Historias de Arte en Podcast 2g4c3j

Esta vez les contamos la historia de Mary Cassatt. La artista nació en una época en la que las mujeres no tenían a los mismos lugares que los hombres. Ella no podía entrar tras bambalinas en la ópera para pintar a las bailarinas, como tantas veces lo hizo su amigo el pintor Edgar Degas. También hubiera sido muy mal visto que siendo una señorita de alta sociedad, retratara actrices y prostitutas como lo hizo Tolousse-Lautrec. Lo que sí podía hacer y lo hizo de un modo maravilloso fue representar al universo de las mujeres que hasta ese momento no había sido considerado ni interesante, ni digno de ser representado por medio del arte. Así que fue Cassatt, junto con otras artistas de su época quienes mostraron  el trabajo, cariño y paciencia de las madres de su tiempo y de todos los tiempos.  Bibliografía del episodio: Art Institute of Chicago. “The Child’s Bath.” [Internet]. Accesible en https://www.artic.edu/artworks/111442/the-child-s-bath [28 de abril, 2021]. Bochicchio, Sarah. (2017). Artsy. “Mary Cassatt Painted Domestic Life in a Way Male Impressionists Couldn’t.” [Internet]. Accesible en https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-mary-cassatt-painted-domestic-life-way-male-impressionists [27 de abril, 2021]. Borromeo, Linda (2018). “Mary Cassatt and the Vanishing Mural.” [Internet]. Accesible en https://www.lindaborromeo.com/post/2018/02/01/mary-cassatt-and-the-vanishing-mural [27 de abril, 2021]. Chernick, Karen. (2017). Artsy. “How Mary Cassatt’s Brother Introduced French Impressionism to Americans.”[Internet]. Accesible en  https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-mary-cassatts-brother-introduced-french-impressionism-americans [28 de abril, 2021]. Google Arts & Culture. “10 Things You Might Not Know About Mary Cassatt.” [Internet]. Accesible en https://artsandculture.google.com/story/10-things-you-might-not-know-about-mary-cassatt/1wJSL2AtXwWJJA [27 de abril, 2021].  Madsen, Annelise K.(2020).The Art Institute of Chicago. “Cassatt’s Modern Vision of the Everyday: The Child’s Bath.” [Internet]. Accesible en https://www.artic.edu/articles/818/cassatts-modern-vision-of-the-everyday-2 [30 de abril, 2021]. National Gallery of Art, Washington, D.C. (n.d) Mary Cassatt — Selected Paintings. [Internet]. Accesible en https://www.nga.gov/features/slideshows/mary-cassatt-selected-paintings.html?view=grid [26 de abril, 2021].  Paton, Kathleen (2020). “Mary Cassatt at The Met. The work of the celebrated American-born Impressionist offers multiple themes to explore.” [Internet]. Accesible en https://www.metstoreblog.org/mary-cassatt-at-the-met/ [ 28 de abril, 2021]. Pollock, Griselda. (2018). Frieze. “The Overlooked Radicalism of Impressionist Mary Cassatt”. [Internet]. Accesible en https://www.frieze.com/article/overlooked-radicalism-impressionist-mary-cassatt [26 de abril, 2021]. White, Margie. (2014). American Girls Art Club In Paris. . . and Beyond. “Mary Cassatt Chicago Mural.” [Internet]. Acces

Sus brochazos vibran y sus colores bailan sobre la superficie. Cuando era niño no mostró interés por la pintura y no estudió arte más que por unos meses. De adulto, trató de ser marchante de arte, maestro, pastor evangélico y predicador laico. Empezó a pintar con 27 años y murió a los 37. Durante una carrera muy corta que duró solo una década, el artista produjo alrededor de 2,000 obras, entre ellas algunas de las pinturas más queridas de la historia, y también pintó por lo menos 35 autorretratos, en ellos vemos su cabello rojizo y sus ojos azules, tristes e intensos.\r\nVincent Willem Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en el pueblo de Zundert en Holanda. Fue hijo y nieto de ministros Protestantes y el mayor de 6 hermanos. A los 11 años lo mandaron como interno al colegio donde a pesar de esforzarse mucho, no fue buen alumno. Dejó la escuela a los 15 y empezó a trabajar sin éxito en diferentes oficios hasta que decidió viajar a la región minera del Borinage en Bélgica.\r\n \r\nLa que se considera su primera obra maestra es Comedores de Patatas, que representa a una familia sentada a la mesa en un cuarto mal iluminado. Sobre la mesa vemos las papas cocidas y el café que son su humilde comida del día. Es una representación de la vida dura de los mineros. Los colores de la pintura, negros, grises y marrones son los colores de la tierra que cubría todas las superficies de la aldea. Vincent se dedicó a los mineros y a sus familias, durmió con ellos en el piso, compartió sus comidas y les regaló lo poco que tenía. A pesar de esto, no le renovaron el contrato y una vez mas se quedó sin trabajo. \r\n\r\nDespués de estar una temporada en Bruselas y otra en casa de sus padres, finalmente en 1887, a los 34 años se mudó a Paris donde vivía su hermano Theo, quien era cuatro años menor que Vincent, de trato fácil y personalidad amable, su hermano menor era todo lo que él nunca fue. Theo había sido siempre un buen estudiante y trabajaba como director de una galería de arte.  Fue él quien al ver que Vincent había fracasado en todo lo que había tratado de hacer, le sugirió que se dedicara a la pintura, y también fue él quien se convirtió en el incansable apoyo emocional y económico de su hermano mayor por el resto de su vida. \r\n\r\n\r\nBibliografía del episodio:\r\nMuseum of Modern Art, N.Y. (2019). Publication excerpt from MoMA Highlights: 375 Works from The Museum of Modern Art, New York.  [Internet] Accesible en https://www.moma.org/collection/works/79802 [10 de abril, 2021].\r\nShinn-Morris,Léoni (2018). “10 cosas que quizá nos sepas sobre Vincent Van Gogh.” Google Arts and Culture. [Internet] Accesible en https://artsandculture.google.com/story/10-cosas-que-quiz%C3%A1-no-sepas-sobre-vincent-van-gogh/agLStrYjblBRKA?hl=es [11 de abril, 2021].\r\nVan Gogh Museum, Amsterdam. [Internet]. https://www.vangoghmuseum.nl/en. [fechas varias durante marzo y abril, 2021].\r\nVan Gogh Museum, Amsterdam, and the Huygens Institute (Royal Netherlands Academy of Arts and Sciences), The Hague. (2009). “ Theo van Gogh to Vincent van Gogh. Paris, Friday, 31 January 1890.” Van Gogh Letters Project. [Internet] Accesible en http://www.vangoghletters.org/vg/letters/let847/letter.html. [15 de abril, 2021].\r\nZelazko, Alicja. (2020). “The Starry Night.” Encyclopedia Britannica. [Internet] Accessible en https://www.britannica.com/topic/The-Starry-Night [30 de marzo, 2021]\r\n\r\n\r\n

No sabemos siquiera quién es pero como que nos embruja y no la podemos dejar de ver. Y es que es tan bonita. Con sus ojos claros y labios apenas separados como si quisiera decir algo. Con un turbante de tela amarilla y azul y en la oreja izquierda, una enorme perla. \r\nEsta historia se la dedicamos a la Joven de la Perla, la pintura de Jan Vermeer. \r\nVermeer pintó La Joven de la Perla alrededor de 1665 al óleo sobre un lienzo de 45.5 x 39 cm. De acuerdo con el museo donde se encuentra esta pintura, el Royal Picture Gallery Maurits huis en La Haya, Holanda, la obra no es un retrato particular sino un tronie o cabeza que  es como se llaman las representaciones de los diferentes tipos de personajes.  Por ejemplo, el guapo, la vieja, o en el caso de esta pintura:  “la joven exótica” que lleva un turbante en la cabeza y sobre todo una perla exageradamente grande en la oreja.  Las jóvenes holandesas de su época no se vestían de ese modo; el turbante y la perla nos refieren a lugares lejanos. \r\nLa ciudad de Delft, en los tiempos de Vermeer era una ciudad rica, por donde pasaban las mercancías que los barcos holandeses traían desde el este y el oeste; y donde además se producían artículos tan variados como cerveza, telas finas, y por supuesto su cerámica pintada. La famosa cerámica de Delft, pintada en sus característico azul todavía se vende y sigue siendo muy conocida. \r\n\r\nBibliografia \r\nCascone, Sarah. (2020). Art News: Art World. “The ‘Girl With the Pearl Earring’ Originally Had Eyelashes, Researchers Discover in a Series of New Revelations About Vermeer’s Masterpiece.” [Internet] Accesible en https://news.artnet.com/art-world/girl-with-the-pearl-earring-eyelashes-1847367 [22 de marzo de 2021]\r\nJanson, Jonathan. (2002-2021). [Internet] Accesible en http://www.essentialvermeer.com/ [21 de marzo de 2021]\r\nMauritshuis. “Girl with a Pearl Earring.” [Internet] Accesible en https://www.mauritshuis.nl/en/explore/the-collection/artworks/girl-with-a-pearl-earring-670/detailgegevens/ [14 de marzo de 2021]\r\nRijksmuseum. “The Milkmaid.” [Internet] Accesible en http://hdl.handle.net/10934/RM0001.COLLECT.6417 [13 de marzo de 2021]\r\nThe Frick Collection. “Johannes Vermeer.” [Internet] Accesible en https://www.frick.org/art/artists/vermeer [13 de marzo de 2021]\r\nThe Frick Collection. “Vermeer, Rembrandt, and Hals: Masterpieces of Dutch Painting from the Mauritshuis.” [Internet] Accesible en https://www.frick.org/exhibitions/past/2013/mauritshuis [13 de marzo de 20]\r\nVandervire, Abbie. “Girl with a Blog.” (2018) [Internet] Accesible en https://www.mauritshuis.nl/en/explore/restoration-and-research/girl-with-a-blog/ [21 de marzo de 2021]\r\n(NA) “Vermeers Palette.” [Internet] Accesible en http://www.girl-with-a-pearl-earring.info/palette.htm [8 de marzo de 2021]\r\n\r\n\r\n

No sabemos siquiera quién es pero como que nos embruja y no la podemos dejar de ver. Y es que es tan bonita! Con sus ojos claros y labios apenas separados como si quisiera decir algo. Con un turbante de tela amarilla y azul y en la oreja izquierda, una enorme perla.  Esta historia se la dedicamos a La Joven de la Perla, la pintura de Jan Vermeer.  Vermeer pintó La Joven de la Perla alrededor de 1665, al óleo sobre un lienzo de 45.5 x 39 cm. De acuerdo con el museo donde se encuentra, el Royal Picture Gallery Mauritshuis en La Haya, Holanda, la obra no es un retrato particular sino un tronie o cabeza que  es como se llaman las representaciones de los diferentes tipos de personajes.  Por ejemplo el guapo, la vieja, o en el caso de esta pintura 'la joven exótica' que lleva un turbante en la cabeza y sobre todo una perla exageradamente grande en la oreja.  Las jóvenes holandesas de su época no se vestían de ese modo; el turbante y la perla nos refieren a lugares lejanos.  Bibliografía del episodio: Cascone, Sarah. (2020). Art News: Art World. “The ‘Girl With the Pearl Earring’ Originally Had Eyelashes, Researchers Discover in a Series of New Revelations About Vermeer’s Masterpiece.” [Internet] Accesible en https://news.artnet.com/art-world/girl-with-the-pearl-earring-eyelashes-1847367 [22 de marzo de 2021] Howard, Helen. (2002-2021). “Vermeer’s palette”. The National Gallery. [Internet] Accesible enhttps://www.nationalgallery.org.uk/research/about-research/the-meaning-of-making/vermeer-and-technique/vermeers-palette [21 de marzo de 2021] Janson, Jonathan. (2002-2021). [Internet] Accesible en http://www.essentialvermeer.com/ [21 de marzo de 2021] Mauritshuis. “Girl with a Pearl Earring.” [Internet] Accesible en https://www.mauritshuis.nl/en/explore/the-collection/artworks/girl-with-a-pearl-earring-670/detailgegevens/ [14 de marzo de 2021] Rijksmuseum. “The Milkmaid.” [Internet] Accesible en http://hdl.handle.net/10934/RM0001.COLLECT.6417 [13 de marzo de 2021] The Frick Collection. “Johannes Vermeer.” [Internet] Accesible en https://www.frick.org/art/artists/vermeer [13 de marzo de 2021] The Frick Collection. “Vermeer, Rembrandt, and Hals: Masterpieces of Dutch Painting from the Mauritshuis.” [Internet] Accesible  en https://www.frick.org/exhibitions/past/2013/mauritshuis [13 de marzo de 20] Vandivere, Abbie. “Girl with a Blog.” (2018) [Internet] Accesible en https://www.mauritshuis.nl/en/explore/restoration-and-research/girl-with-a-blog/ [21 de marzo de 2021] Wheelock Jr., Arthur K. . Vermeer the Complete Works. New York: Harry N. Abrams, 1997

Pablo Picasso produjo 58 pinturas en las que la analizó, la recreó y la reinterpretó. \r\nEl artista contemporáneo Manolo Valdez le rinde homenaje con sus figuras de bronce y resina a gran escala y Salvador Dalí dijo alguna vez que si el Museo del Prado se incendiara lo único que a él le interesaría rescatar seria el aire que se contiene en su interior ya que, en sus propias palabras dijo: “ es el aire de mejor calidad que existe.”\r\nMe refiero a Las Meninas de Velazquez … nuestra historia de HOY!\r\nProbablemente todos hemos visto “Meninas” pintadas, esculpidas y grabadas, cocidas en telas, moldeadas en cerámica o chocolate. Se venden como artículos promocionales en llaveros y tacitas de café y están estampadas en camisetas por todas las tiendas turísticas en España. Hoy son elementos de moda para fotografías en redes sociales, decoración de vitrinas, parques y jardines.  \r\nPues si todas ellas hacen referencia al famosísimo cuadro que el español Diego Velazquez pintó en 1656 y que hoy hace parte de la colección de mi museo favorito, El Museo Nacional del Prado en Madrid. \r\nAntes de hablar de esta obra … una aclaración! La pintura de “Las Meninas” no siempre fue conocida con este nombre. Cómo es la historia?\r\n\r\n\r\n

Frida Kahlo. La Frida Kahlo.  Qué podemos decir acerca de una artista que es ya tan conocida?  Lo primero es contarles que en vida ella no era ni la mitad de conocida de lo que era su marido, el gran muralista Diego Rivera. Cuando ella murió en 1954, sus pinturas eran prácticamente  desconocidas fuera de México. El verdadero interés por su obra empezó en los años 70 cuando con el fin de dar a conocer artistas mujeres, se publicaron los primeros dos libros acerca de su vida y obra.  En 1977 se subastó por primera vez, fuera de México, una de sus pinturas, esta fue “Arbol de la Esperanza, mantente firme”.  Un año más tarde, en 1978, se organizaron sus dos primeras exposiciones retrospectivas: una en el Palacio Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México y otra en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. En 1982, otra exposición viajó por diferentes partes del mundo, y ese mismo año la historiadora de arte Hayden Herrera publicó “Frida: una Biografía de Frida Kahlo”. Este libro fue considerado uno de los más vendidos a nivel internacional y sirvió de base para la película “Frida” del 2002, actuada y producida por Salma Hayek. Síganos en las redes sociales, donde pueden ver y apreciar en detalle las obras de arte de esta y todas nuestras historias. Instagram @historiasdearte.enpodcast Facebook Historias de Arte en Podcast Twitter @HistoriasdeArt1 Bibliografía Herrera, Hayden. (1997). Frida Kahlo: Las Pinturas. México, D. F.: Editorial Diana. Las dos Fridas, cuadro de Frida Kahlo, cumple 80 años con presentación en el Museo de Arte Moderno. (2019). [Internet]. Ciudad de México: INBAL (Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura). Disponible en <https://inba.gob.mx/prensa/13178/las-dos-fridas-cuadro-de-frida-kahlo-cumple-80-anos-con-presentacion-en-el-museo-de-arte-moderno-exhibe> [18 de febrero de 2021]. Sherwin, Skye. (2018). Anatomy of an Artwork Frida Kahlo. [Internet]. U.S. edition: The Guardian. Disponible en <https://www.theguardian.com/artanddesign/2018/aug/31/frida-kahlo-self-portrait-on-the-border> [17 de febrero de 2021]. Tibol, Raquel. (1999). Escrituras de Frida Kahlo. (3a ed. 2004). México, D.F.: Plaza y Janés. The Diary of Frida Kahlo. (1995). N.Y.: Harry N. Abrams. 

Frida Kahlo. La Frida Kahlo.  Qué podemos decir acerca de una artista que es ya tan conocida?  Lo primero es contarles que en vida ella no era ni la mitad de conocida de lo que era su marido, el gran muralista Diego Rivera. Cuando ella murió en 1954, sus pinturas eran prácticamente  desconocidas fuera de México. El verdadero interés por su obra empezó en los años 70 cuando con el fin de dar a conocer artistas mujeres, se publicaron los primeros dos libros acerca de su vida y obra.  En 1977 se subastó por primera vez, fuera de México, una de sus pinturas, esta fue “Arbol de la esperanza, mantente firme”.  Un año más tarde, en 1978, se organizaron sus dos primeras exposiciones retrospectivas: una en el Palacio Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México y otra en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. En 1982, otra exposición viajó por diferentes partes del mundo, y ese mismo año la historiadora de arte Hayden Herrera publicó “Frida: una Biografía de Frida Kahlo”.  Este libro fue considerado uno de los más vendidos a nivel internacional y sirvió de base para la película “Frida” del 2002, actuada y producida por Salma Hayek. Síganos en las redes sociales y visiten nuestro sitio web HTTP://HISTORIASDEARTE.COM donde pueden ver y apreciar en detalle las obras de arte de esta y todas nuestras historias. Instagram @historiasdearte.enpodcast Facebook Historias de Arte en Podcast Twitter @HistoriasdeArt1 Bibliografía Herrera, Hayden. (1997). Frida Kahlo: Las Pinturas. México, D. F.: Editorial Diana. Las dos Fridas, cuadro de Frida Kahlo, cumple 80 años con presentación en el Museo de Arte Moderno. (2019). [Internet]. Ciudad de México: INBAL (Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura). Disponible en <https://inba.gob.mx/prensa/13178/las-dos-fridas-cuadro-de-frida-kahlo-cumple-80-anos-con-presentacion-en-el-museo-de-arte-moderno-exhibe> [18 de febrero de 2021]. Sherwin, Skye. (2018). Anatomy of an Artwork Frida Kahlo. [Internet]. U.S. edition: The Guardian. Disponible en <https://www.theguardian.com/artanddesign/2018/aug/31/frida-kahlo-self-portrait-on-the-border> [17 de febrero de 2021]. Tibol, Raquel. (1999). Escrituras de Frida Kahlo. (3a ed. 2004). México, D.F.: Plaza y Janés. The Diary of Frida Kahlo. (1995). N.Y.: Harry N. Abrams. 

Bienvenidos una vez más a Historias de Arte en Podcast. Presentamos nuestra segunda con mucho orgullo.  Esta temporada es un reto para nosotras, porque además de producir estos interesantes episodios, queremos mantenerlos a ustedes, nuestra audiencia, igual o más entretenida que nunca, queremos que sigan aprendiendo y repasando y que además nos hagan comentarios y recomendaciones sobre algún tema que les gustaría escuchar, algún artista en especial o alguna pintura que les guste de la cual hayan oido hablar?  Déjenos saber, los escuchamos. Acuérdense que en las plataformas donde nos escuchan y en redes sociales, pueden hacer comentarios, utilicen este medio, porque, además de comunicarse con nosotras, ayudan a la comunidad a encontrarnos  fácilmente, y a que cada vez seamos más las personas interesadas en la historia del arte.  Bienvenidos Síganos  en redes sociales, donde pueden ver y apreciar en detalle las obras de arte de cada historia.  Instagram: @historiasdearte.enpodcast Facebook: Historias de Arte en Podcast Twitter: @HistoriasdeArt1

Una de las obras de arte mas polémicas e influyentes del siglo 20, UN ORINAL Para dejarlo bien claro: orinal o mingitorio es un objeto de porcelana que se encuentra en los baños públicos de los hombres.  Así que en otras palabras: hoy les contamos la historia de cómo un objeto sanitario de lo más popular, corriente y hasta ofensivo, transformo  la historia del arte.  Esto sucedió en 1917 y el responsable fue Marcel Duchamp. Un artista y ajedrecista francés y naturalizado norte americano, genial e irreverente que se adelanto varias décadas a un movimiento artístico muy controvertido que nació en los años 60  y que hoy conocemos como arte conceptual. El arte conceptual es cuando, la idea, el sentimiento y la intención del artista van por encima de las cualidades estéticas del resultado final, es decir el concepto, el propósito del artista, prima sobre la obra.  La fama de Duchamp comenzó específicamente durante Febrero y Marzo de 1913, cuando en Nueva York  tuvo lugar la Exposición Internacional de Arte Moderno, mejor conocida como The Armory Show.  Nota Importante: Todas las imágenes de las pinturas y artistas de las que hablamos en nuestros episodios, están disponibles para que las aprecien en nuestras cuentas de Instagram @historiasdearte.enpodcast y Facebook: Historias de Arte en Podcast Síganos y disfrútelas.  Bibliografia https://historia-arte.com/artistas/marcel-duchamp https://press.philamuseum.org/marcel-duchamp-and-the-fountain-scandal/ https://www.philamuseum.org/collections/permanent/51449.html?mulR=30208|10 Conversion de $324 en 1913 a $8,500 en 2020: https://www.usinflationcalculator.com/

Una de las obras de arte más polémicas e influyentes del Siglo XX, UN ORINAL.  Para dejarlo bien claro: orinal o mingitorio es un objeto de porcelana que se encuentra en los baños públicos de los hombres.  En otras palabras: hoy les contamos la historia de cómo un objeto sanitario de lo más popular, corriente y hasta ofensivo, transformó  la historia del arte.  Esto sucedió en 1917 y el responsable fue Marcel Duchamp. Un artista y ajedrecista francés y naturalizado norte americano, genial e irreverente que se adelantó varias décadas a un movimiento artístico muy controvertido que nació en los años 60  y que hoy conocemos como Arte Conceptual. El arte conceptual es cuando, la idea, el sentimiento y la intención del artista van por encima de las cualidades estéticas del resultado final, es decir el concepto, el propósito del artista, prima sobre la obra.  La fama de Duchamp comenzó específicamente durante Febrero y Marzo de 1913, cuando en Nueva York  tuvo lugar la Exposición Internacional de Arte Moderno, mejor conocida como The Armory Show.  Nota Importante:  Todas las imágenes de las obras y los artistas de los que hablamos en nuestros episodios, están disponibles para que las aprecien en nuestras cuentas de Instagram @historiasdearte.enpodcast, Facebook: Historias de Arte en Podcast, Twitter; @historiasdeArt1 ¡Síganos y disfrútenlas! Bibliografía Mundy, Jennifer. (2015-revision). Howarth, Sophie. (2000). "Marcel Duchamp. Fountain 1917, replica 1964." [Internet]. London: Tate Modern. Disponible en https://www.tate.org.uk/art/artworks/duchamp-fountain-t07573 [15 de Diciembre, 2020]. [Internet] https://historia-arte.com/artistas/marcel-duchamp  [15 de Diciembre, 2020]. [Internet] https://press.philamuseum.org/marcel-duchamp-and-the-fountain-scandal/  [15 de Diciembre, 2020]. [Internet] https://www.philamuseum.org/collections/permanent/51449.html?mulR=30208|10  [15 de Diciembre, 2020]. [Internet] https://www.usinflationcalculator.com/ (Para la conversión de $324 en 1913 a $8,500 en 2020). ( el 15 de diciembre de 2020).

La Mona Lisa, Pintada por Leonardo Da Vinci entre 1503 y 1506 y desde hace muchos años en la colección del Museo de Louvre en Paris, es sin duda la obra de arte más famosa del mundo. Pero….. Quién era esta misteriosa mujer?  Y qué hay detrás de su enigmática sonrisa? Saben que Leonardo nunca la entregó quien se la encargo? Cómo y cuándo es que llegó a Francia? Cuántas personas la visitan cada año en el Louvre? Qué pasó cuando se la robaron? Será de verdad la mejor pintura de la historia? Hoy les contaremos TODO acerca de ella. La visitan en promedio 1,500 personas al día, durante un verano recibe hasta 800000 personas y en 2019 la vieron 9.6 millones de personas. Se estima que el 80% de los visitantes, van principalmente porque quieren verla A ELLA. Bibliografia The lives of the Artists, a new translation by Julia Conaway Bondanella and Peter Bondanella. Oxford World's Classics  -KEMP Martin, Leonardo Da Vinci : the marvelous Works of Nature and Man, Cambridge Mass. : Harvard University Press, 1981. - MARANI Pietro C., Léonard de Vinci: the Complete Paintings, Harry N. Abrams, Inc. NY, 2000. -ISAACSON Walter, Leonardo Da VInci, Simon & Schuster, NY, 2017. -VASARI Giorgio, The Lives of the Artists, Oxford University Press, 2008. -https://en.wikipedia.org/wiki/Mona_Lisa -https://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/mona-lisa-portrait-lisa-gherardini-wife-sco-del-giocondo

Por un lado, un artista con ideología comunista. Por el otro, uno de los hombres más ricos del mundo: el capitalismo hecho persona. En el medio, una obra de arte y el drama artístico más sonado de la primera mitad del siglo XX. Hoy les contamos la fascinante historia de Diego Rivera y el mural del Centro Rockefeller. Era la década de 1930 y el mundo, en especial Estados Unidos, estaba sumergido en la mayor depresión económica de nuestra historia reciente. Esta crisis estuvo marcada por un baja significativa en la producción industrial, desempleo masivo y quiebra del sector financiero. Todo esto creó lo peor: pánico general. Datos interesantes: En Estados Unidos el mercado bursátil, es decir los movimientos de la bolsa de valores, perdieron casi el 90% de su valor entre 1929 y 1933.  Alrededor de 11,000 bancos se fueron a la quiebra, dejando a muchos sin ningún ahorro.  En 1929, el nivel de desempleo estaba en el 3% y en 1933 llegó al 25%. Es decir uno de cada cuatro trabajadores perdió su empleo. El ingreso familiar promedio bajó en un 40% y miles de personas se quedaron sin vivienda. Alrededor de 300,000 empresas cerraron por quiebra. Al mismo tiempo, en la década de los 30 se construyeron los rascacielos más emblemáticos de Manhattan. El edificio Chrysler que se terminó en 1930, era con sus 77 pisos el más alto del mundo, hasta que el Empire State lo pasó con 102 pisos en menos de un año. Otro de los grandes proyectos de la época fue el Centro Rockefeller, construido por John D. Rockefeller, Jr. Para el vestíbulo del edifico principal de este complejo, se le encargó un mural a Diego Rivera: el artista del momento y muy controvertido por su afiliación a las ideas comunistas. Bibliografía Herner de Larrea, Irene. (1999). Diego Rivera&apos;s mural at the Rockefeller Center.  Mexico City: Edicupes. Museum of Modern Art. "Diego Rivera: Murals for The Museum of Modern Art. (Exhibition: Nov 13, 2011–May 14, 2012) [Internet]. New York, NY https://www.moma.org/calendar/exhibitions/1152?locale=en [12 de octubre de 2020]. New York Almanack. "1930s Gotham Rising: New York Skyscrapers". (November 5, 2016) [Internet]. https://www.newyorkalmanack.com/2016/11/1930s-gotham-rising-new-york-skyscrapers/ [10 de octubre de 2020]. Pliego Quijano, Susana. El Hombre en la Encrucijada: el mural de Diego Rivera en el Centro Rockefeller en [Internet]. https://www.academia.edu/3712218/El_hombre_en_la_encrucijada_el_mural_de_Diego_Rivera_en_el_Centro_Rockefeller [7 de octubre de 2020]. Smith, Clara (compositora e interprete). "Deep Blue Sea Blues". [Internet]. Openmusicarchive.org [10 de octubre de 2020]. Whitney Museum of American art. Vida americana: Los muralistas mexicanos rehacen el arte estadounidense, 1925–1945  [Internet].  New York, NY. [8 de octubre de 2020]. Whitney Museum of American art. [Internet]. New York, NY. https://whitney.org/exhibitions/vida-americana [8 de octubre de 2020]. La exhibición del Whitney Museum of American Art "Vida Americana: Los muralistas mexicanos rehacen el arte estadounidense, 1925–1945", terminó el 31 de enero de 2021 (no en agosto) como mencionamos en el episodio. 

Por un lado, un artista con ideología comunista. Por el otro, uno de los hombres más ricos del mundo: el capitalismo hecho persona. En el medio, una obra de arte y el drama artístico más sonado de la primera mitad del siglo XX. Hoy les contamos la fascinante historia de Diego Rivera y el mural del Centro Rockefeller. Era la década de 1930 y el mundo, en especial Estados Unidos, estaba sumergido en la mayor depresión económica de nuestra historia reciente. Esta crisis estuvo marcada por un baja significativa en la producción industrial, desempleo masivo y quiebra del sector financiero. Todo esto creó lo peor: pánico general. Datos interesantes: En Estados Unidos el mercado bursátil, es decir los movimientos de la bolsa de valores, perdieron casi el 90% de su valor entre 1929 y 1933.  Alrededor de 11,000 bancos se fueron a la quiebra, dejando a muchos sin ningún ahorro.  En 1929, el nivel de desempleo estaba en el 3% y en 1933 llegó al 25%. Es decir uno de cada cuatro trabajadores perdió su empleo. El ingreso familiar promedio bajó en un 40% y miles de personas se quedaron sin vivienda. Alrededor de 300,000 empresas cerraron por quiebra. Al mismo tiempo, en la década de los 30 se construyeron los rascacielos más emblemáticos de Manhattan. El edificio Chrysler que se terminó en 1930, era con sus 77 pisos el más alto del mundo, hasta que el Empire State lo pasó con 102 pisos en menos de un año. Otro de los grandes proyectos de la época fue el Centro Rockefeller, construido por John D. Rockefeller, Jr. Para el vestíbulo del edifico principal de este complejo, se le encargó un mural a Diego Rivera: el artista del momento y muy controvertido por su afiliación a las ideas comunistas. Bibliografía Herner de Larrea, Irene. (1999). Diego Rivera&apos;s mural at the Rockefeller Center.  Mexico City: Edicupes. Museum of Modern Art. "Diego Rivera: Murals for The Museum of Modern Art. (Exhibition: Nov 13, 2011–May 14, 2012) [Internet]. New York, NY https://www.moma.org/calendar/exhibitions/1152?locale=en [12 de octubre de 2020]. New York Almanack. "1930s Gotham Rising: New York Skyscrapers". (November 5, 2016) [Internet]. https://www.newyorkalmanack.com/2016/11/1930s-gotham-rising-new-york-skyscrapers/ [10 de octubre de 2020]. Pliego Quijano, Susana. El Hombre en la Encrucijada: el mural de Diego Rivera en el Centro Rockefeller en [Internet]. https://www.academia.edu/3712218/El_hombre_en_la_encrucijada_el_mural_de_Diego_Rivera_en_el_Centro_Rockefeller [7 de octubre de 2020]. Smith, Clara (compositora e interprete). "Deep Blue Sea Blues". [Internet]. Openmusicarchive.org [10 de octubre de 2020]. Whitney Museum of American art. Vida americana: Los muralistas mexicanos rehacen el arte estadounidense, 1925–1945  [Internet].  New York, NY. [8 de octubre de 2020]. Whitney Museum of American art. [Internet]. New York, NY. https://whitney.org/exhibitions/vida-americana [8 de octubre de 2020]. La exhibición del Whitney Museum of American Art "Vida Americana: Los muralistas mexicanos rehacen el arte estadounidense, 1925–1945", terminó el 31 de enero de 2021 (no en agosto) como mencionamos en el episodio. 

Por un lado un artista con ideología comunista, por el otro uno de los hombres más ricos del mundo: El capitalismo hecho persona,  en el medio, una obra de arte y el drama artístico más sonado de la primera mitad del siglo 20.  Hoy les contamos la fascinante historia de Diego Rivera y el mural del Centro Rockefeller. Era la década de 1930 y el mundo, en especial Estados Unidos, estaba sumergidoen la mayor depresión económica de nuestra historia reciente. Esta crisis, estuvo marcada por un baja significativa en la producción industrial, desempleo masivo y quiebra del sector financiero todo esto creo lo peor: Pánico general. Datos interesantes: En Estados Unidos el mercado bursátil, es decir los movimientos de la bolsa de valores perdieron casi el 90% de su valor entre 1929 y 1933.  Alrededor de 11000 bancos fueron a la quiebra, dejando a muchos sin ningún ahorro.  En 1929 el nivel de desempleo estaba en el 3% y en 1933 llegó al 25%. Es decir 1 de cada 4 trabajadores perdió su trabajo. El Ingreso familiar promedio bajo en un 40% y miles de personas se quedaron sin vivienda Alrededor de 300,000 empresas cerraron por quiebra Y al mismo tiempo, la década de los 30s es cuando se construyeron los rascacielos mas emblemáticos de Manhattan. El edificio Chrysler que se completo en 1930, fue con sus 77 pisos el más alto del mundo, hasta que el Empire State lo paso con 102 pisos menos de un año después.  Otro de los grandes proyectos de la época es el Centro Rockefeller construido por John D. Rockefeller, Jr. Fue para el vestíbulo del edifico principal de este complejo que se le encargo un mural a Diego Rivera: el artista del momento, y muy controvertido por su afiliación a las ideas comunistas. BIBLIOGRAFIA "Deep Blue Sea Blues," escrita y cantada por Clara Smith, y bajada de "Openmusicarchive.org" 1. Pliego Quijano, Susana El Hombre en la Encrucijada: el mural de Diego Rivera en el Centro Rockefeller en https://www.academia.edu/3712218/El_hombre_en_la_encrucijada_el_mural_de_Diego_Rivera_en_el_Centro_Rockefeller accessed Oct. 7, 2020 2. Vida americana: Los muralistas mexicanos rehacen el arte estadounidense, 1925–1945 Whitney Museum of American art - 17 de febrero al 17 mayo de 2020. https://whitney.org/exhibitions/vida-americana accessed Oct. 8, 2020  3.  New York almanack, 1930s Gotham Rising: New York Skyscrapers, November 5, 2016 https://www.newyorkalmanack.com/2016/11/1930s-gotham-rising-new-york-skyscrapers/ accessed Oct. 10, 2020  4. Diego Rivera: Murals for The Museum of Modern Art Nov 13, 2011–May 14, 2012 MoMA https://www.moma.org/calendar/exhibitions/1152?locale=en accessed Oct. 12, 2020 5. Herner de Larrea, Irene Diego Rivera's mural at the Rockefeller Center.  Edicupes, Mexico City, 1999.    

Dentro de los artistas del Renacimiento se destacan solamente 4 cuatro mujeres. A lo largo de la historia, la mayoría de las  artistas mujeres fueron hijas de pintores quienes las instruyeron en la carrera de Bellas Artes. Históricamente, eran excepcionales las mujeres a las  que se les permitía desarrollar sus habilidades artísticas y mucho menos una carrera de profesión.  Una de estas mujeres excepcionales fue Sofonisba Anguissola. Sofonisba nació en 1530 o 1532 (no se sabe bien) en Cremona, una ciudad en el norte de Italia bajo dominio de la corona Española, en esa época.  Su padre, Amilcare Anguissola, miembro de la nobleza menor, no fue artista pero sí un verdadero humanista y visionario, quien se encargó de que sus seis hijas recibieran una educación paralela a la de su único hijo varón.  Esto de educar a las hijas en las Humanidades no era la norma pero sí era habitual entre las clases sociales altas. Nota Importante: Todas las imágenes de las obras y los artistas de los que hablamos en nuestros episodios, están disponibles para que las aprecien en nuestras cuentas de Instagram @historiasdearte.enpodcast, Facebook: Historias de Arte en Podcast, Twitter; @historiasdeArt1 ¡Síganos y disfrútenlas! Bibliografía Ferino Pagden, Sylvia, et al. Sofonisba Anguissola. A Renaissance Woman. (1995). Washington, D.C.: National Museum of Women in the Arts. Garrard, Mary D. "Here’s Looking at Me: Sofonisba Anguissola and the Problem of the Woman Artist". (Autumn, 1994). Renaissance Quarterly, New York,  Vol. 47, No. 3, pp. 556-622. Chicago: The University of Chicago Press. [Internet]. https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/philip-ii/7d7280d6-5603-488a-8521-933acc357d7a [10 de noviembre de 2020] [Internet]. https://www.youtube.com/watch?v=94sMEWMykBo [12 de noviembre de 2020] [Internet]. https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/anguissola-sofonisba/949e390c-13b0-429d-99c9-2b98f2e89a32  [10 de noviembre de 2020] [Internet]. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/isabel-de-valois-sosteniendo-un-retrato-de-felipe/6a414693-46ab-4617-b3e5-59e061fcc165  [8 de noviembre de 2020] [Internet]. http://www.mfa.org/collections/object/self-portrait-33656 [8 de noviembre de 2020] [Internet]. http://art.thewalters.org/detail/1377/portrait-of-marquess-massimiliano-stampa/https://nmwa.org/sites/default/files/shared/gentileschi_sfy.pdf [8 de noviembre de 2020]

Dentro de los artistas del Renacimiento se destacan solamente 4 cuatro mujeres.\r\n\r\nA lo largo de la historia, la mayoría de las  artistas mujeres fueron hijas de pintores quienes las instruyeron en la carrera de Bellas Artes. Históricamente, eran excepcionales las mujeres a las  que se les permitía desarrollar sus habilidades artísticas y mucho menos una carrera de profesión.  Una de estas mujeres excepcionales fue Sofonisba Anguissola.\r\n\r\nSofonisba nació en 1530 o 1532 (no se sabe bien) en Cremona, una ciudad en el norte de Italia bajo dominio de la corona Española, en esa época.  Su padre, Amilcare Anguissola, miembro de la nobleza menor, no fue artista pero sí un verdadero humanista y visionario, quien se encargó de que sus seis hijas recibieran una educación paralela a la de su único hijo varón.  Esto de educar a las hijas en las Humanidades no era la norma pero sí era habitual entre las clases sociales altas.\r\n\r\n\r\nNota Importante: \r\nTodas las imágenes de las obras y los artistas de los que hablamos en nuestros episodios, están disponibles para que las aprecien en nuestras cuentas de Instagram @historiasdearte.enpodcast, Facebook: Historias de Arte en Podcast, Twitter; @historiasdeArt1\r\n¡Síganos y disfrútenlas!\r\n\r\n\r\nBibliografía\r\n Ferino Pagden, Sylvia, et al. Sofonisba Anguissola. A Renaissance Woman. (1995). Washington, D.C.: National Museum of Women in the Arts.\r\n\r\nGarrard, Mary D. "Here’s Looking at Me: Sofonisba Anguissola and the Problem of the Woman Artist". (Autumn, 1994). Renaissance Quarterly, New York,  Vol. 47, No. 3, pp. 556-622. Chicago: The University of Chicago Press.\r\n\r\n[Internet]. https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/philip-ii/7d7280d6-5603-488a-8521-933acc357d7a [10 de noviembre de 2020]\r\n\r\n[Internet]. https://www.youtube.com/watch?v=94sMEWMykBo [12 de noviembre de 2020]\r\n\r\n[Internet]. https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/anguissola-sofonisba/949e390c-13b0-429d-99c9-2b98f2e89a32  [10 de noviembre de 2020]\r\n\r\n[Internet]. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/isabel-de-valois-sosteniendo-un-retrato-de-felipe/6a414693-46ab-4617-b3e5-59e061fcc165  [8 de noviembre de 2020]\r\n\r\n[Internet]. http://www.mfa.org/collections/object/self-portrait-33656 [8 de noviembre de 2020]\r\n\r\n[Internet]. http://art.thewalters.org/detail/1377/portrait-of-marquess-massimiliano-stampa/https://nmwa.org/sites/default/files/shared/gentileschi_sfy.pdf [8 de noviembre de 2020]\r\n

Dentro de los artistas del renacimiento se destacan solamente 4 mujeres. A lo largo de la historia, las artistas mujeres eran casi todas hijas de pintores quienes las instruían en la carrera de bellas artes. En esa época dentro del gremio de artistas, eran excepcionales las mujeres a las que se les permitían desarrollar sus habilidades artísticas y mucho menos una carrera de profesión.  Una de estas mujeres excepcionales fue Sofonisba Anguissola, nuestra artista de hoy! Sofonisba nació en 1530 o 1532 (no se sabe bien) en Cremona, una ciudad en el norte de Italia bajo dominio de la corona Española, en esa época.  Su padre Amilcare Anguissola miembro de la nobleza menor, no fue artista pero si un verdadero humanista y visionario, quien se encargo de que sus 6 hijas recibieran una educación paralela a la de su único hijo varón. Esto de educar a las hijas en las humanidades no era la norma pero si era habitual entre las clases sociales altas. Bibliografia Sofonisba Anguissola. A Renaissance Woman, cat. exp., Washington, National Museum of Women in the Arts, 1995. Garrard, Mary D., «Here’s Looking at Me: Sofonisba Anguissola and the Problem of the Woman Artist», Renaissance Quarterly, Nueva York, 1994, pp. 556-622. https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/philip-ii/7d7280d6-5603-488a-8521-933acc357d7a https://www.youtube.com/watch?v=94sMEWMykBo https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/anguissola-sofonisba/949e390c-13b0-429d-99c9-2b98f2e89a32 https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/isabel-de-valois-sosteniendo-un-retrato-de-felipe/6a414693-46ab-4617-b3e5-59e061fcc165 http://www.mfa.org/collections/object/self-portrait-33656 http://art.thewalters.org/detail/1377/portrait-of-marquess-massimiliano-stampa/https://nmwa.org/sites/default/files/shared/gentileschi_sfy.pdf

En el año de 1508, cuando Miguel Angel Buonarroti tenía 31 años, el Papa Julio II lo llama y le dice que quiere que pinte uno de los espacios mas importantes en el Vaticano.  La Capilla Sixtina toma su nombre del Papa Sixto IV quien la manda restaurar alrededor del año 1480 es una de las capillas más importantes, además de ser la más grande, dentro del Vaticano.  La bóveda mide 40 mts de largo, 14 mts de ancho y tiene 20 mts de altura. En esta capilla es donde se reúne el Colegio de Cardenales cada vez que eligen un nuevo papa, a esto se le llama un Cónclave.  Cuando Miguel Angel llega, partes de la capilla ya habían sido decoradas con frescos diseñados por artistas importantes como Sandro Botticelli y Pietro Perugino y la bóveda estaba toda pintada de azul y decorada con estrellitas doradas.  Era la época del Renacimiento, para ese entonces Miguel Angel ya había creado La Piedad, esto fue en el año de 1500  tenia 25 años y también había triunfado con el famosísimo David en Florencia en 1504, a sus 29 años. 

Cuando la pandemia empezó, el Jardín Botánico de la Ciudad de Nueva York ya había vendido cientos de boletos para lo que prometía ser la exposición más completa de la obra de la Japonesa Yayoi Kusama. Esta exhibición iba a incluir varios cuartos infinitos, esos en los que se entra para encontrarse con una infinidad de reflejos creados a través  de un sistema de espejos, calabazas de todos los tamaños y enormes flores. Todo esto pintado con miles de puntos de colores, ahora tendrá que esperar hasta por los menos el año 2021.\r\nYayoi Kusama es una artista fotografiada frecuentemente con su obra y vistiendo ropa que ella misma decora con sus característicos puntos. Hoy día Yayoi Kusama es considerada la artista viva más famosa del mundo.\r\nKusama empezó a crear sus obras más populares, esas calabazas de colores llenas de lunares, en los años 90. Para entonces, ella ya llevaba más de 30 años produciendo arte de manera profesional. Su fascinante historia personal juega un papel muy importante en su obra así como en quién es hoy.\r\n \r\n\r\nNota Importante: \r\nTodas las imágenes de las obras y los artistas de los que hablamos en nuestros episodios, están disponibles para que las aprecien en nuestras cuentas de Instagram @historiasdearte.enpodcast, Facebook: Historias de Arte en Podcast, Twitter; @historiasdeArt1\r\n¡Síganos y disfrútenlas!\r\n\r\nBibliografía del episodio:\r\n\r\nKusama, Yayoi, and Ralph F. McCarthy. (2011). Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama. London, U.K.: Tate.\r\nOrmond, Mark (2002). “Yayoi Kusama – Exodus, Liberation, and Return.” Originally published in Yayoi Kusama. (Exhibition December 4, 2002 – May 11, 2003). Miami Beach, Florida: Bass Museum of Art. [Internet]. Accesible en http://www.markormond.com/kusama_essay.html [6 de noviembre, 2020].\r\nTate, U.K. (s.f.). “Who is Yayoi Kusama”. In Tate Kids. [Internet]. Accesible en https://www.tate.org.uk/kids/explore/who-is/who-yayoi-kusama [30 de octubre, 2020].\r\nYayoi Kusama, Inc. (n.f.) [Internet] Accesible en http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html [6 de noviembre, 2020].\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n

Cuando la pandemia empezó, el Jardín Botánico de la Ciudad de NY ya había vendido cientos de boletos para lo que prometía ser la exposición mas completa de la obra de la Japonesa Yayoi Kusama.  Esta iba a incluir varios cuartos infinitos, esos en los que se entra para encontrarse con una infinidad de reflejos creados a travez de un sistema de espejos, calabazas de todos los tamaños y enormes flores, todo esto pintado con miles de puntos de colores, ahora tendrá que esperar hasta por los menos el año 2021. Yayoi Kusama es una artista fotografiada frecuentemente con su obra y vistiendo ropa que ella misma decora con sus característicos puntos. Hoy en día Yayoi Kusama es considerada la artista viva más famosa del mundo. Kusama empezó a crear sus obras más populares; esas calabazas de colores llenas de puntos, en los años 90’s. Pero para entonces, ella ya llevaba más de 30 años produciendo arte de manera profesional. Su fascinante historia personal juega un papel muy importante en su obra así como en quién es hoy.