciertas cuestiones sobre el equilibrio de los pesos visuales. Habla, por ejemplo, del origen de la “regla” de los tercios, como consejo cuando se extendió la fotografía a principios del siglo XX. Y también hablamos de la “regla” del horizonte. Comentamos sobre las creencias erróneas de estas “reglas” y cómo a veces nos viene bien tener alguna certeza, como en ciertas poses que parece que hay que seguir, que funcionan, que puede ser algo interesante al principio para tener unas pautas que le den alguna seguridad, pero que hay que superar eso lo antes posible. Nos alerta de la confusión entre la forma y contenido o mensaje, la fotografía no es sólo lo que muestras si no el mensaje detrás de una fotografía. Por dónde empezar en composición (Minuto 38:56) Le pregunto a Fran por dónde empezar para ir mejorando. Nos recomienda ver muchas fotografías, pero hacerlo analizando qué nos gusta y qué no. También nos habla de intentar aunar técnica con el mensaje para obtener el mejor resultado. Le comento el concepto de “el minuto de oro” que habla el profesor Oscar Colorado. El principal error de sus alumnos (Minuto 44:41) Cree que es no pensar bien lo que queremos mostrar, analizar la escena para ver qué es lo mejor puede funcionar para transmitir lo que queremos. Nos vuelve a comentar la necesidad de ser crítico no sólo con las fotografías de terceros, si no con las nuestra también. Las 3 cuestiones más importantes sobre composición (Minuto 51:05) Nos cuenta que depende de la imagen, pero nos habla del fondo, como algo muy importante que no le prestamos la atención necesaria. El segundo tema de ver cómo avanza la mirada por la imagen, y aquí la iluminación por ejemplo tiene un peso importante, ya que atrae mucho la atención. El tercer elemento del que nos habla es de cómo se reparten los pesos visuales en la imagen, por ejemplo con el uso del color. Ejercicios para fomentar la creatividad (Minuto 55:20) Nos explica que en sus cursos siempre combina teoría con práctica y que recomienda a sus alumnos ir a un sitio habitual, que conozcan, pero que busquen fotos distintas. Por ejemplo buscar elementos visuales, líneas, formas, etc. Ese esfuerzo por detectar visualmente elemento es algo que puedes aplicar después en tus fotografías. Terminamos hablando de la importancia de educar nuestra mirada para saber crear mejores fotografías. Puedes comprar su libro en su Web y llevártelo firmado : http://frannieto.es/libros/ Fran Nieto es un fotógrafo con mucha experiencia, especializado en fotografía de naturaleza y macrofotografía, puedes ver parte de su estupenda obra en su Web: http://frannieto.es/. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Fran Nieto? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 136. Composición fotográfica con Fran Nieto se publicó primero en the imagen.

¿Conoces la psicología Gestáltica? ¿Sabías que puede ayudarte a mejorar tus fotografías? Pues en este artículo hago un repaso a los principales principios sobre percepción visual de esta escuela, que a principios del siglo XX, estudió las características de la percepción humana. Más información en el Blog: http://www.theimagen.com/mejorar-fotografias-gestalt/ La percepción visual y la Gestalt La percepción visual es la capacidad de interpretar los estímulos visuales externo. En la misma interviene no sólo nuestro ojo, si no también nuestro cerebro. El cerebro es el encargado de transformar la información lumínica externa captada por el ojo y hacer una recreación de esa realidad. En la percepción visual intervienen aspectos como nuestra experiencia visual previa (nuestra cultura visual), nuestra individualidad, la sociedad en la que vivimos e incluso nuestro estado emocional. Vídeo de Canon sobre la distinta percepción según la cultura visual: https://www.youtube.com/watch?v=Ic3suBJDsVw A través de diversos estudios, la psicología de la Gestalt, consiguió descubrir una parte de estos patrones que seguimos la mayoría de las personas, desarrollando una serie de “leyes o principios de la percepción”. El principio básico sobre el que se asientan el resto de principios elaborados por la escuela Gestáltica, dice que: El todo es mayor que la suma de las partes. Principios de la Gesltalt En el episodio hablo de los principios más importantes de la escuela Gestáltica de cara a su aplicación en la fotografía. Comento los siguientes principios: Principio de la proximidad: Los elementos cercanos los relacionamos. Principio de la similitud o semejanza: asociamos elementos si se parecen por tu forma, color, etc. Principio de la completitud o cierre: tendemos a completar los elementos  y formas conocidas en el encuadre para entender mejor la imagen. Principio de la simplicidad: nuestro cerebro percibe todo en su forma más simple. Principio de la simetría: la simetría nos agrada y buscamos la relaciones simétricas para unir elementos. Principio de la continuidad: tendemos a intentar continuar los elementos conocidos más allá del encuadre. Principio de la figura y el fondo o de segregación: tendemos a separar al protagonista del contexto. Más información en el Blog: http://www.theimagen.com/mejorar-fotografias-gestalt/ Agenda visual Hoy en la agenda visual hablo de estos temas: El sistema de IA de Nvidia para reducir ruido (vía Albedo Media) Nueva Bridge Nikon Coolpix P1000 (vía DNG Photo Magazine) Comparativa Smartphone Huawei P20 PRO y réflex Canon 4000D (vía Photolari) Fotografías ganadoras del premio Traveller Photographer of the Year de National Geographic  (vía Photolari) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías estos principios de la Gestalt? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 135. ¿Sabes cómo mejorar tus fotografías con la psicología Gestáltica? se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Fernando Puche, un fotógrafo especializado en paisaje y naturaleza con mucha experiencia y una clara vocación didáctica. Fernando es todo un estudioso del medio y durante un buen rato hablamos de la búsqueda que hacemos como fotógrafos, más allá de cámaras, objetivos, etc. en busca de las fotografías que nos emocionan Su Web: http://www.fernandopuche.net/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre el color azul: http://www.theimagen.com/reto/33 Entrevista Sobre sus inicios (Minuto 4:50) Fernando nos cuenta que con 18 años su padre le regaló una cámara réflex Yashica FX3, desde ese momento ya le picó el gusanillo y poco a poco fue adquiriendo algo más de material, filtros, … Sobre su pasión por la fotografía (Minuto 5:51) Estuvo de pequeño en un grupo de exploradores y cree que ese pudo ser el motivo, por su carácter se dio cuenta que le gustaba estar perdido por la naturaleza. Sobre la importancia de la cámara (Minuto 6:29) Fernando es un fotógrafo que le da poca importancia a la cámara, la considera sólo una herramienta. Considera que al principio, cuando uno empieza, tiene mucho peso, pero que poco a poco eso va perdiendo importancia, cuando te das cuenta que la fotografía es una búsqueda. Nos explica que la fotografía es una forma de expresarte y comunicarte con los demás. La cámara la utiliza muy poco, lo que si suele es pensar mucho en fotografía. Al final, la fotografía le llevó de una búsqueda hacía fuera, a una búsqueda hacia dentro, de autoconocimiento. ¿Cuándo siente uno que tiene que evolucionar? (Minuto 10:35) Fernando cree que es una cuestión muy personal, a él le llegó cuando percibió que sus fotografías se repetían y empezaba a cansarle. Pero realmente, hasta que no llegue ese momento de cierto estancamiento, que no tiene ni por qué llegar, es difícil pasar de la preocupación por cámaras y objetivos. Le cuento a Fernando mi caso, y cómo cuando me di cuenta que después de tener un equipo más profesional, hacía el mismo tipo de fotografías. Charlamos un poco sobre la posibilidad de disfrutar de la fotografía y poder obtener buenas imágenes, sin tener que tener un equipo muy potente. Sobre tu equipo fotográfico nos aconseja rompernos la cabeza por aprovechar el que tenemos, de nada nos servirá cambiar de equipo si no nos entrujamos la cabeza. 3 elementos clave en la fotografía (Minuto 15:18) En su charla que comentaba de “Un año de fotografía”, Fernando hablaba de 3 factores importantes: pasión, descubrimiento y evolución. Le pregunto sobre ello. Naturalmente considera que se necesita pasión para poder estar años y años aprendiendo sobre el medio. Descubrimiento, por que la fotografía cree que no sólo te abre el mundo, si no que es un autodescubrimiento propio, algo bidireccional, del mundo y nuestro. Y evolución porque cree que a nadie le gusta estar haciendo las mismas fotografías toda su vida. Un proceso largo que exige implicación (Minuto 18:35) Nos dice que es un proceso que nunca se acaba, siempre se está aprendiendo, por lo que es un proceso que dura no sólo mientras tengas ganas de seguir fotografiando y si no se tiene esa implicación costará mucho seguir con esas ganas. Sobre los referentes en la fotografía (Minuto 19:48) Considera que todos tenemos referentes y la copia es algo normal al principio. Nos pone de ejemplo la música donde está mucho más asumido ese papel de la copia. Le apena un poco los fotógrafos que no reconocen esos referentes. Ver la obra de otros fotógrafos que nos llaman la atención por algo y aceptar su influencia considera que es bueno para saber de dónde vienen nuestros gustos. Comentamos sobre el valor de esos referentes, de cómo vamos cogiendo pedacitos de su forma de entender la fotografía y nos hace crecer. ¿Por qué nos da miedo la creatividad? (Minuto 23:48) Fernando nos cuenta que cuando llevas ya unos años haciendo fotos y más o menos estás a gusto con lo que haces, ya conoces los caminos hacia esas imágenes. Dar una vuelta de tuerca a lo que venías haciendo es algo que puede darnos inseguridad, es una especie de volver a empezar. Salir de esa “zona de confort” nos cuesta como fotógrafo. ¿Qué consejos das para fomentar la creatividad? (Minuto 26:48) Nos explica que la creatividad es algo que se puede entrenar. ¿Cómo desarrollamos la misma? Nos explica que una de las bases de la creatividad es la memoria, que es de dónde sacamos muchas ideas. Por lo que nos explica que lo que hay que intentar nutrir la memoria con cosas estimulantes. Se trata de “cambiar de dieta”, es decir, de hacer otras cosas distintas a las que venías haciendo si no te aportaban cosas interesantes desde el punto de vista creativo. Hablar o leer mucho sobre sensores, de cámaras, objetivos, te hará un experto en ello, pero no te aporta nada a la creatividad. Charlamos un poco de la importancia de cambiar de estímulos para fomentar la creatividad. Un fotógrafo debería ir más allá de las apariencias ¿Qué nos puede ayudar a ampliar nuestra mirada? (Minuto 30:47) Fernando nos explica cómo creatividad y confort son dos polos opuestos. Nos cuenta que es bueno no conformarse con hacer siempre el mismo tipo de fotos. Nos explica que cuando llega a un sitio no se pone a fotografiar, sino a mirar. Ya que son dos procesos muy distintos, si se fotografía sin pensar mucho sólo puedes elegir en la selección en casa, sin embargo, si pensamos más en la escena, nos podemos llevar otro tipo de imágenes. Nos habla del proceso se trata de ir averiguando qué te apetece fotografiar, cómo te gustaría recogerlo y por último dónde puedes conseguir ese tipo de fotografía. Evolución de viajar a pensar los lugares (Minuto 35:02) Considera que es algo muy personal, pero efectivamente un día él decidió que no saldría fuera de España a fotografiar, porque si no era capaz de fotografiar a su gusto lo cercano, no tenía sentido lo demás. Para él los viajes fotográficos fue una etapa que ya dejó atrás. Ahora sólo busca los lugares que ha pensado antes. Ejercicios para nuestro autodescubrimiento (Minuto 34:06) Lo más sencillo considera que es ver nuestras fotos y ver en ellas qué tipo de cosas estás fotografiando, a qué horas, en qué lugares. Nos recomienda seleccionar nuestras mejores fotos para ver esos patrones. Él se dio cuenta por ejemplo que hacía siempre fotos en las horas que generalmente más se recomendaban, al amanecer o al atardecer, algo que al final vio que no tenía por qué ser así. Esto nos lleva a hablar de los dogmas o las reglas que hay en fotografía, y aquí Fernando nos recomienda no atarnos y probar cosas distintas Comentamos que no se trata de hacer cosas distintas porque sí, sino como evolución a tu forma de ver y entender la fotografía. No se trata de inventar algo nuevo, si no de hacer un tipo de fotografía dónde te encuentres más cómodo, más a gusto. ¿Hay que ser originales en fotografía? (Minuto 43:02) Le pregunto sobre este tema en la fotografía, que a veces parece que tenemos que ser siempre originales si queremos ser buenos fotógrafos. Nos cuenta que en sus cursos de creatividad explica que no se trata de ser más creativo que nadie, si no más creativo que nosotros. En el momento que te apetecen otras cosas se trata de andar otros senderos, pero siempre evolucionando a partir de nosotros mismos. Comentamos la importancia siempre de disfrutar al máximo, si no nos cansaremos. Le comento a Fernando como ese autodescubrimiento puede ser enriquecedor. Nos explica que dicen que tenemos que vernos reflejados en nuestras fotos, que cada vez el porcentaje de copia sea menor y seamos más nosotros mismos. Principal error de sus alumnos (Minuto 46:35) Considera que quizás sea la falta de reflexión. Las herramientas nos dan un resultado más rápido y predecible, mientras que la reflexión es un ejercicio más complejo, más largo y menos predecible, por lo que nos cuesta más hacerlo. Le comento que realmente ese esfuerzo intelectual es el que podemos disfrutar. Comentamos que así es pero que efectivamente su resultado siempre es más a largo plazo y más duro. Las reflexiones no siempre te llevan a buen resultado, por eso a veces puede hacernos desesperar. Es un acto de fe creer en que llegaremos a esas buenas fotografías y tenemos que confiar en nosotros. Sobre sus libros (Minuto 51:17) Le comento que su libro “El Paisaje Interior” (2005) lleva un tiempo en mi lista de próximas lecturas y le pregunto por el que más recomienda desde el punto de vista didáctico. Y precisamente cree que es este libro es que mejor nos puede venir. También comentamos su libro “Diario de un fotógrafo amateur“, un libro que realizó a modo de diario durante 3 años, sobre sus vivencias de las fotografías. Fotógrafos referentes (Minuto 54:15) Nos explica que empezó con los fotógrafos paisajistas estadounidenses como Galen Rowell. Al principio intentó imitar sus tipos de fotos, los lugares, etc. Y por el camino ha ido viendo cómo desde otras disciplinas también han influido en su fotografía. ¿Algún libro recomendado? Nos habla de “El misterio de la cámara lúcida” de Serge Tisseron  y de “Una filosofía de la fotografía” de Vilem Flusser, como libros del tipo que comentaba para “cambiar de dieta”, para buscar otros horizontes. Libros de hablan de la vida, los sentimientos, etc. Terminamos hablando de sus cursos que si te interesan puedes ar con él desde su Web. Y Fernando nos aconseja paciencia y si buscamos ser creativos que comencemos a plantearnos otras cuestiones más allá del equipo Fernando Puche es un fotógrafo especializado en paisaje y naturaleza, un fotógrafo muy experimentado autor de 8 libros de fotografía. Web: http://www.fernandopuche.net/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Fernando Puche? ¿Qué opinas de este tema de las cámaras? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 134. Más allá de las cámaras con Fernando Puche se publicó primero en the imagen.

Ya iba tocando un episodio de preguntas y respuestas. En este caso van sobre el uso del flash. Un elemento de iluminación muy útil pero que a veces parece excesivamente complicado de manejar. Te animo a dejarme tu reseña en iTunes, si no sabes cómo hacerlo, aquí te dejo una mini guía: http://www.theimagen.com/resena-itunes Preguntas Antonio: Modos de disparo para usar el flash Una pregunta, me han dejado un flash de mano y cuando lo uso en mi cámara Canon 600D en el modo Av en bajas condiciones de luz, a veces el disparo es muy lento y no consigo que la luz del flash congele la escena. Es como si la cámara no tuviese en cuenta que tiene el flash puesto en ella. Si disparo en el modo manual de la cámara puedo elegir la velocidad de disparo, pero no quiero usar este modo porque no me resulta cómodo, además quiero usar el modo TTL del flash para no complicarme con mediciones. ¿Qué hago mal? Respuesta: Modos de disparo del flash: manual y TTL ¿Sabías que Weege cada disparo era una bombilla nueva? Fotógrafo ucraniano que que es conocido por sus fotografías en blanco y negro de Nueva York, documentó el ambiente callejero de Nueva York mediante sus desgarradoras fotografías en blanco y negro. Y otra fotógrafa que usó el flash para causar extrañeza es Diane Arbus Distintas tecnologías TTL: E-TTL (Canon) y TTL-LB (Nikon) Configuración en Canon del flash en Modo Av: Auto, 1/200 s. y entre 1/60 y 1/200 s. Lourdes: Las fotos con flash me salen quemadas Hola Braulio tengo una camara nikon D5300 mi problema fundamental es cómo ajustar la luz para sacar retratos con flash, saco fotos a mi hija en exteriores e interiores y no se si en automático o en retrato y con flash me queda muy iluminada, gracias. Respuesta: Revisar compensación del flash, si se usa en TTL. Si dispara el manual, revisar la potencia. Si quiere tener el máximo control, no viene mal saber manejar la cámara modo manual y flash en modo manual. Alberto: Uso de flash en eventos sociales Un amigo que se casa en julio y no iban a contratar a nadie para las fotos, porque andan justitos de dinero, y como me gusta el tema y creo que es una buena ocasión para practicar, me he ofrecido para hacerles algunas, aunque sin presión, lo que salga. Tengo un flash externo Neewer NW-565 EX, que lleva TTL, no lo he usado mucho pero creo que me podría venir bien. Ahora ¿en qué modo me recomiendas usarlo manual o TTL? ¿algún consejo extra? Muchas gracias Comento: Mis consejos: El flash rebotado siempre queda más natural, pero el problema es la Iglesia o sitios con techos altos Si no se puede rebotar, conviene usar un difusor: los flashes de mano suelen llevar un reflector extraíble (zoom) y una cartulina blanca, pero funciona mejor otro tipo de difusor. Disparo ¿TTL o manual? Como no mucho manejo para segurar mejor TTL, más rapidez del disparo. Cuidado baterías del flash: consejo subir ISO hasta el máximo sin que genere ruido, para que así el flash dispare a menos potencia ? Menos consumo y menor tiempo de reciclado. Consejo: Modo A o Av (pero fijando la velocidad de sincronización entre 1/60 y 1/200 s), ISO 1600 y modo TTL. Modo S o Tv (1/100 s), ISO 1600 y modo TTL. Usar los objetivos más luminosos que tenga. Por último le aconsejo ir si puede unos días antes para ver en el lugar la luz, hacer pruebas, etc. Pilas, baterías y tarjetas de repuesto. Disfrutar de la fiesta y no abusar de los trabajos gratuitos, sólo para un portfolio o cómo práctica. Javier: Uso de automatismos entre marcas Actualmente tengo un flash manual Yongnuo YN-560 II sin HSS, para mi Nikon D5300, que uso también en mi Sony A6000 sin espejo, y me va bien. Pero ahora quiero cambiar este flash por un Yongnuo YN-568EX II, que tiene HSS, para Nikon, mi pregunta es si funcionará el HSS también en mi Sony. Respuesta: os distintos entre las cámaras, central sirve para manual y el resto automatismos No se conservan automatismos entre marcas. En este artículo del Blog donde hablo de la alta velocidad de sincronía Ana: No me funciona el flash incorporado No le iba el flash integrado, no se accionaba y era porque tenía el protector de la zapata. Comento que es algo a tener en cuenta Agenda visual Lúa Ribeira, una nueva candidata a la Agencia Magnum (vía Clavoardiendo Magazine) Petición en Change.org para pedir a los fabricantes de cámaras que el histograma sea a partir del RAW (vía Albedomedia) Un padre captura el crecimiento de sus hijos montando un vídeo final (vía Cultura Inquieta) y trabajo de Nicholas Nixon (también vía Cultura Inquieta) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 133. Preguntas y respuestas sobre el uso del flash se publicó primero en the imagen.

Bueno, hoy te traigo un episodio con mis 10 citas fotográficas preferidas de grandes maestros de la fotografía. A través de estas citas nos acercamos un poco a la forma de ver y entender la fotografía de estos maestros. Más información y citas en el Blog: http://www.theimagen.com/mis-10-frases-preferidas/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre el color azul: http://www.theimagen.com/reto/33 Mis citas preferidas Estas son las citas que comento en el episodio, aunque también hablo de algunas más que puedes ver en el Blog: «No hay nada peor que la imagen nítida de un concepto difuso» – Ansel Adams «Odio las cámaras. Interfieren y siempre están en medio. Ojalá pudiera trabajar solo con mis ojos» – Richard Avedon «La cámara fotográfica es un instrumento que enseña a la gente cómo ver sin una cámara fotográfica» – Dorothea Lange «A través del ojo fotográfico se puede ver el mundo bajo una nueva luz; un mundo en su mayor parte inexplorado y desconocido; un mundo que aguarda ser descubierto y revelado» – Edward Weston «Mira fijamente. Es la manera de educar tu mirada, y más. Mira fijamente, fisgonea, escucha, escucha a escondidas. Muere sabiendo algo. No estás aquí por mucho tiempo.» – Walker Evans «Si pudiera decirlo con palabras, no iría todos los días cargado con mi cámara» – Lewis Hine «Una fotografía es un secreto sobre un secreto, cuanto más te cuenta menos sabes» – Diane Arbus «Ver no es suficiente, tienes que sentir lo que estás fotografiando» – André Kertesz «Siempre digo que quiero que mis fotografías susurren. Mientras que muchas fotografías gritan para llamar la atención» – Duane Michals «Pienso realmente que lo corriente es mucho más interesante de lo que la gente cree» – Martin Parr Extra a modo de resumen: «Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje» – Henri Cartier-Bresson Agenda visual Hoy en la agenda visual hablo de estos temas: Pa-ta-ta Festival de Granada (del 19 al 24 de junio) (vía Clavoardiendo Magazine) Nuevos objetivos Samyang 85mm f/1.4 para Canon y Nikon 500mm f/5.6 (vía Photolari) Nº Revista TRES SESENTA especial fotoperiodismo – Otros números (vía Ethic y gracias a Eva del Toro) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Te han gustado estas citas? ¿Cuales son tus preferidas? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 132. Mis 10 citas preferidas de grandes fotógrafos ¿las tuyas? se publicó primero en the imagen.

Hoy tenemos en el episodio a un fotógrafo invitado, un amante de la fauna y la naturaleza, especializado en este tipo de fotografía, que no es otro que Juan Calventus. Juan, además, ha sido el organizador de Fotogenio, uno de los Congresos de fotografía más importantes en España, durante sus ocho ediciones. Hablamos de la importancia un buen rato sobre fotografía de fauna y naturaleza y también sobre el Congreso que logró hacer crecer de una forma espectacular, por el que pasaron fotógrafos como: Sebastiao Salgado, Steve Mc Curry, Gervasio Sánchez, Cristina García Rodero, Chema Madoz, Alberto García Alix, José Benito Ruiz, Rosa Isabel Vázquez, José Antonio Fernández, Tino Soriano, Eugenio Recuenco,… la lista es muy muy larga. Puedes encontrar fotos suyas en: http://www.fotonatura.org/galerias/8615/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre “animales”: http://www.theimagen.com/reto/32/ Su pasión por la naturaleza (Minuto 6:10) Juan nos cuenta que su infancia fue en el entorno rural de sus padres y que ya de pequeño salía al campo y lo iba descubriendo, hasta que de joven ya se preocupó con el ecologismo. Salir al campo para él es algo obligado, que necesita. Su pasión por la fotografía (Minuto 8:15) Recuerda cómo de jovencito, con 10 u 11 años, viendo en la televisión con su padre, vio unas fotos de Sebastiao Salgado de su trabajo “Workers“, que le dejaron la marca de la fotografía, percibió que quería hacer eso. Y también los paisajes que tenía cerca, de costa, las minas de Mazarrón, etc. que le maravillaban y quería mostrar eso a los demás. Comentamos lo importante que es tener una intención clara cuando haces una fotografía. Juan nos comenta que en paisaje, cuanto más espectacular es el paisaje, más fácil es dispersarse, por eso considera bueno tener claro qué buscas y que lo dejes claro. Fotógrafo invitado de Rosa Isabel Vázquez y José Antonio Fernández (Minuto 12:19) Le comento sobre su colaboración en el libro de Fotoruta de estos estupendos fotógrafos y charlamos un poco sobre la amistad que mantiene con ellos desde el principio de Fotogenio y sobre la obra de estos grandes fotógrafos. Objetivos recomendados para fauna (Minuto 13:45) Pues aunque lo ideal es tener objetivos profesionales, él tiene un Sigma 150-600mm f/5-6.3 DG OS HSM y también suele usar un Canon 70-200mm f/2.8 IS. Pero nos recomienda no volvernos locos, que lo importante es buscar los buenos momentos de luz, etc. Consejos para fotografía de fauna (Minuto 15:51) Juan nos dice que es un tipo de fotografía que se pasa mucho frío, mucho sueño, jejeje, porque hay que llegar al sitio antes de que claree el sol, para mimetizarse pronto en el entorno. Cree que la fotografía de paisaje por ejemplo es mucho de momento, de esos momentos mágicos de la luz, como las horas mágicas. Pero al final se trata de hacer fotos y aprovechar la luz que haya en cada momento. Fotografiar lo cercano (Minuto 18:32) También comentamos que se puede fotografiar animales cercanos, sin tener que viajar lejos. Juan nos cuenta que ha tenido ocasión de viajar lejos a grandes destinos fotográficos, pero que se ha dado cuenta que en ninguno de esos sitios va a poder conseguir mejores fotos que los fotógrafos autóctonos. Esos fotógrafos están allí y pueden buscar los mejores momentos. Lo importante es buscar transmitir una sensación, un sentimiento y eso lo puede hacer con cosas cercanas, sea de fauna, paisaje, etc. “Hides” en la fotografía de fauna (Minuto 21:21) Le pregunto a Juan, por su recomendación para usar estos elementos para ocultarnos y pasar mimetizados en el entornos y poder fotografiar los animales sin ser vistos. Nos cuenta que hay varias opciones, él tiene 3 fijos en distintos lugares. Nos habla que esa es una opción y otra hacer uso de los servicios de empresas. Juan conoce la empresa “Photo Logistics” (http://www.photo-logistics.com/) que funciona bien. Y nos advierte de las empresas “no éticas” que alteran los hábitos de los animales para facilitar la fotografía, algo que considera no ético. Congresos de Fotografía y Fotogenio (Minuto 25:59) Comentamos sobre las cosas positivas que puede llevarse una persona que asiste a este tipo de eventos. Le pregunto por la dificultad de llevar a Fotogenio ponentes tan prestigiosos. Nos cuenta que cree pudo ser así en gran medida por el mimo que prestaban a cada ponente, que trataban como un invitado de honor con un “tutor”, un voluntario, que le acompañaba en todo momento. Eso hizo que los ponentes se encontrasen a gusto y poco a poco, pudo ir atrayendo a fotógrafos cada vez más reconocidos. ¿Con qué te quedas de Fotogenio? (Minuto 31:32) Juan nos cuenta que con muchas cosas, en lo personal y en lo fotográfico. Y nos explica cómo nació la idea del festival. En lo fotógráfico, se queda con la visión global que le ha dado de la fotografía. Considera que muchas veces los fotógrafos se especializan en una disciplina y parece que ya no existe nada más, cuando la fotografía es infinita. Y en lo personal, con el equipo humano que hacían posible el evento, los voluntarios, colaboraciones, etc. Nos advierte sobre “la burbuja” de Congresos que existe hoy en España, que algunos siguen un modelo comercial muy fuerte, y sin avisar de ello, además se cobra una entrada. La charla más emotiva de Fotogenio (Minuto 39:00) Le cuesta quedarse con una, pero nos habla de la primera charla que impartió el estupendo fotógrafo español Gervasio Sánchez, que dejó a la gente en silencio por la dureza y realismo de sus palabras. Nos habla de la charla muy dura de un fotógrafo estadounidense Ramfis Campiz,  de una ONG de Estados Unidos, les permite a los padres de niños nacidos muertos contar con fotografías hechas en tener por profesionales para ayudarlos a sobrellevar el duelo. También nos habla de la aparición de Steve McCurry en la sala donde había otra ponencia, del fotógrafo Clemente Jiménez, que fastidió en parte esa charla, algo que aprendieron que no se debía hacer. Y cómo no nos habla de una ponencia de Sebastiao Salgado en 2014, el último Fotogenio en el formato estándar. Una charla que cree que recordará durante toda su vida y que yo tuve la suerte de poder asistir también ¿Y la más divertida? (Minuto 43:45) Cuenta que hubo muchas entretenidas, que naturalmente todos los ponentes intentan hacer una charla amena, pero que si que usó al fotógrafo  de viajes vasco Gonzalo Azumendi. Este fotógrafo, psicólogo de profesión, aparte de fotógrafo, tiene una capacidad increíble para conectar con las personas, y hacer reír a todo el mundo. Afortunadamente hay otros,  ¿cuál o cuales de los que conoces nos recomendarías? (Minuto 46:48) Nos habla de las Jornadas fotográficas de Gijón (http://encuentrosfotograficosgijon.com/) Específicos de fotografía de naturaleza, cree que el año pasado estuvo en todos, por lo menos los más importantes, y se queda con las Jornadas de Fotografía Ornitológica del Delta del Ebro (Delta Birding Festival). Y de fotografía general, le gusta darse una vuelta cuando puede Photo España, naturalmente otro de los grandes Congresos de fotografía de nuestro país. Fotógrafos recomendados (Minuto 52:00) Nos habla del fotógrafo de naturaleza inglés Nick Brandt, porque cree que auna muy bien la fotografía de naturaleza con el arte. Del joven fotógrafo húngaro Bence Máté, un maestro de los “hides”, un grandísimo fotógrafo muy creativo. Y por último nos habla del fotógrafo francés Vincent Munier, que muestra muy bien a los animales en su medio. Libro recomendado (Minuto 54:25) Se considera un apasionado de los libros aunque mu El último que ha leído entero es “El paisaje interior“, del fotógrafo de paisaje Fernando Puche. También nos recomienda el libro que ya hemos comentado de Rosa Isabel Vázquez “El proyecto fotográfico personal“. Nos habla del libro “Captura digital y revelado de RAW“, del experto en la imagen Hugo Rodríguez. Y por último de un libro de obra de autor que lleva tiempo queriendo comprar, “Typologies of Industrial Buildings“, de Bernd y Hilla Becher, de la escuela de Düsseldorf. Foto artículo: Juan Calventus Juan Calventus es un apasionado de la naturaleza y la fotografía. Especializado en fotografía de fauna y naturaleza es el organizador del extinto Congreso de fotografía Fotogenio en Mazarrón (Murcia). Que sin duda fue uno de los mejores congresos de fotografía en España, por dónde pasaron los fotógrafos nacionales e internacionales de mayor prestigio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Juan Calventus? ¿Has visitado alguna vez Fotogenio? Pues déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 131. Fotografía de fauna y Fotogenio con Juan Calventus se publicó primero en the imagen.

Ya iba tocando un episodio de la sección “Efecto óptico”, la sección donde hablamos de una fotografía histórica. Más información, con las fotografías comentadas en el Blog: http://www.theimagen.com/el-hombre-del-tanque/ Esta imagen, fue finalista a un Premio Pulitzer en 1990, es la que más ha trascendido como el “hombre del tanque” y fue tomada por el fotógrafo estadounidense Jeff Widener. Te animo a participar en el reto fotográfico #32 sobre animales: http://www.theimagen.com/reto/32 Fotógrafo Aparte de Jeff Widener, para la agencia Associated Press (AP), otros 4 fotógrafos obtuvieron imágenes en ese momento, el también estadounidense Charlie Cole, para la revista Newsweek, el británico Stuart Franklin, de Magnum, para la revista Time, el fotógrafo Arthur Tsang Hin Wah, de Reuters,  y Terril Jones, que mantuvo su foto tomada a pie de calle oculta durante 20 años. En el episodio comento la trayectoria profesional de Jeff Wideners. También comento algo sobre las otras fotografías de aquellos hechos, imágenes que puedes ver en el Blog Contexto República Popular China hoy día, como entonces, es un Estado unipartidista gobernado por el Partido Comunista. Las protestas de la Plaza de Tiananmén, en 1989, también conocidas como la masacre de Tiananmén, fueron serie de manifestaciones lideradas por estudiantes en la República Popular China, que ocurrieron entre el 15 de abril y el 4 de junio de 1989. El acontecimiento que inició las protestas fue el fallecimiento de Hu Yaobang, un líder de la República Popular China, de carácter reformista. Las protestas empezaron como pequeños disturbios, pero pronto se extendieron. El 4 de mayo, aproximadamente 100 000 estudiantes y obreros marcharon en Pekín pidiendo reformas para la libertad de expresión y un diálogo formal entre las autoridades y los representantes de los estudiantes. En el episodio explico cómo el gobierno Comunista aplastó las manifestaciones de forma brutal, provocando la muerte de más de 3000 civiles. Un episodio a día de hoy, todavía tabú en China, y que el Partido Comunista Chino ha tratado de borrar. Fotografía La fotografía fue tomada el 5 de junio de 1989, el día posterior a la matanza de la plaza de Tiananmen, en Pekín. Un joven desarmado se enfrenta a una hilera de tanques del Ejército Popular de Liberación. Solo, vestido con una camisa blanca y un pantalón oscuro, con unas bolsas en cada mano. Comento la fotografía desde el punto de vista visual y las curiosidades de la toma fotográfica. Más información, con las fotografías comentadas en el Blog: http://www.theimagen.com/el-hombre-del-tanque/ Agenda visual Hoy en la agenda visual hablo de estos temas: Nueva versión de la cámara Sony RX100 VI (vía Photolari) y la cámara de Hasselblad de 400 MP (vía Photolari) Manifiesto a favor de la presencia de las fotógrafas en el medio (vía Clavoardiendo Magazine) Foto comentada del adiós de Mariano Rajoy por Dani Gago (vía Photolari) Interesante exposición de EFTI, modos de mirar (vía Albedo Media) Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Estás de acuerdo con mi análisis? ¿no? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 130. Análisis de una fotografía: El hombre del tanque se publicó primero en the imagen.

En este episodio contamos con Eugenio Recuenco, uno de los fotógrafos españoles con mayor reconocimiento Internacional, especializado en fotografía de moda, publicitaria y editorial. En una interesante conversación hablamos de su obra, sus experiencias profesionales, sobre la narrativa en la fotografía, la creatividad, su visión de la fotografía, dirección de modelos, etc. Espero que te guste Puedes encontrar una buena muestra de su trabajo en su Web: https://www.eugeniorecuenco.com/ Te animo a participar en el reto fotográfico sobre “cielos”: http://www.theimagen.com/reto/31 Presentación (Minuto 3:31) Eugenio Recuenco es un fotógrafo español, que trabaja en los campos de la fotografía de moda, editorial y en la publicidad. Su estilo es considerado como muy cinematográfico y pictórico, donde el surrealismo y la fantasía tienen especial protagonismo. Considerado uno de los fotógrafos más grandes y creativos fotógrafos del mundo, trabaja para las firmas prestigiosas de moda, perfumes o joyas, como Loewe, Carolina Herrera, Louis Vuitton, Chanel, por ejemplo. Sobre sus estudios de Bellas Artes (Minuto 7:29) Nos cuenta que su hermana empezó antes que él estos estudios y aunque era un buen estudiante y seguramente le hubiese ido bien por otros estudios, sus padres le dieron libertad. La fotografía como búsquedas (Minuto 8:01) Cuando comenzó sus estudios optó por la pintura, dentro de las opciones que tenía, pero estaba experimentando, buscando con qué medio expresarse. Y desde pequeñito nos cuenta que le gustaba la fotografía, y que hacía pruebas de mezclar fotografía y pintura. No fue premeditado ser fotógrafo ni algo frustrado no ser pintor, lo considera parte de su búsqueda. Sus inicios en la fotografía de moda (Minuto 9:26) Le pregunto por su marcha a París y por su apuesta por la fotografía de moda. Cuenta que le costó mucho aprender y por ello los considera duros. Pero fueron años muy buenos, porque al no tener presión, se permitió experimentar cosas distintas. En aquellos momentos comenzaba a despuntar la fotografía de moda en España, pero no quería quedarse sólo con lo que había en nuestro país. La juventud e ilusión de los momentos fue algo El calendario Lavazza en 2007 (Minuto 12:03) Este trabajo le hizo más visible, y para él fue algo grandioso, hacer un trabajo que ya habían hecho fotógrafos tan consagrados como  Helmut Newton, Ellen von Unwerth,  Jean-Baptiste Mondino, etc. Pero que realmente a nivel de España no supuso mucho cambio. Llegar tan joven a trabajos tan grandes, cree que la ilusión y las ganas suplió todo lo demás Escenas que cuentan historias (Minuto 13:56) Le comento por este tema y por una de sus fotografías de 2013 “El principito”,  para la Asociación de Editores de Madrid, que me hizo adentrarme en su universo creativo. Aquí puedes verla: http://www.theimagen.com/recuenco-el-principito Nos habla de que realmente esta fotografía le mostró muchas cosas sobre la narrativa, sobre cómo contar una historia en la ausencia de tiempo que supone una imagen fija. Explica cómo aunque estaba todo el decorado listo, un problema de luz entre el fondo y el primer plano, y que con una ventana les ayudó a solventar este problema, pero que fue más que eso, que este pequeño cambio planteó cuestiones sobre el tiempo y el espacio. La narrativa debe estar por encima del decorado, si no la historia no cuadra. Y comenta la importancia de dejar abierta esa narrativa, para interrogar más al espectador. Y nos habla de algo muy interesante, la importancia de la mirada del personaje para completar la imagen, que te explica la acción o te habla del personaje. La intención en la fotografía (Minuto 19:30) Le pregunto por este tema que he leído en alguna ocasión, sobre la necesidad de que haya una intención para que se co Que claro, que no todo el mundo. Nos habla que nuestro encuadre tiene que ser más interesante que la realidad. Cree que se suele buscar una imagen bonita, pero que el bonito tiene menos recorrido, que si metemos una narrativa, si contamos algo la imagen puede ser más amplia. Imágenes con concepto (Minuto 21:14) Le pregunto por esa búsqueda del “concepto”, como un paso adicional. Nos explica que por ejemplo uno puede narrar un conflicto armado, y reflejar los hechos, pero un paso adicional sería contar eso desde tu visión, desde tu perspectiva, Consejos para despertar la creatividad (Minuto 24:05) Nos explica que cree que cree que hay un fallo de concepto, realmente uno no es creativo para hacer fotografías. Se es o no creativo en todo, y parte de cuestionarse todo, partiendo del conocimiento de nuestro entorno y jugar con ello. Y en cuanto a la fotografía comentamos que es bueno fotografiar con libertad, lo que nos guste y probar muchas cosas. Bloqueos en la creatividad (Minuto 23:42) Para Eugenio no es cansado buscar esa la creatividad necesaria para su trabajo, es el lado divertido. Lo que le cansa es tenerle que dar sentido a la creatividad, convencer muchas veces a los clientes de sus ideas. Nos explica que no se cansa o atasca, porque siempre él y su equipo tienen muchos proyectos abiertos, y siempre hay ideas para alguno de ellos. Y otras veces ideas de un proyecto les sirve para otro. Y le comento sobre sus fuentes de inspiración y nos cuenta que él no suele inspirarse en la fotografía. La fotografía la disfruta, pero no la considera un punto de partida, si no que le sirve para sugerir historias que luego va complementando con música, literatura, etc. ¿Está en la fotografía todo inventado? (Minuto 31:12) Nos cuenta que depende del sentido de la fotografía, si es para uno mismo, eres tú mismo el que tienes que descubrir tu propia forma de expresarte, nadie lo puede hacer por ti. Pero que a nivel de trabajos para clientes que ya hay tanto que es cierto que a veces cuesta encontrar esas formas distintas de expresarse. Trabajos personales vs comerciales (Minuto 32:51) Nos explica que los clientes que le han dejado más libertad es cuando más sentido de la responsabilidad ha tenido. Y justamente lo contrario, que aquellos que más trabas le han puesto más le han educado el ingenio. Muchos trabajos personales considera que pueden ser proyectos personales fallidos, que no han visto la luz. Como reto intentan lograr una transformación en la imagen de sus clientes cuando pasan por su trabajo, pero que se perciba ese cambio en el cliente, no como una simple continuación de su propia fotografía. ¿Son los medios una excusa? (Minuto 35:43) Considera que es una excusa muy grande. Y nos habla de una fotografía para su trabajo 365º que han realizado con un teléfono móvil. Considera que cree siempre han tenido la misma escasez, porque tengan los medios que tengas, siempre los exprimen al máximo. Al final nos explica que se trata de adecuar lo que quieres transmitir a los medios que tienes Un fotógrafo en color (Minuto 38:54) Aunque tienes algunas imágenes en ByN, eres un creador en color, además con un color generalmente en tonos menos saturados, bastante característico. Le gusta ver la relación de los colores, algo que cree que le viene de la pintura, pero le interesa esa relación de sentimientos a través de los colores. Su equipo: el “ojo de frosker” (Minuto 40:39) Nos cuenta que el equipo es fundamental, que se necesita de personas que te apoyen, sobre todo cuando tienes que crear escenas tan complicadas. Si todo está al 100%, todo está al 100%, si falla un estilismo, un maquillaje, algo de la luz, ya hace que el resultado no sea el mismo. Además, si ve un fallo, ya es incapaz de ver otra cosa. Da instrucciones, delega y luego revisa todo. Pero es receptivo a las propuestas de los distintos profesionales del equipo, y al final considera que la imagen la crea todo el equipo. ¡Eso es un buen jefe! Dirección de los modelos (Minuto 45:33) Le pregunto a Eugenio si en la dirección de modelos también suele dejar esa libertad de la que hablaba a la hora de trabajar con su equipo o da instrucciones más concretas. Nos cuenta en este caso si que depende más del tipo de proyecto. Nos habla por ejemplo de que en su Proyecto 365º buscaba algo muy concreto y las modelos las movía casi como modelos. Sin embargo, en otros trabajos que busca un estilo más cinematográfico, más dinamismo o acción, si que busca ese movimiento más natural de los modelos. Su proyecto 365º (Minuto 47:42) En 2013 publicó su libro Revue, que reúne a través de más de 200 imágenes, y es una estupenda muestra de tu trabajo comercial. Un libro que puedes conseguir a día de hoy a un precio estupendo: https://amzn.to/2xbDBcK Le comento que su Proyecto 365º, me recordó un poco al trabajo de la esquina de Irving Penn. Nos cuenta que esa esquina está en su trabajo y mucho más sobre sus vivencias en la vida. No es un libro autobiográfico, si no más bien de su forma de ver el mundo, hay una parte real y otra de su imaginario. Nos explica que sin embargo, su libro Revue fue el germen de este trabajo. Cuando publicó el libro y se expuso, se dio cuenta que el trabajo 365º que estaba incipiente, tenía que ser su siguiente gran trabajo, ya con obra personal. En noviembre de este año presenta este gran trabajo se presenta en el Centro CEART de Fuenlabrada (Madrid) Nos cuenta sobre el trabajo en sí, la La Creatividad está en posicionarse sobre algo desde tu propia perspectiva. Sobre su trabajo en vídeo (Minuto 56:31) Le pregunto por la diferencia fundamental que notó cuando comenzó a hacer trabajos en vídeo. Comentamos su primer trabajo en 2008 para la firma de perfumes Nina Ricci. Y recuerda con cariño aquel trabajo en el que desconocía el medio, pero que tenía el apoyo creativo y el equipo para poder hacer realidad su propia visión. Nos explica su experiencia con aquel primer y relevante trabajo. Y cree que esa apuesta del cliente por su visión le dio seguridad y saliese bien aquel trabajo. ¿Cuando un largometraje? (Minuto 1:00:15) Le pregunto por el guión que nos comentaba sobre el largometraje. Nos cuenta que es un proyecto algo posterior al de 365º y que avanza paralelamente. Un proyecto que aunque avanza lento, tiene mucha ilusión en él. Próximos cursos (Minuto 1:01:34) Nos cuenta que suele hacer un par de cursos al año,  uno con Workshop Experience y otro con la escuela EFTI que comienza muy pronto. No suele dedicar más tiempo a la formación porque no le quedaría tiempo para trabajar en su obra personal y sus trabajos y prefiere no estancarse contando lo que ha hecho. Fotógrafos referentes y libro recomendado (Minuto 1:02:25) Nos explica Eugenio que es poco mitómano, que le gustan muchos fotógrafos pero tampoco los considera como referentes. Si nos recomienda el libro “Los apartados“, de su amigo Fernando Maroto. Un libro que le evoca muchas imágenes sin necesidad de contar detalles de las escenas y personajes. Eugenio Recuenco es un estupendo fotógrafo español, especializado en fotografía de moda, publicidad y fotografía editorial. Un fotógrafo muy creativo, que ha trabajado para marcas muy prestigiosas. Se dice de él que es un fotógrafo muy cinematográfico y pictórico, y en su obra suele estar muy presente la fantasía y el surrealismo. Web: https://www.eugeniorecuenco.com/ ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Conocías a Eugenio Recuenco? Déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta este episodio, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 129. El universo creativo de Eugenio Recuenco se publicó primero en the imagen.

En este episodio quiero hablarte de varios problemas que pueden estar afectándote como fotógrafo, sobre todo si estás en las primeras etapas de la fotografía. Y ¡ta ta ta chán! Redoble de tambores, jejeje, ya está listo el primer curso online que he preparado y sobre el que te he ido pidiendo opinión para que realmente sea un curso sea lo mejor posible, que te permita avanzar y pasar del enredo del manejo de la cámara a crear estupendas fotografías. Este curso “De 0 a Fotógrafo Creativo“, será un curso muy muy especial, y si estás empezando y tienes dificultades para dominar bien tu cámara y comenzar a crear estupendas fotografías es un curso que sin duda, puede ayudarte Pero es un curso que va más allá del manejo de la cámara, ya que con explicaciones claras y sencillas quiero despertar la creatividad y emprender buen rumbo en el aprendizaje fotográfico. Mañana 18 de mayo se abrirán las inscripciones, por si te interesa Te animo a participar en el reto fotográfico sobre “cielos”: http://www.theimagen.com/reto/31 Contenido En el episodio hablo de varios problemas con el manejo de la cámara que te pueden estar frenando a la hora de dominar la cámara y obtener buenas imágenes. Como son: Creer que el manejo de la cámara es excesivamente complejo. Es posible que veas que la cámara tiene muchos botoncitos, ruletas, mandos, etc. Pero lo importante es bastante sencillo. Creer que no tienes tiempo para la fotografía. Y es cierto que tenemos poco tiempo, pero si practicas con intención, puedes seguir avanzando. No te consideras buen fotógrafo o piensas que no eres creativo. Otro problema que cree padecer muchas personas. El problema no es que no seas creativo, el problema es que no la estimulas, que está dormida. Practica con intención y deja volar tu creatividad. Creer que con disparar ya está todo hecho. Cuando si no revelas y/o procesas tus imágenes y tampoco publicas o imprimes tus fotografías no estarás disfrutando al máximo de la fotografía. Querer avanzar, pero no dar ningún paso para hacerlo. Si te sientes estancado tendrás que cambiar algo ¿no? ¡Actúa! El riesgo es que si no enfocas bien tus esfuerzos es que te estanques y que finalmente puedas abandonar la fotografía. Si no pasas de los problemas inicial del manejo de la cámara y disparas fundamentalmente en automático, es fácil que no obtengas fotografías que registren bien eso que te ha llamado la atención. Si no obtienes las fotografías que te gustan, te fallará la confianza en tus posibilidades y eso es un error, porque claro que puedes obtener estupendas fotografías si fomentas un poco tu creatividad Pero si estás en esta situación y no avanzas, puede que cada vez te de más pereza coger la cámara. Es el momento de ver qué te puede estar pasando, de averiguar qué puede estar fallando y ¡actúar! No dejes morir una afición que puede depararte muchas alegrías porque la hayas enfocado mal, las buenas fotografías te esperan Agenda visual Hoy en la agenda visual hablo de estos temas: Carta abierta de los fotoperiodistas a la ciudadanía (vía Clavoardiendo Magazine) Festival de fotografía analógica Revela-T hasta el 27 de mayo (vía Albedo Media) Nuevos objetivos Yongnuo YN 50 mm f/1,8 II y YN 60 mm f/2 MF, (Vía Albedo Media) Festival PhotoGraphic Parets 2018 en Barcelona, donde imparte una charla de José Mercado. Espero que te haya gustado y te haya parecido interesante el contenido del episodio. ¿Qué te ha parecido el episodio? ¿Crees que estás un poco atascado? Cuéntame, déjame un comentario y cuéntame Y si además te gusta el mismo, te estaré muy agradecido si me dejas una valoración y reseña en iTunes o tu comentario en iVoox, y si decides compartirlo en las redes sociales, así llegará a más gente ¡Muchas gracias! La entrada 128. No te estanques en la fotografía y primer curso online se publicó primero en the imagen.